Стили артов: Арты в разных стилях — 34 фото

Современные стили рисования — 139 фото

Minjae Lee картины

Стилизованный портрет в мультяшном стиле

Стили рисования людей

Стили рисования девушек

Красивые стили рисования

Стили рисования людей

Рисунки девушек

Креативные рисунки

Абстрактные рисунки

Tanya Shatseva картины

Художник toonimated портреты в стиле аниме

Стили рисования

Стили рисования

Картины сильвии Пелиссеро

Художник toonimated портреты в стиле аниме

Цветная Графика

Классные стили рисования

Цветная Графика

Иллюстрации в разных стилях

Художник toonimated портреты в стиле аниме

Minjae Lee. Современный художник иллюзиии

Картины Эммы Абер

Стилизованный портрет карандашом

Портрет в мультяшном стиле

Необычные стили рисования

Крутые стили рисования

Крутые стили рисования

Стили рисования девушек

Акварельные портреты Silvia Pelissero

Стили рисования людей

Девушка акварель

Необычные стили рисования

Иллюстрации Kelsey Beckett

Интересные стили рисования

Необычные стили рисования

Анна Щеголькова

Minjae Lee. Современный художник иллюзиии

Варвара митяева

Стили рисования

Красивые стили рисования

Кисти loish

Красивые стили рисования

Gwen d’Arcy это

Необычные стили рисования людей

Необычный стиль рисования глаз

Стили рисования

Лицо девушки в мультяшном стиле

Портрет акварелью Агнес Сесиль

Lera Kiryakova рисунки Мелани

Люди в мультяшном стиле

Эммы Убер «девушка в голубой шляпе».

Карне Гриффитс (carne Griffiths)

Необычные стили рисования людей

Стили рисования персонажей

Стилизированный портрет

Стиль живописи каракули

Арт прически для девушек

Необычные стили рисования

Художница Лера Кириякова

Яркие картины

Саша Бродская

Акварельный портрет

Агнес Сэмпсон

Люди в мультяшном стиле

Санди Шимель Голд

Интересные стили рисования

Иллюстрации цветными карандашами

Стили рисования девушек

Картины Юлии Бродской

Художник Димитра Милан

Классные стили рисования

Современная художественная Графика

Картинки девушки нарисованные

Художник Димитра Милан

Скетчбук стили рисования

Гарри Поттер в стиле Тима Бертона

Идеи для рисования маркерами

Классные стили рисования

Стиль рисования персонажей лёгкий

Крутые стили рисования

Крутые стили рисования

Карне Гриффитс картины

Скетчи персонажей

Loish художница

Стили рисования

Avvart Алексей Виноградов цифровая живопись

Стили рисования

Мэдди Зиглер 2020 и сия

Itslopez Эльза

Стили рисования художников

Портрет в абстрактном стиле

Itslopez Эльза

Дэвид Уолкер художник

Яркие портреты

Стили портретов карандашом

Арты для скетчбука

Цветы в разных стилях рисования

Необычные стили рисования

Стили рисования в полный рост

Лайнворк тату эскизы

Стили рисования артов

Художник Dino Tomic

Стили рисования девушек

Д’Эррико, Камилла

Стили рисования артов

Художник Aaron Griffin

Современное арт искусство

Мультяшныцй силь рисования

Изабель Штауб Суперкрошки

Портрет акварелью Агнес Сесиль

Красивые скетчи

Рисунки Елены ШЕЙДЛИНОЙ

Дженнифер Хили (Jennifer Healy)

Скетчи маркерами девушки

Набросок лица девушки для рисования

Цветная Графика

Акварельные портреты сильвии Пелиссеро

Необычная внешность арт

Мультационый стиль рисования

Красивые креативные рисунки

Стильный портрет

Портреты цветными карандашами БТС

Hannah adamaszek

Портреты акварелью Леся Поплавская

Арт БТС стиль

Декоративный портрет живопись

Agnes Cecile художник

Девушки в стиле арт

Необычные портреты красками

Сильвия Пелиссеро картины

Эмма Убер

Стилизованный портрет карандашом

Необычные стили рисования

Портрет в мультипликационном стиле

Рисунки Ross Tran (Rossdraws)

Необычные стили рисования карандашом

Скетчбук девушки

Портрет пастелью

Арты для вдохновения идеями рисования

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр. Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Виды и стили граффити: фото и описания

Виды и стили граффити

• отCrossarea
• Posted on
  20.07.201808.08.2019

Как называются разные виды и стили граффити? Рисунки на стенах создаются отнюдь не в хаотичном порядке. Рассмотрим подробнее основные направления в этом виде уличного искусства.

Основные виды граффити

Writing – это один из основных стилей нанесения граффити. Всех художников-граффитистов называют “райтерами”. Это направление можно считать основоположником всех стилей. Здесь нет ограничений или какой-то определенной техники; художник сам определяет для себя в каком стиле ему лучше рисовать. Это направление включает в себя использование:

• аэрозольной краски;
• настенных маркеров;
• готовых трафаретов;
• роликовых валиков, кистей и т.д.

Работы выполненные в этом стиле принято называть скетчами. Sketch может быть подготовлен заранее на бумаге или при использовании специальной программы.

Tagging – теггинг (таггинг) используется для обозначения имени и зачастую применяется в качестве подписи к работе. Здесь очень часто применяется техника каллиграфии и смешанные технологии райтинга. Причем, теги можно ставить только под собственными работами, хаотичное нанесение собственной подписи на разные объекты принято относить к вандализму. Теги тоже могут рисоваться от руки или подготавливаться в специальной программе.

Bombing – это экстремальное направление граффити. Суть этого метода заключается в том, чтобы нарисовать изображение как можно быстрее на движущихся объектах или в опасных условиях. Например, на краю моста или на высоком балконе. Этому стилю свойственно иметь плохую прорисовку мелких деталей, так как у граффитистов не хватает времени и возможности прорабатывать мелкие детали.

Scratching / Scrabbing – подразумевает нанесение изображений посредством царапин. Такая манера исполнения не очень уважается среди райтеров. Такой стиль всегда подразумевает порчу поверхности различных предметов и объектов, и большинство граффитистов сходятся во мнении, что такой стиль не приведет ни к чему достойному.

Clean Advertising – это сравнительно новое направление, которое относится к коммерческой деятельности; очередной способ размещения рекламы, а также источник заработка для коммерческих художников.

Bubble Letter – “bubble” в переводе с английского означает “пузырь”. И, как становится ясно из названия, для этого стиля характерны круглые и дутые формы. В таком стиле выполняются примитивные рисунки и создаются слова. Также один из первых видов граффити. При использовании техники Bubble Letter комбинируются два схожих цвета, которые придают рисунку объем.

Bubble

Throw-up – этот стиль граффити принято относить к одному из самых простых. Впервые он появился в Нью-Йорке. Характерная черта для этого стиля выражается в использовании двух цветов и простых линий. Такие рисунки бывают как правило очень крупными и объемными.

Blockbusters – был придуман в Лос-Анджелесе. Использовался уличными группировками для того, чтобы обозначить свои территории. Ключевая особенность этой манеры рисования заключается в использовании одного или двух цветов. Рисунок при этом должен быть максимально простым и лаконичным, отображать символику авторской группировки.

Blockbuster

Characters – нанесение различных персонажей из мультфильмов, известных фильмов и книг. К этому направлению можно причислить и персонажей созданных самостоятельно в иной вселенной, например, в комиксах. Это один из самых сложных стилей, так как он требует художественных навыков. Часто при этой технике используется тонкая игла с краской для прорисовки мелких деталей.

Messiah Style – это направление graffiti было придумано известным райтером из Нью-Йорка по кличке Vulcan. В этом стиле используются буквы с эффектом, похожим на наложение слоев.

Wild Style – один из самых сложных для прочтения стилей. При его создании используется от трёх и более цветов. Зачастую переплетение оказывается настолько сложными, что их могут разобрать только сами авторы. Подготовка такого рисунка занимает достаточно много времени и требует высокого уровня мастерства. Даже после того, как рисунок будет продуман до мельчайших деталей, понадобится большое количество времени для реализации изображения.

Computer Roc Style – авторская идея еще одного исполнителя из Нью-Йорка под псевдонимом Case2. Второе название этого стиля “перел”. Для этого стиля характерно разделение разных фрагментов рисунка и наклонение их в разные стороны.

3D / FX Style – одна из новых (сравнительно) разновидностей, которая подразумевает нанесение изображений в формате 3D. Оптические иллюзии очень выгодно выглядят на поверхностях стен; именно по этой причине многие граффитисты создают работы именно в этом стиле.

Каждый день разрабатываются новые техники рисования и развитие этого направления искусства не стоит на месте. Возможно, в будущем мы сможем увидеть новую манеру исполнения и самые дерзкие решения.

Дайджест

⭐️ Избранные материалы про уличную культуру

Вам может понравиться

рисуют по описанию, дорисовывают картинки

Максим Друковский

нагенерировал целый альбом Бэтменов

Профиль автора

Уже несколько лет говорят: «Еще чуть-чуть — и нейросети окончательно заменят художников».

За это время генеративные картины прошли путь от причудливых абстракций до качественных изображений, которые создаются за считаные минуты. Главным прорывом стала модель DALL-E от OpenAI: разработчики научили алгоритм довольно точно «рисовать» по текстовому описанию. Второе поколение нейросети совсем недавно перешло в стадию бета-теста: в ближайшее время доступ к технологии получит миллион человек.

Но и без DALL-E достаточно примечательных сервисов, которые можно протестировать уже сейчас. Мы проверили их и попытались дать всем программам одну и ту же задачу: нарисовать Бэтмена в Москве. Исключение — сервисы, у которых нет возможности сгенерировать супергероя.

Выбирайте, как будете генерировать

• С помощью текста
• По наброскам
• С помощью картинок
• Рандомно

С ПОМОЩЬЮ ТЕКСТА

DALL-E Mini

Где попробовать: сайты Dall-e Mini и Craiyon, телеграм-бот
Простота освоения: 🤖🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎😎😎

На миниатюрах сразу считывается задумка, а еще не видно проблем с разрешением и артефактами

DALL-E Mini, несмотря на название, напрямую не связана с DALL-E от OpenAI. Американский разработчик Борис Дайма вдохновился нейросетью и попытался воспроизвести ее результаты с помощью моделей с открытым кодом. Первую версию он выпустил еще в июле 2021, но настоящая слава к нему пришла год спустя.

В мини-версии DALL-E привлекает простота: не нужно авторизовываться и разбираться в настройках, нет требований к вычислительным мощностям. Достаточно сформулировать запрос на английском языке и нажать на кнопку.

Нейросеть генерирует по описанию сразу девять картинок — так можно увидеть разные попытки изобразить задумку. Это идеальный формат, чтобы визуализировать любую безумную идею. Именно поэтому сервис настолько полюбился в соцсетях и стал очень популярным.

/dall-e-test/

Угадайте, что нарисовала нейросеть

Коллаж из девяти миниатюр еще и скрывает недостатки нейросети. DALL-E Mini проигрывает в качестве многим аналогам: лица получаются смазанными, видны артефакты — искажения после обработки нейросетью. Но все это перекрывается тем, что алгоритм хорошо подстраивается под запрос, а результаты часто получаются очень смешными.

С ПОМОЩЬЮ ТЕКСТА

ruDALL-E

Где попробовать: сайт, приложение «Салют», discord-канал, телеграм-бот
Простота освоения: 🤖🤖🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎

В Discord генерируется не 9, а сразу 16 картинок за раз

ruDALL-E — сервис от разработчиков «Сбера», поэтому он умеет генерировать картинки по описанию на русском языке. Есть две версии ruDALL-E: первое поколение под названием «Малевич» и второе, более продвинутое — «Кандинский».

«Малевич» генерирует одно изображение за раз. У итоговой картинки высокое разрешение, а вот с точностью генерации есть проблемы: нейросеть не всегда понимает, что от нее хотят. Например, во время тестового запроса ruDALL-E то «терял» Бэтмена, то никак не изображал хоть что-то похожее на Москву. Поэтому лучше отправлять запрос несколько раз подряд, чтобы добиться приемлемого результата.

У «Малевича» есть официальный бот в «Телеграме». Там не нужно вводить капчу для каждого запроса, а за то же время генерируются сразу три картинки. Но есть и свой минус — водяной знак по центру каждого изображения.

Как улучшить изображение с помощью нейросетей: 12 сервисов

Результаты «Кандинского» на порядок лучше: нейросеть довольно узнаваемо генерирует сразу девять картинок и у любой можно увеличить разрешение. Нейросеть интегрировали в экосистему «Сбера», так что воспользоваться сервисом можно на умных устройствах компании или в мобильном приложении «Салют» — вход осуществляется через Sber ID. Альтернатива — вступить в официальное discord-сообщество и генерировать картинки там.

С ПОМОЩЬЮ ТЕКСТА

Midjourney

Где попробовать: discord-сервер проекта
Простота освоения: 🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎😎

Некоторые результаты впечатляют проработанностью

Midjourney совсем недавно перешла в стадию бета-теста: любой может присоединиться к каналу разработчиков в Discord и протестировать алгоритм прямо в чате. Для этого достаточно ознакомиться с правилами сообщества, затем ввести команду /imagen, после чего сформулировать запрос на английском языке. Сервис сгенерирует четыре варианта: у каждого можно увеличить разрешение или попросить нейросеть переделать в том же духе.

Картинки получаются достаточно качественными и узнаваемыми, хоть и не без промахов. Бесконечно генерировать изображения не выйдет: есть лимит на каждого человека. Когда он будет исчерпан, можно остаться в сообществе и смотреть, что генерируют другие пользователи.

С ПОМОЩЬЮ ТЕКСТА

Dream by WOMBO

Где попробовать: сайт, приложения для iOS и Android
Простота освоения: 🤖🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎😎

За счет абстракции все проблемы нейросети можно списать на то, что так и было задумано

Это популярный сервис для создания вертикальных обложек. Арты делаются легко: нужно сформулировать текстовый запрос, выбрать стилистику, а при желании — еще и прикрепить картинку-референс. Веб версия-бесплатная, а вот в приложениях стили доступны только по подписке.

Результат выглядит очень абстрактно, но почти всегда красиво. Особо примечательный арт можно купить в высоком качестве в виде реального постера. В «Тиктоке» был флешмоб, где пытались угадать сгенерированные в Dream обложки фильмов и альбомов.

В июне научный журнал университета Emory вышел с обложкой, созданной в приложении. Источник: news.emory.edu

С ПОМОЩЬЮ ТЕКСТА

Starryai

Где попробовать: сайт, приложения для iOS и Android
Простота освоения: 🤖🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎

Мрачный стиль из настроек очень подошел Бэтмену

Нейросеть создает арты на основе текстового описания, но с дополнениями. Можно сразу задать стилистику изображения, прикрепить картинку-референс, добавить дополнительные параметры. Прогресс виден практически в прямом эфире: алгоритм на глазах превращает размытое нечто в полноценный арт.

Программа устроена как тематическая соцсеть: там доступны и чужие работы, чтобы вдохновиться или подсмотреть наиболее эффективные запросы. Для генерации используется система кредитов, которые можно не только купить за деньги, но и заработать, выполняя разные задания: например, посмотреть рекламу или поделиться работой в соцсетях.

Результаты получаются разные, от абстракций в духе ранних ИИ-моделей до качественных работ, почти неотличимых от настоящих картин. Готовое изображение можно пропустить через нейросеть еще раз или увеличить разрешение — за дополнительные кредиты.

Сообщество 22.07.22

Знакомый создал откровенное дипфейк-видео со мной. Какие есть риски и что делать?

С ПОМОЩЬЮ ТЕКСТА

Pixray

Где попробовать: сайт
Простота освоения: 🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎

Получилось не очень качественно, но при желании Бэтмена узнать можно

Это не столько самостоятельный сервис, сколько адаптация сразу нескольких моделей с открытым исходным кодом. Работает только в веб-версии, зато бесплатно и без ограничений или встроенных покупок.

Для генерации достаточно ввести текстовое описание на английском языке и выбрать одну из моделей для рендера: среди вариантов есть как популярные VQGAN и CLIPDraw, так и менее востребованные алгоритмы. Третьим пунктом можно ввести дополнительные настройки по приложенной инструкции либо оставить поле пустым.

45 интересных сайтов, на которых можно застрять надолго

Результаты зависят от модели и настроек. Обычно работы далеки от реализма, но, как правило, передают запрос пользователя. Генерируются изображения от нескольких минут, а в процессе можно увидеть промежуточные варианты итоговой версии.

ПО НАБРОСКАМ

Pix2pix

Где попробовать: Где попробовать: демо-сайт разработчика
Простота освоения: 🤖🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎😎😎

Получился вот такой котобэтмен

Pix2pix — это не конкретный сервис, а название модели в основе множества небольших сайтов. Она может имитировать стиль оригинального рисунка, дорисовывать кадры или превращать рисунки в реалистичные изображения. С помощью pix2pix, например, продолжали ролики и преобразовывали старые карты в снимки со спутников.

Исследователи представили модель еще в 2017 году. Тогда же разработчик OpenAI Кристофер Хессе создал демосайт, чтобы любой желающий мог протестировать Pix2pix. В четырех демонстрационных модулях нейросеть рисует объект по наброскам пользователя: кота, фасад здания, сумку или обувь. Алгоритм буквально на лету пытается понять задумку и подстраивается под каждый новый штрих.

Результат сложно назвать реалистичным, зато можно нарисовать кота в форме хлеба или здание, которое полностью состоит из дверей. Пространство для фантазии гораздо шире, а результат нагляднее, чем при текстовом запросе.

По нынешним меркам это устаревшая нейросеть: демоверсиям уже несколько лет, а технологии с тех пор сделали огромный шаг вперед. Но можно попробовать и другие сервисы на основе Pix2pix: разработчики-энтузиасты сделали сайты, где можно нарисовать портрет человека или Пикачу.

/virtual-cinema/

Как я посетил кинотеатр в виртуальной реальности — и стоит ли оно того

ПО НАБРОСКАМ

GauGAN

Где попробовать: программа Canvas для Windows, демосайт
Простота освоения: 🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎

Если немного посидеть на сайте GauGAN, то разобраться можно и интуитивно

GauGAN — нейросеть, разработкой которой занимается компания NVIDIA. Главная фишка — умение превращать даже не очень умелые наброски пользователей в фотореалистичные пейзажи. Во второй версии ИИ научился делать то же самое на основе текстового описания.

У GauGAN есть набор «материалов»: можно прямо указать нейросети, где должны быть облака, вода, солнце, деревья или здания. Смена инструментов может за пару штрихов полностью изменить пейзаж — но он останется таким же реалистичным. Модель уже встроена в сервис NVIDIA под названием Canvas: бета-версию программы можно бесплатно скачать с сайта разработчика. Но системные требования у нее солидные: Windows 10 или 11, видеокарта с поддержкой RTX, жесткий диск SSD.

Есть вариант проще: демосайт с ограниченными функциями. Сервис генерирует пейзаж на основе рисунка, заранее загруженного изображения или текстового описания — либо всех инструментов одновременно.

Из-за большого количества настроек с ходу разобраться на сайте может быть трудно. При первом запуске активируется инструкция, а на «Ютубе» есть обучающие ролики. Рекомендуем сначала ознакомиться с ними.

Как начать пользоваться GauGAN2 — видеоурок

Тьюториал по использованию GauGAN2 — видеоурок

СМЕШИВАЕТ КАРТИНКИ

Artbreeder

Где попробовать: сайт
Простота освоения: 🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎😎😎

Вместо Бэтмена пришлось тестировать нейросеть на Роберте Паттинсоне — тут он повзрослее и повеселее

С Artbreeder можно создавать уникальные изображения с помощью «смешивания» уже существующих. Как это работает: пользователи могут загрузить любую картинку, чаще всего — портрет. Ее при желании можно редактировать с помощью нейросети: сменить возраст, пол, добавить волосы или улыбку. Настроек достаточно много, но главное — не увлекаться: в противном случае узнаваемое лицо быстро превратится в абстрактное месиво.

Самое интересное начинается при добавлении второй картинки — тогда алгоритм уже покажет «ребенка» двух людей. Его внешность тоже можно менять: к стандартным настройкам добавляется слайдер «На кого больше похож». При серьезном подходе можно добиться очень реалистичных результатов: некоторые художники таким образом воссоздают внешность литературных персонажей или исторических личностей.

Главная проблема — бесплатно можно загрузить три свои картинки. После исчерпания лимита остается только брать стандартные изображения и работы других пользователей.

/discord/

Как правильно пользоваться Discord: для игр, общения и работы

БЕЗ УЧАСТИЯ ЧЕЛОВЕКА

This X Does Not Exist

Где попробовать: погенерировать людей, животных, кроссовки, резюме и идеи для стартапов
Простота освоения: 🤖🤖🤖🤖🤖
Качество генерации: 👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨👨‍🎨
Фан-эффект: 😎

Этого ночного неба не существует

Если у вас нет конкретного запроса или времени, можно зайти на один из сайтов с общей концепцией «Этого X не существует». На таких страницах вообще не придется ничего настраивать, вводить и даже кликать — после каждого обновления выводится уникальное сгенерированное нейросетью изображение. Причем довольно качественное: порой нужно долго всматриваться, чтобы заметить артефакты.

Мы постим кружочки, красивые карточки и новости о технологиях и поп-культуре в нашем телеграм-канале. Подписывайтесь, там классно: @t_technocult.

базовые принципы — Gamedev на DTF

Руководитель OWL Studio о работе художника в геймдеве.

58 768 просмотров

22 марта в Высшей школе бизнес-информатики прошла лекция в рамках программы «Менеджмент игровых проектов» на тему «Игровая графика: базовые принципы и инструменты». Её провела Вера Величко — руководитель и основатель OWL Studio, проработавшая в игровой индустрии восемь лет.

DTF публикует конспект выступления.

Игровой арт — комплексная сфера, в которой, с одной стороны, воплощаются креатив и творчество, а с другой — набор функций. У арта, который будет использоваться в играх, есть очень много особенностей.

Слева — фрагмент картины Врубеля «Демон сидящий», справа — демон из Diablo 3. Можно сказать, что игровой арт — такой же вид искусства, как и все прочие виды изобразительного искусства. То, что мы сегодня делаем для игр, когда-нибудь займет свое место в истории культуры. Здесь художник может найти такие же возможности для творчества и самовыражения.

Но в то же время художник работает со всей командой разработчиков и делает арт функциональным для игры.

Виды игровых художников

• ​Концепт-артист — наиболее известный и желанный вид для большинства художников, пробующих себя в игровой индустрии и делающих в ней первые шаги. Все хотят рисовать концепты (особенно — персонажей).
• Художник по персонажам.
• Художник по окружению — создаёт локации, пейзажи и объекты;
• Художник по интерфейсам — более редкий и менее известный вид. Не все знают, что эти художники существуют.
• Лид-артист — наиболее компетентный художник, менеджер, занимающийся проектированием стиля игры. Хорошо, если лид может направлять художников в своей команде.

Основные игровые стилистики

Казуальный — лёгкий стиль, вызывающий ассоциации с другими — мультяшным и детским. В казуальной стилистике уже появилось много различных направлений и подтем. Здесь выделены три условных стилистики: детская, женская и мужская. Разделение казуальной графики на женскую и мужскую достаточно условно, но, тем не менее, существует.

• Детская стилистика: наиболее яркая, мультяшная и простая графика. Создаёт образы, которые сразу понятны ребенку.
• Женская стилистика: в играх, рассчитанных на женскую аудиторию, могут встречаться условно-женские цвета: розовый, фиолетовый. Фэнтезийные тематики.
• Мужская стилистика: пример — World of Warcraft. Требования к технике во время запуска игры были такие, что графика должна была быть простой. Есть отсылки к мультяшности, упрощенным формам и ярким цветам. Тем не менее, она уже не воспринимается как детская. При этом геймплейно игра начиналась как довольно хардкорная. Сейчас уже есть целый кластер хардкорных игр с упрощённой графикой, чаще всего в фэнтезийной стилистике.

Однажды наша команда работала над проектом Casual Heroes. В документации к нему было указано, что это постапокалипсис. Более казуальный постапокалипсис трудно себе представить: очень яркие картинки, зелёная трава, милые герои. Например, добрый повар, который колотит врагов скалкой.

Средний столбец на картинке — это реализм. Графика, приближенная к реальности, с высокой детализацией, низкой степенью стилистического изменения пропорций и так далее.

На самом деле, категорий гораздо больше, но мы рассмотрим четыре:

• современный стиль — условно «реалистичные» игры, которые в каком-то виде отражают нашу современность и происходящие в ней события;
• исторический стиль — игры, которые основаны на истории, реальной или изменённой;
• фэнтезийный стиль — можно сказать, что это стиль на стыке мужского казуального и реалистичного, потому что в нём используется яркая и не совсем реальная графика. В отличие от казуальной стилизации, используются реальные пропорции, натуральные цвета. Это мир, который мы видим своими глазами, только с добавлением фэнтезийных элементов;
• ​«dark» — реальность, но в мрачном сеттинге. Создаётся, к примеру, мир постапокалипсиса или чего-то подобного с приглушёнными красками.

Третьей колонкой выделена стилизация под известный жанр. Это не обязательно игровой жанр, скорее визуальная концепция.

• Комиксы и аниме. По цветовой гамме аниме традиционно достаточно близко к женскому «казуалу». Но тем не менее, в нём есть и очень реалистичные черты.
• Пиксель-арт. Когда пиксельная графика появилась — в условиях нехватки ресурсов она была единственным средством самовыражения для художника. Надо сказать, что художники отлично с этим справлялись, классические пиксельные игры отличались проработанным визуальным миром. Пиксель-арт сейчас возвращается в игры с основой из окрашенных пикселей и современными эффектами: размытием, свечением и так далее.
• Low-poly. Арт, стилизованный под модели с небольшим количеством полигонов — к примеру, персонажи, собранные из треугольников. Очень модное направление в дизайне.
• Авторская стилизация. Всё остальное, что художник может придумать. Используется в огромном количестве игр, особенно в инди проектах. С одной стороны, это может быть интересно, — иногда эти эксперименты помогают игре выделиться среди остальных. С другой стороны, когда разработчики используют авторскую стилизацию, аудитория не совсем понимает, что это за стиль и чего от него ожидать. Он может заинтересовать, но ему предстоит преодолеть недоверие и недоумение пользователей.

Выбор идеального стиля

Существует три сферы: восприятие аудитории, «лор» и жанр проекта (и его технические особенности).

Восприятие аудитории

Каждый из перечисленных ранее стилей имеет свою аудиторию. Первый вопрос, который вы должны себе задать, проектируя игру: «Какую аудиторию я хочу привлечь? Чего моя аудитория ждёт от меня?». Ответ на этот вопрос заключён в геймплее.

Задача художника — понимать, какие стили существуют и какую аудиторию они затрагивают. Для того, чтобы в этом разбираться, нужно постоянно мониторить рынок и следить за новыми проектами. У каждого стиля своя история среди пользователей, и вам нужно её знать.

«Лор» и жанр

«Лор» — это история игры. Если у вас фэнтезийный сюжет в минималистичной стилистике, трудно добавить в него какое-нибудь колдовство. Жанр приносит свои требования и законы в реализацию игры. В зависимости от того, какие механики использует игра, меняется то, как она будет выглядеть.

Технические требования

Прежде всего они зависят от того, на какие девайсы рассчитана ваша игра. Например, если мы делаем небольшую игру для Steam и рисуем какой-то «жирный» арт, который плохо работает на слабых компьютерах, пользователи будут очень недовольны. Если мы делаем мобильную игру, то понятно, что мы не можем в ней делать супер-полигональное 3D. Есть мобильные игры, рассчитанные на планшеты и мощные смартфоны, которые могут себе позволить быть достаточно требовательными к «железу», потому что они так себя и позиционируют. То, какие инструменты вы будете использовать, будет зависеть от того, что можно технически реализовать.

Соединив эти три аспекта и найдя нечто среднее, отвечающее всем параметрам, вы найдёте визуальный стиль игры. Чем меньше в начале проекта известно о них — тем больше переработок будет в процессе.

Проектирование стиля игры

Пройдя стартовый этап, вы очень сильно сэкономите время разработки.

Референсы

После того, как вы определили стиль игры, нужно искать в интернете референсы. Если посвятить этому недостаточно времени и внимания, потом обязательно выяснится, например, что кто-то уже делал такой проект. Чтобы найти оптимальное решение, сначала нужно обеспечить хороший уровень «насмотренности». Собрав в пакет все найденные примеры игр в выбранной стилистике, нужно выделить положительные черты, которые можно использовать, и отрицательные — ошибки, которые необходимо учесть.

Фейк-скриншот

Очень интересный пункт. Даже среди разработчиков с большим опытом в игровой индустрии не все отдают себе отчёт в том, что это необходимый этап разработки. Существует два определения фейк-скриншота.

Одно из них достаточно маркетинговое: когда из существующих в игре артов в процессе разработки собираются скриншоты ситуаций, которые пока не реализованы, но скоро будут. Их используют для презентаций.

Второе — фейк-скриншот, создающийся с нуля. Это экран игры с наиболее часто встречающейся ситуацией. Например, полем сражения. Если у художника достаточно большой опыт (в том числе и игровой, это очень важно — обычно художники мало играют) и насмотренность, он примерно представляет себе, как должна выглядеть игра. Фейк-скриншот создаётся для того, чтобы проверить, может ли игра быть такой, какой он себе её представляет.

Для этого не обязательно прорисовывать всё, можно заимствовать части из других проектов. Но бесполезно пытаться соединить их, если у вас нет видения того, что должен из себя представлять скриншот. В этом случае нужно продвигаться небольшими шагами. Сначала сделать «скины» и прикинуть на них нужные размеры, потом цветовую гамму, потом опробовать стилистику. Когда в голове сложится картинка, вы собираете фейк-скриншот.

На этапе его создания решается очень много вопросов: цветовая гамма, визуальные стили, относительные размеры. Фейк-скриншот отсматривается на максимальном количестве разных экранов и девайсов для того, чтобы убедиться, что он везде смотрится хорошо.

В последнем нашем проекте работа над фейк-скриншотом заняла месяц. В процессе было отброшено около десятка решений, которые впоследствии показали бы себя не очень хорошо. Это обнаружили на самой первой стадии.

Скриншоты основных игровых ситуаций

Чем больше игровых ситуаций в игре, тем больше может понадобиться таких экранов. Если у разработчика и художника есть чёткое понимание, что на них происходит, этап можно пропустить и приступить к отрисовке контента. Если какой-то экран в игре всё ещё вызывает вопросы, лучше его протестировать.

Этот метод лучше всего подходит для мобильных игр, в которых количество игровых ситуаций достаточно ограничено. Есть типичные локация, герой, игровое поле и ситуация на нём.

Первичная документация

Далеко не всем бывает понятно, зачем её делать, особенно если в проекте три-четыре человека.

В процессе создания документации по арту команда окончательно понимает, что она делает. В документе описано, на какую аудиторию рассчитан проект, его жанр, технические особенности, стиль. Там же содержатся референсы и типы контента. К примеру, вы делаете «match-3», и тогда у вас есть задник игры, игровое поле, фишки и интерфейсные элементы. Очень хорошо, если на этом этапе планируется время работы над каждым элементом контента.

Эти описания очень сильно сэкономят вам время в дальнейшей разработке, особенно если ваша команда будет масштабироваться.

Художник и команда

Техническое задание

Постановка технического задания — отдельное искусство. Его регламент неизвестен никому. Вещи, которые кажутся очевидными художнику, абсолютно не очевидны тем, кто с ним работает. Его задача — понимать, какие пункты нужно уточнить, прежде чем принимать задание в работу. Те же, кто контактирует с художником, должны эти требования (по возможности) учесть.

• Тематическое описание. К примеру: проект — рыбалка, в котором есть туториал, незаметный для пользователя. Нужно нарисовать стрелку, указывающую на него. То есть, какая-то вводная информация по задаче.
• Функциональное описание. Какую функцию будет выполнять этот арт в игре: указательная стрелка, фишка в «match-3», персонаж под анимацию.
• Описание класса арта. Если у вас есть диздок, в котором описаны классы артов, их потом можно просто копировать в задачи.
• Технические требования.
• Графические референсы. Если это какой-то простой арт, можно обойтись и без них. Но если это, например, персонаж, они нужны обязательно.

Составление такого задания требует времени от того, кто его ставит. Часто в командах торопятся и ставят задачи в духе: «Просто нарисуй красивую стрелочку». Но это время (а может и больше) всё равно будет потрачено командой, потому что художнику придётся самому идти и узнавать все перечисленные выше пункты, либо исправлять то, что он нарисует, не понимая, для чего это нужно.

Работа в команде

Позиций может быть больше, если проект крупный, или меньше. У каждого из этих людей есть свой круг обязанностей и задач.

Геймдизайнер должен рассказать, как арт будет использован и какие у него задачи. Он решает, например, с какой скоростью летят снаряды и как они анимируются. Технические требования, касающиеся встраивания арта в движок, исходят от программистов, но очень здорово, если они проходят и через геймдизайнера. В большинстве случаев программисты и художники очень плохо понимают друг друга.

Продюсер — такой человек, который придёт и скажет: «Сделайте всё красным и большие сиськи, иначе я это не продам». В таких случаях злятся и художник, и геймдизайнер, но продюсер прав, потому что он кормит всю команду. Он отвечает за восприятие игры аудиторией. Именно продюсер постоянно держит в голове ожидания ЦА. Художник видит игру на своем экране, а продюсер — на страничке магазина. Каждый новый арт обдумывается: «зайдёт» он или нет.

Задача художника — создать картинку, соответствующую требованиям геймдизайнера и продюсера.

Очень важно, чтобы в команде была налажена постоянная работа между этими тремя людьми. Художнику — нравилась картинка, геймдизайнер мог встроить её в игру, а продюсер — продать. Поэтому процесс общения между ними требует одинаковой вовлечённости от всех.

Некоммерческие проекты

Для того, чтобы собрать портфолио, художник может участвовать в некоммерческих проектах, но выбирать их нужно тщательно.

Разработчики должны понимать, что хотят сделать. До того, как найти художника, они создают документацию для проекта. Игра редко начинается с картинки, чаще — с геймдизайнерской идеи. В документации должны быть описаны жанр, возможные стили, технические фичи, целевые платформы, список контента и так далее. Если у геймдизайнера нет представления об этом — у художника его тем более не будет.

Объёмы работы должны быть выполнимы в срок не более полугода. Это вопрос человеческой психологии. В среднем энтузиазм живёт полгода. Через полгода человек должен видеть хотя бы какой-то результат своей работы. Стиль и жанр проекта должны быть востребованы на рынке. Художник создаёт для себя актуальное портфолио.

Если эти условия выполняются, а у художника есть время и финансовая возможность поучаствовать в таком проекте, это обязательно нужно делать. Потому что без опыта никакой дороги дальше нет. Всё, что художник может взять «из головы» без контакта с геймдизайнером и продюсером, не считается. Имеет значение только боевой опыт.

• ​ Неактуальное художнику предложение. Если уровень вашего проекта для него — пройденный этап, человека вряд ли заинтересует ваш проект.
• Неподходящий игре художник. Это касается визуальной стилистики — ситуация, когда человека, который рисует кишки, предлагают рисовать детские игры. Нужно посмотреть на графику, которую делает художник, и предположить, сможет ли он реализовать вашу задачу.
• Неинтересная презентация. Расскажите человеку, почему он должен влюбиться в ваш проект. Это не должен быть большой текст, но он должен заинтересовывать.
• Нечётко сформулированный запрос. Разработчик не может сформулировать, что именно нужно делать. Это часто вызывает негативную реакцию. Современный человек тратит очень мало времени на оценку информации, поэтому должен в максимально сжатом формате получить чёткий запрос.
• Трудновыполнимые обещания. Что-то из серии: «Заработаем 500 тысяч долларов, и через полгода ты получишь на руки 50%». Может быть, на старте это поможет вам найти дурака. Но любой человек, который умеет оценивать перспективы, поймёт, что ваш план нереализуем, и решит с вами не связываться. Лучше говорить честно обо всем, что вы можете предложить художнику.

Каким должно быть портфолио

• Качественные картинки. Работы «для себя» часто могут быть не доведены до конца. Если вы делаете картинки для портфолио, вся графика должна быть представлена в том виде, в котором она может быть использована в игре — всё доведено до ума и чисто.
• Востребованная графика. Кладите в портфолио то, что у вас захотят купить, то есть то, что востребовано на рынке. Заходите в магазины и смотрите топ игр. Какие из них вам подходят?
• Весь портфель должен быть структурирован и разделён на категории: персонажи, иконки, фоны и так далее.
• Стильное оформление. Должна быть объединяющая дизайнерская тема. Следите за оформлением, не перегружайте его элементами.

Следующие лекции в Высшей школе бизнес-информатики НИУ ВШЭ пройдут 17 мая, на конференции, посвящённой VR-проектам в игровой и других сферах.

#арт #long

Концепт-арт как визуализация идеи вашей будущей игры — Pixonic на vc.ru

Зачем нужен концепт-арт, и можно ли обойтись без профессиональных художников — вторая статья из цикла об игровом арте для начинающих разработчиков.

42 329 просмотров

Авторы

• Константин Кузьмин. Экономист-международник, который увлекся 3D-моделированием и так попал в игровую индустрию. Сейчас — старший моделлер Pixonic, занимается технической поддержкой проекта War Robots.
• Егор Гафидов. По образованию преподаватель ИЗО со специализацией «Книжная графика». Собирался работать иллюстратором книг, но волей случая оказался в геймдеве. В Pixonic занимается задачами по 2D — в основном концептами персонажей, локаций, пропсов и не только.
  

Звучит банально, но концепт-арт — это очень важный этап почти любой игры. Это визуальный образ вашей идеи и прямая инструкция для создания внутриигрового арта. Сегодня мы разберёмся, как и зачем делать концепт-арт.

В прошлой статье мы говорили про поиск референсов и даже сделали мудборд. Так вот: продолжайте собирать референсы из игр, фильмов, мультфильмов и иллюстраций. Вплоть до того, что вам понравилась застёжка на латах рыцаря, а вы искали космодесантника — всё равно тащите к себе. Это создаёт ассоциативный ряд и в дальнейшем поможет подать идею для работы не только вам, но и моделлерам. Собирайте примеры для разных этапов работы: общий стиль, стилизация, элементы, материалы и так далее.

Поиск референсов — это не бездумное копирование чужих идей, а подбор подсказок для дальнейшей работы.

Теперь приступим к созданию скетчей и концепт-артов, потому что с сеттингом, жанром и визуальным стилем игры мы уже определились в предыдущих циклах «Геймдизайн» и «Разработка».

Разберём несколько путей для начинающего разработчика:

• можно ли самому нарисовать концепт-арт;
• сложно ли найти концепт-художника и моделлера в одном лице;
  
• как писать техническое задание и не только.
  

2D-художник: Егор Гафидов

От простого к сложному

Возьмём самую грустную ситуацию: нет концепт-художника, и рисовать мы не умеем. Что делать? Имея представление о том, как проект должен выглядеть, можно собрать новый мудборд из референсов, которые максимально близко передают видение, и показать всё это 3D-моделлеру. Если он толковый, и любит рисовать, то справится без концептов. Но тут могут появиться разночтения референсов между вами и моделлером.

Ещё начинающий разработчик может воспользоваться онлайн-генераторами. Например, для персонажей подойдёт HeroMachine.

Не факт, что удастся воплотить все фантазии, зато результат от моделлера будет достаточно предсказуем

Неплохим вариантом будет поиск концепт-художника и моделлера в одном лице. Тогда расхождения между концептом и финальным артом будут минимальными. Проблема в том, что найти такого человека очень сложно. Особенно если нужно, чтобы он одинаково хорошо и быстро рисовал и моделил. Если контента много, никакой художник-моделлер с ним не справится — он просто не сможет одновременно рисовать и моделить десятки ассетов.

Самая частая ситуация, это когда моделлер и художник разные люди. Тут всё зависит от скилла обоих, причём в большей степени от скилла моделлера. 3D-моделлеру с навыками рисования и художественным вкусом будет достаточно позы в три четверти, особенно для небольших мобильных проектов.

Поза в три четверти — первое изображение на концепт-арте персонажа Художник: Tancred Dyke-Wells

Чем детальнее прописан персонаж (сундук, пушка, здание), тем меньше моделлеру придётся искать референсы и ломать голову о том, как элемент доспеха держится на плече и не падает. Это не менее важно при текстуринге, так как львиная доля деталей (особенно в мобильных проектах) передаётся именно текстурами.

Совет: приложите к готовому концепту использованные референсы, которые показывают, как выглядят детали, материалы, текстуры и так далее — это сильно облегчит работу моделлера.

Uncharted 2: Among Thieves Художник: Hong Ly

Конструкцию необычных предметов (инопланетного оружия, фэнтезийных доспехов) полезно отдельно отрисовать в разных ракурсах.

Darksiders Художник: Paul Richards

Чтобы сэкономить время, можно в ракурсе три четверти нарисовать проработанный концепт персонажа в «боевой» позе — кастующего магию или стреляющего из плазмагана. Это нужно, чтобы наметить анимацию и эффекты. А стандартные ракурсы (model sheet) сделать лайн-артом, как на примере ниже. Можно с заливкой цветом.

Художник: Tancred Dyke-Wells

Где искать художников, и сколько стоят их услуги

Единых цен на услуги художников не существует, поэтому придётся отталкиваться от того, сколько времени уйдет на работу. Дальше всё зависит от запросов художника и способности с ним договориться.

Подготовка концепта одного персонажа или юнита на фрилансе в среднем занимает около 36 часов. Если говорить о концепте локации для 2D-квеста, время будет зависеть от количества контента в сцене — рассчитывайте на 5-15 дней. Для игр жанра Hidden Object время увеличивается до трёх недель: две на отрисовку фона, остальное — на объекты. Хотя и тут можно уложиться в 14 дней, если использовать фототекстуры.

Другой вариант — договариваться о сдельной оплате за набор скетчей или отдельный концепт-арт. Дороже — не всегда значит лучше, поэтому оценивайте художников по портфолио и ищите компромисс цена-качество.

Для примера есть форум GameDev.ru c разделами «Резюме» и «Разовая работа». Полистайте темы от художников, посмотрите портфолио или закиньте свой заказ. Главное — подробно расписать техническое задание (ТЗ), уровень прорисовки, количество ракурсов. Если владеете английским, можно зайти на международные фриланс-биржи. Например, Upwork.

Если у художника нет портфолио (что странно, но бывает) — обязательно попросите прислать примеры работ.

В целом, хорошим вариантом на небольшой проект будет более-менее универсальный художник, который, пусть и не идеально, но понятно для моделлера сможет набросать и скетч локации, и персонажку, и пропсы.

Такой концепт будет более понятен для дальнейшей работы, чем следующий — моделлеру не придётся много додумывать, чтобы сделать 3D-модель. Художник: Colby Marchi

Очень хороший рисунок, но не такой понятный для моделлера, как предыдущий. Художник: Yuri Yakovlev

Когда вы ищете концепт-художника на небольшой проект, важно обратить внимание, соответствует ли его стиль сеттингу вашей игры. Если вы создаёте научно-фантастический мир, а в портфолио художника заметный перевес в сторону фэнтези, он скорее всего вам не подходит.

Красивые арты эльфиек с тысячами лайков — не гарантия того, что художник сможет сделать достоверный концепт футуристичного солдата в тактическом снаряжении, как в Destiny или Anthem. И наоборот.

ТЗ

Подробно техзадание для художника сэкономит массу времени и денег. Некоторые начинающие разработчики забывают об этом, и потом приходится полностью перерисовывать концепты, что недопустимо в условиях ограниченного бюджета.

Как составить ТЗ для художника:

1. Подробно расскажите о сеттинге. Если готовых мудбордов, концептов и UI ещё нет — приложите ссылки на похожие проекты и обратите внимание художника на их стиль.
2. Если уже есть какие-то концепт-арты и модели для проекта — всё равно покажите примеры, на которые нужно ориентироваться. Чем больше рефов — тем лучше.
   
3. Опишите все характеристики персонажей, в том числе поведение и будущие анимации. Если герой будет участвовать в боях, опишите его стиль, абилки и роль в игре.
   
4. Укажите все технические нюансы объектов, которые могут возникнуть. Если это интерактивный Sci-Fi сундук необычной формы, в концепте должно быть отражено, как он открывается. Если объект взаимодействует с интерфейсом — нужно объяснить, как именно.
   
5. Укажите размеры объектов.
   
6. Уже есть моделлер? Отлично. Уточните у него сколько ракурсов и какого уровня прорисовки хватит, чтобы сделать готовую 3D-модель. Спросите, нужно ли отдельно уточнить какие-то элементы и принципы их работы. Добавьте всё в ТЗ.
   
7. Если в проекте будут реально существующие объекты — например, конкретные модели самолётов или оружия, — обязательно приложите к ТЗ их фотографии (желательно несколько) и даже чертежи. Концептер и моделлер будут благодарны.
   
8. Укажите дедлайны, но учтите, что они могут сдвинуться.
   

Что делает художник

Сперва делаются грубые наброски, чтобы понять, куда двигаться. Быстрый лайнарт (контурный рисунок без заливок) или, наоборот, работа «от пятна» дают грубое представление о силуэте и масштабе объекта — можно понять, отвечает ли он поставленным требованиям.

Художник: Григорий Лебидько

На этом этапе проще всего вносить крупные правки, поэтому не стоит себя ограничивать — можно переделывать всё с нуля.

Концепты ROBO RECALL

Определившись с силуэтом, художник разбивает объект на «массы», намечает общий дизайн и крупные знаковые элементы — будет ли это плащ или короткая куртка, высокие сапоги или ботинки, лысая голова или коса до пояса.

Художник: Григорий Лебидько

Художник: Nicholas Kole

Затем художник переходит к прорисовке: углубляется в детали, выделяет материалы, тон, расставляет индивидуальные акценты.

Работу с цветом можно отложить до этапа проработки, но иногда приходится отталкиваться именно от него. Например, при разработке нового костюма для Супермена за основу всё равно берётся классическая цветовая схема.

На всех этапах разработки не забываем о референсах. Например, на этапе прорисовки одежды могут пригодиться примеры тканей.

Кейсы

От разработки концепта до 3D-модели

Теперь пример из личного опыта. Изначально в ТЗ была расписана общая информация о персонаже, какие способности он использует и как передвигается. Также геймдизайнер предположил, что такому герою подойдёт образ мужчины в стиле стимпанка. Художник перечитал описание и понял, что некоторые агрессивные способности не подходят под персонажа с вычурным обликом.

Провели брейншторм, подумали над концепцией, и начал рождаться огромный мужик с серпом. Тут выяснилось, что персонаж относится к классу саппорт, а огромная мясная туша не подходит под это определение. Чтобы избежать таких моментов, в ТЗ и нужно прописывать роль, характеристики и абилки персонажа.

Решили пойти от обратного и сделали мальчугана. Показалось скучно, поэтому добавили ему рога и копытца. Поняли, что настолько молодому парню просто не хватит сил на все способности. Тогда сделали статного, но очень худого молодого сатира.

Но это ещё не всё. Через какое-то время осознали, что слишком тонкая фигура будет теряться на экране телефона. Другой художник переосмыслил и дополнил прежний образ. В итоге мы пришли к финальному концепту, который ушёл 3D-моделлерам.

Художники: Егор Гафидов и Сергей Кацуков

Концепты сразу в 3D

Расскажем, как построена работа с концептами роботов на проекте War Robots. Разработка концептов (или даже прототипирование) делается в SketchUp — программе, изначально разработанной для моделирования интерьеров, а вовсе не роботов. Зато этот редактор легко освоить и заниматься 3D-прототипированием, не особо разбираясь в 3D-редакторах и нюансах моделирования.

Сначала робот принимает форму с учётом заданных геймдизайнерами размеров. Потом художник проверяет, чтобы пушки не пересекались с геометрией, а ноги при сгибе не задевали другие части модели.

Дальше поверх рендера в ракурсе три четверти художник рисует среднюю и мелкую детализацию.

Потом модель из SketchUp и скетч в фотошопе уходят на финальный моделлинг и текстуринг.

Чем хорош этот метод? Он упрощает работу 3D-художников — им не нужно интерпретировать двумерный рисунок, у них уже есть модель с нужными габаритами и формой. Поэтому расхождения с концептом тут минимальны. Во-вторых, концептеру не нужно тратить время на отрисовку проекций робота спереди, сзади, слева и справа.

Советы

• Концепт-арт — это не просто иллюстрация, а рабочий материал, который пойдёт дальше. Он должен быть читаемым и передавать самое необходимое для дальнейшей разработки.
• Для разработки пропсов (и не только) очень хорошо, когда концептер набрасывает сразу несколько черновых вариантов.

Quake 4 Художник: Paul Richards

• Если разработка ведётся под смартфоны, не стоит тратить время на излишнюю детализацию. Держите в уме диагональ среднего экрана смартфона и помните, что мелкие детали не будут на нём видны.
• Для ускорения процесса не стоит пренебрегать фотобашингом (быстрым составлением арта из фотографий с небольшой обработкой) и использованием готовых 3D-рендеров, если есть такая возможность. Это не чит, ведь наша цель — не создать уникальное произведение искусства, а набросать персонажа.

Пример фотобашинга

• Стоит поискать документы с описанием разработки концептов для популярных проектов. Например, Character Art Guide для Dota 2.
• Ещё один полезный ресурс на английском со сборником ссылок на тему.
  

Домашнее задание

Начнем готовить оригинальный арт и модели для нашего прототипа!

• Напишите подробное ТЗ для одного персонажа или объекта. Не забудьте указать характеристики, роль, абилки и способы взаимодействия с игроком, миром или интерфейсом, если такие есть.
• Нарисуйте или соберите концепт-арт по ТЗ. Можно попробовать метод фотобашинга, а можно подключить художника — всё на ваше усмотрение. Помните, что этот арт в дальнейшем должен пойти в работу и стать частью вашей игры, а не остаться просто красивой картинкой на рабочем столе.

В следующей статье разберём, как концепты становятся внутриигровыми объектами.

Эта статья — часть нашего большого проекта с vc.ru. Если выполнять все задания, можно — ни много ни мало — научиться делать видеоигры. И выиграть PS4 Pro в конце каждого цикла статей.

9 стилей искусства, которые всегда будут популярны

Когда дело доходит до искусства, мы все знаем, что любим и что ненавидим. Блуждая по художественной галерее, мы также знаем произведения, которые бросают нам вызов. Это те, на которые мы часто смотрим дольше всего. Они могут не обязательно нам нравиться, но они привлекают наше внимание и заставляют нас думать. Они имеют ценность.

Когда мы выбираем произведения искусства для украшения собственного дома, у нас есть возможность выбирать из стилей искусства, которые мы любим больше всего. Однако это не означает, что мы внезапно загоняем себя в рамки. Это просто означает, что нужно больше знать о том, как лучше всего найти искусство, которое вам понравится больше всего.

Если вы знаете, что любите «абстрактное» и не любите «импрессионизм», вам будет проще понять, где искать. Если вы не знаете разницы между «абстрактным» и «импрессионизмом», вы можете немного запутаться.

Если вы не являетесь искусствоведом, вполне понятно, что вы не знаете тонкостей различных художественных стилей, поэтому, чтобы помочь вам, мы собрали девять стилей, которые всегда будут популярны.

1. Аннотация

Начнем с самого сложного! Если вы буквальный человек, вам часто трудно понять абстрактные картины, потому что они не изображают ничего реального — ни человека, ни места, ни вещи. Для достижения эффекта художники рисуют цвета, формы, формы и знаки жестов, такие как мазок краски или даже кажущийся случайным всплеск.

Согласно Тейт, слово абстракция, строго говоря, означает «отделять или изъять что-то из чего-то другого». Они говорят, что «абстрактное искусство — это искусство, которое не является репрезентативным, оно может быть основано на предмете или может вообще не иметь источника во внешнем мире».

В онлайн-коллекции Abstract представлены популярные яркие принты, которые бросают вам вызов при создании собственной интерпретации.

ВЫЗОВ: Абстрактное искусство, такое как этот принт «Elation», придает комнате страсть и силу.

2. Современное

Если вам посчастливилось посетить МОМА (Музей современного искусства) в Нью-Йорке, вы знаете, насколько захватывающим может быть современное искусство. Вам понадобится не один день, чтобы в полной мере оценить все, что там есть.

Современное искусство, охватывающее произведения с 1860-х по 1970-е годы, отошло от традиционных техник и стилей. Поскольку современное искусство относится к периоду времени, а не к типу искусства, его часто сложно определить. Однако в «Истории искусства» говорится, что современное искусство характеризуется «намерением художника изобразить предмет таким, какой он существует в мире, в соответствии с его или ее уникальной точкой зрения, и характеризуется отказом от общепринятых или традиционных стилей и ценностей».

Современные художники избегали рационального мира, существовавшего до него, и вместо этого стремились к экспериментам. Наша собственная онлайн-галерея современного искусства включает яркие цвета, линии и формы, применяя свежий взгляд на каждый аспект существования.

ЗАВОРАЖИВАНИЕ: это мрачное произведение современного искусства «Под зонтиком» — один из наших бестселлеров.

3.

Импрессионизм

Импрессионизм, часто считающийся первым современным движением в живописи, фактически развивался как официальная художественная практика в Париже в 1860-х годах, прежде чем распространился по Европе и США. Импрессионистское искусство в нашей собственной онлайн-галерее прославляет использование света и мазков для передачи самой сути предмета. По сути, он рассказывает историю, не полагаясь на реалистичные изображения.

Согласно Art Movements, художники-импрессионисты «включили новые научные исследования в физику цвета, чтобы добиться более точного представления цвета и тона». Дело было скорее в восприятии художником предмета, чем в самом предмете. Красота повествования в субъективности.

ВРЕМЯ ИСТОРИИ: Этот импрессионистский принт «После дождя» придает комнате ощущение времени и места.

4. Поп-арт

Поп-арт, хотя и возник в середине 1950-е годы, сегодня так весело, что всем нравятся все возрастные группы. Это отличное дополнение к комнате подростка, женскому убежищу или мужской пещере. Он действительно говорит на языке, передающем поколения.

В поп-арте часто используются образы популярной культуры и средств массовой информации, таких как новости, реклама, кинозвезды и комиксы. В первые годы своего существования он бросал вызов традициям изобразительного искусства. Сегодняшний поп-арт черпает вдохновение из той эпохи, предлагая веселье и цвет.

Просматривая нашу галерею поп-арта, вы увидите, что этот стиль искусства идеально подходит для любого современного, ретро или минималистского декора.

LOTS OF LOVE: Поп-арт, такой как этот принт «Should I Disco?», придает комнате сенсационный всплеск цвета и стильное чувство веселья.

5. Кубизм

О кубизме можно говорить или писать целый день, но в конце концов вы узнаете гораздо больше об этом стиле искусства , просмотрев его, поэтому, чтобы получить полное представление, обязательно ознакомьтесь с нашим кубизмом. галерея.

Если, думая о кубизме, вы думаете о Пабло Пикассо, вы на правильном пути, поскольку и он, и Жорж Брак начали движение в начале 19 века. 00с. Несмотря на то, что он выглядит довольно абстрактно по форме, на самом деле это стиль реализма.

История искусства подчеркивает, что кубизм состоит из «трех основных ингредиентов — геометричности, одновременности (множественных взглядов) и прохода». Художники обращаются к «четвертому измерению», поэтому произведения кубизма часто изображают один и тот же предмет с разных сторон — это поиск смысла или понимания, указание на то, что мир не такой, каким кажется. Вот почему в кубизме часто так много красок и так много жизни!

ДРУГОЕ ИЗМЕРЕНИЕ: Этот арт-принт «Мраморная женщина» — квинтэссенция кубизма.

6. Сюрреализм

Что было раньше, слово или художественное движение? В любом случае, сегодня слово «сюрреалистический» является синонимом «странного», и часто это отличный способ описать этот вид искусства. В этом случае странное — это хорошо.

Сюрреализм — это форма выражения, которая «превосходит реализм». Он берет реальные объекты и помещает их в нереальные ситуации. Он свободен от сознания и свободен от условностей. Это как жить во сне. Нам всегда весело пополнять нашу галерею сюрреализма работами, которые бросают вызов и удивляют наших клиентов.

И, как я однажды написал, сюрреалистическое искусство всегда лучше наркотиков.

МЕЧТАТЕЛЬНОСТЬ: самые странные разговоры часто происходят в офисных залах заседаний, так почему бы не помочь делу вместе с этим сюрреалистическим принтом «Плавающие бизнесмены».

7. Contemporary

В то время как «современный» относится к периоду времени, «современный» — это все о настоящем, так что это стиль, который постоянно меняется, потому что это стиль настоящего. Современное искусство — это, по сути, «создание нового искусства», но оно может относиться к тому, что было создано за последние 6 месяцев или год, а для некоторых арт-кураторов оно может даже длиться от двух до десяти лет (Художественная галерея Нового Южного Уэльса). Если вы хотите упростить это, это, по сути, относится к искусству, которое было создано при нашей жизни.

В нашей собственной онлайн-галерее мы любим представлять современное искусство, в котором используются новейшие цифровые методы и методы визуализации. Многое из этого абстрактно, но не все. Эти предметы прекрасно смотрятся в недавно построенных или отремонтированных домах. Обладая большим количеством цветов, они могут оживить минималистскую комнату.

VERY NOW: это произведение современного искусства Blue Burst оживит минималистскую комнату.

8. Фэнтези

Искусство фэнтези берет свое начало в народном искусстве, созданном много веков назад, а также в христианском мифологическом искусстве, греческом и римском искусстве. Само фэнтези-арт родилось из литературного мира и в основном использовалось для иллюстрации повествований.

Взрослые и дети одинаково любят фэнтези, так как это побег в волшебные, мифические земли. В нашей коллекции Fantasy представлены волшебная дикая местность, единороги, феи, драконы и множество лесных и морских духов.

Искусство в стиле фэнтези привнесет в главную спальню ощущение причудливости и романтики, а в детскую — произведение искусства.

ВОЛШЕБНЫЙ: После тяжелого дня в офисе сбегите в этот «Таинственный пруд на дереве».

9. Граффити

Граффити, обычно наносимые на общественные стены, представляют собой постоянно развивающуюся форму популярного искусства, начиная от лозунгов и слов и заканчивая подробными и красочными настенными росписями. Когда они производятся на объектах без разрешения, это часто считается вандализмом (даже самыми плодовитыми художниками!). Когда вы находитесь в галерее или рисуете на холсте, это определенно законно, и вы можете наслаждаться!

Если вы любите цвет и любите отмечать лучшее, что может предложить городская жизнь, в нашей онлайн-галерее Urban/Graffiti вы найдете подборку грубых, острых и ярких граффити.

ГОРОДСКАЯ ЖИЗНЬ: это граффити «Красная стрела» будет держать вас в правильном направлении.

Возможно, благодаря этой статье вы теперь можете «говорить об искусстве» на званом ужине. Возможно, это просто послужит источником вдохновения в вашем путешествии по поиску идеального произведения искусства для вашего дома. В любом случае, речь идет о том, чтобы держать свой разум открытым для новых возможностей. Начните просматривать нашу коллекцию произведений искусства прямо сейчас!

29 Примеры художественных стилей

художественный стиль представляет собой набор отличительных характеристик, общих для произведений искусства. Это позволяет классифицировать искусство таким образом, который по своей сути имеет значение для людей, поскольку стиль узнаваем, когда у вас есть идея, стоящая за ним. Ниже приведены общие примеры художественных стилей.

Искусство эпохи Возрождения

Искусство периода Возрождения в европейской истории между 14 и 17 веками. Это был период перемен и принятия смелых новых идей, таких как гуманизм, который ставит человека превыше всего. В то время Италия была доминирующей силой в мире искусства. Вскоре это переместится во Францию ​​в современную эпоху. Итальянские художники эпохи Возрождения включают Леонардо да Винчи, Микеланджело и Сандро Боттичелли.

Романтизм

Романтизм — направление в искусстве 19 века, которое подчеркивало эмоции и индивидуализм. Он рассматривается как реакция на механизацию и систематизацию промышленной революции, резко изменившей мир в это время. Романтизм прославлял прошлое и стремился изображать средневековую историю, а не античность.

Неоклассицизм

Неоклассицизм – это искусство, основанное на искусстве, культуре и истории древности, особенно Древнего Рима и Греции. Это было долгое художественное движение, которое длилось с конца 18 века до начала 20 века. Эти работы не особенно популярны среди энтузиастов современного искусства, которые могут счесть неаутентичным подражание одной эпохе другой.

Академическое искусство

Академическое искусство — это искусство 19 века, которое соответствовало стандартам и ожиданиям Академии изящных искусств в Париже. Это были исключительно неоклассические и романтические произведения, которые рисовали идеалистический взгляд на историю, наполненную красивыми людьми с ярким, очень изысканным стилем. Большая часть лучшего искусства, созданного в 19 веке, была реакцией на академическое искусство с его чрезмерно ностальгическим содержанием и отсутствием смелых экспериментов. Академическое искусство пользовалось большим социальным статусом в XIX в.века, и многие художники-аутсайдеры стремились сломить это.

Древнее искусство

Древнее искусство включает в себя любое искусство, созданное до падения Западной Римской империи в 476 году. Великие цивилизации Древнего Рима, Древней Греции, Древнего Египта, Вавилона, Древней Индии и Древнего Китая создали значительные произведения искусства.

Реализм

Реализм — это изображение реальностей мира, не окрашенное эмоциями, идеализмом, пессимизмом, идеологией или воображением.

Гиперреализм

Современный стиль искусства, использующий чрезвычайно реалистичные детали для создания произведений, которые трудно отличить от реальности.

Поп-арт

Поп-арт стилизован под элементы общества потребления и поп-культуры, такие как реклама, дизайн продукции и комиксы. Это считается типом капиталистического реализма, который углубляется в иронию, пародию и аллегорию, ставя под сомнение направление общества и культуры.

Укиё-э

Укиё-э — это японское искусство эпохи Эдо, которое было широко распространено в массах с использованием техники ксилографии, так что оно представляло собой раннюю форму поп-культуры. К ним относятся популярные темы, такие как сцены путешествий, история, текущие события, сумо, мифология и комические лица актеров кабуки. Укиё-э также включал жанр, известный как бидзинга, буквально «изображение красивого человека», на котором были изображены гейши и другие модные женщины.

Японизм

В 1850-х годах ВМС США фактически вынудили Японию открыться для американской торговли. Европейские державы быстро последовали примеру Америки, и вскоре Япония заключила торговые соглашения с Россией, Великобританией, Францией и Голландией. Это погрузило японское общество и экономику в хаос, поскольку дешевые иностранные товары наводнили внутренний рынок, и Япония изо всех сил пыталась индустриализировать и милитаризироваться, чтобы защитить себя. Одним из первых экспортных товаров Японии, которые удалось вывести в мир, были гравюры укиё-э. Внезапная доступность этих потусторонних произведений искусства в Европе и Америке повлияла на многих художников того времени, создав движение, известное как японизм, посредством которого художники включали японские темы и стили в свои работы.

Барокко

Барокко — это богато украшенный и экстравагантный стиль, возникший в Европе в 17 веке. Это поощрялось католической церковью как реакция на простую строгость протестантского искусства. Стиль барокко делает все возможное, чтобы вызывать чувство благоговения эмоциями, деталями, контрастом, хаосом и богатым цветом.

Голландский золотой век

Голландский золотой век — это период в истории Нидерландов примерно во время Восьмидесятилетней войны в 17 веке, когда они произвели ряд чрезвычайно талантливых художников, таких как Йоханнес Вермеер и Ян Стен. В то время Голландская республика была самой процветающей страной в Европе. Голландский золотой век произошел в то же время, что и барокко, но имеет противоположные характеристики, поскольку голландцы склонны к реализму и избегают резкости барокко. Голландские мастера также выбирали в основном нерелигиозные темы и стремились изображать повседневную жизнь. В то время это было несколько редкостью за всю историю живописи.

Импрессионизм

Импрессионизм стремится к реалистичному изображению мира с акцентом на цвет и свет. Он фиксирует течение времени, а не момент, что приводит к мягкому нечеткому виду. Технически это достигается за счет приоритета свободных мазков кисти над линией и формой. Импрессионизм потряс мир искусства и поначалу был плохо воспринят. Термин «импрессионизм» возник в насмешливом обзоре критика и юмориста Луи Леруа, который пренебрежительно использовал этот термин, чтобы выразить свое мнение о том, что работы импрессионистов напоминают незаконченные наброски.

Неоимпрессионизм

Неоимпрессионизм – это разделение цвета на отдельные точки мало чем отличающееся от работы современного принтера или цифрового экрана. Несмотря на свое название, неоимпрессионизм по своей сути противоположен импрессионизму. Там, где импрессионизм использует свободные и хаотичные мазки, неоимпрессионизм использует механические и систематически запланированные цветовые точки. Неоимпрессионистское искусство широко использовало теорию цвета, чтобы спланировать, как точки цветов, близких друг к другу, будут восприниматься с расстояния просмотра. Хотя художники-неоимпрессионисты представлялись как научные, для художников-неоимпрессионистов было характерно псевдонаучное представление о теории цвета.

Фовизм

Фовизм — это художественное движение начала 20-го века, создававшее картины, которые выглядели как картины с явными мазками кисти и смелым использованием нереалистичных цветов. Это была реакция на художественные течения того времени, такие как реализм и неоимпрессионизм, которые создавали картины, которые выглядели фотографическими или систематическими.

Экспрессионизм

Экспрессионизм изображает мир чисто субъективно, так что художник может свободно выражать эмоции, воображение и абстракцию. Хотя художники-экспрессионисты теоретически могут свободно выражать то, что хотят, они склонны выражать тревогу.

Абстрактный экспрессионизм

Послевоенное американское художественное движение, основанное на чисто субъективных и абстрактных произведениях, таких как краска, наносимая на холст в момент вдохновения, или картина, состоящая из одного сплошного цвета. Такие работы были призваны провоцировать и вызывать критику за неквалифицированность, совершенно случайность и бессмысленность. Тем не менее абстрактный экспрессионизм стал рассматриваться как высокая культура.

Кубизм

Кубизм можно описать как трехмерную абстракцию. Концептуально это включает в себя изображение предмета с разных точек зрения. Это начало проявляться в 1907 с работой Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» (ниже), которая считается первой кубистической работой, хотя позже этот стиль станет гораздо более абстрактным. Кубизм потряс мир искусства и вдохновил десятки художественных движений начала 20 века.

Футуризм

Футуризм был художественным движением начала 20-го века, в котором затрагивались темы, считавшиеся футуристическими в то время, такие как скорость, молодежь, автомобили, самолеты и промышленные города. Стилистически футуризм часто напоминал кубизм.

Символизм

Художественное направление конца 19 века, которое опиралось на мифологию, иконографию и элементы воображения для создания произведений, которые были богато символичны.

Ар-нуво

Чрезвычайно декоративный стиль искусства, который считался современным и модным в период с 1890 по 1910 год. Ар-нуво часто использовался в архитектуре, дизайне интерьера, декоративных элементах и ​​рекламе, но, тем не менее, завоевал уважение как изобразительное искусство. Обычное определение изобразительного искусства требует, чтобы искусство производилось без коммерческих ограничений.

Сюрреализм

Сюрреализм — это искусство, представляющее различные реальности, которые могут быть преднамеренно нервирующими, темными, нелогичными или парадоксальными. Сюрреализм также часто вдохновляется популярной психологией с такими темами, как визуальные представления подсознания. Хотя сюрреализм обычно считается художественным движением 20-го века, он также явно присутствует в работах голландского художника 15-го века Иеронима Босха.

Антиискусство

Антиискусство — это искусство, стремящееся высмеять абсурдность высокой культуры и мира искусства. Это часто нападает на случайность и культ личности, которые лежат в основе множества успешных художественных течений. Например, движение Дада в начале 20 века представило случайные коллажи, сделанные из газетных вырезок, как искусство и скульптуру, созданную из найденных предметов, таких как общественный писсуар. По иронии судьбы мир высокой культуры теперь рассматривает многие из этих предметов как бесценные произведения искусства. Это подтверждение того, что высокая культура ценит любое искусство, способное спровоцировать большое количество современных и постмодернистских художников на споры об эстетике.

Наивное искусство

Искусство, созданное художником с небольшим формальным образованием или погружением в художественное сообщество, чтобы он мог разрабатывать уникальные стили и методы, независимые от художественных течений своего времени. Например, Анри Руссо был выдающимся французским художником конца 19 века, который работал сборщиком налогов до 49 лет. Руссо не начал серьезно рисовать до 40 лет.

Народное искусство

Искусство, созданное в целях культуры и традиции, в отличие от свободного выражения изобразительного искусства.

Современное искусство

Современное искусство относится к любому искусству, созданному между 1800 и 1970 годами. Это может быть расширено в будущем, поскольку современное искусство сегодня может быть названо современным в будущем. Некоторое современное искусство принимает идеологию модернизма, в то время как другое современное искусство отвергает ее. Например, современное минималистское искусство соответствует модернистскому идеалу «меньше значит больше», в то время как современные художественные направления, такие как кубизм, экспрессионизм, романтизм, импрессионизм и неоклассицизм, явно этого не делают.

Современное искусство

Современное искусство — это любое искусство, созданное с 1970 года. Это обозначение предназначено для применения к работам ныне живущих художников, так что этот период будет переименован в будущем. Каким будет этот лейбл, пока не знает никто, поскольку от него зависит, какие сегодняшние артисты будут выделяться с точки зрения будущего.

Постмодернистское искусство

Постмодернистское искусство — это совокупность современных течений, которые охватывают идеологию постмодернизма или обычно стремятся бросить вызов современному искусству. Такие движения разнообразны, но общие тенденции в постмодернистском искусстве включают иммерсивный опыт, вызов элитарности высокой культуры и работы, стирающие грань между искусством и массовой культурой. Постмодернистское искусство часто бывает политическим, поскольку оно критикует общество или культуру.

Stuckism

Stuckism — это направление в современном искусстве, стремящееся к аутентичному, но не обязательно реалистичному изображению мира. Это можно рассматривать как реакцию на тенденцию к абстракции, антиискусству и постмодернизму в современном искусстве. Stuckism сильно стилизован и часто напоминает современное искусство 20-го века.

Движения

Многие из вышеперечисленных стилей также являются движениями, связанными с определенным периодом времени. Это отражение того факта, что искусство является артефактом времени и культуры, которые его создали. На следующей временной шкале указаны приблизительные даты движений, связанных с указанными выше стилями.

902 М. В. Тернер

Движение	Период времени (приблизительно)	Связанный с
ВОЖНАЯ ИСКУССТВА 9029	до 476.
Ренессанс	1300 — 1600	ИталияФранцияГермания
Барокко	1600 — 1750
Dutch Golden Age	1620 — 1672	Dutch Republic
Ukiyo-e	1661 — 1868	Edo-era JapanPopular artwork for the merchant class first appeared around 1661.
Neoclassicism	1760 — 1900	Широкое движение искусства, архитектуры, литературы, моды и музыки. Начал с искусства около 1760 года и продолжил в архитектуре до 20 века.
Романтизм	1790 — 1850	Европа США
Современное искусство	1800 — 1970	Современное искусство определяется своим временем и не обязательно соответствует идеологии модернизма.
Реализм	1840 — 1900	ФранцияСША
Импрессионизм	1860 — 1900Жен-ЭюжнеКлауд Франция
Японизм	1860 — 1890	EuropeUnited States
Neo-impressionism	1886 — 1910	FranceGeorges Seurat
Symbolism	1890 — 1918	Gustav Klimt
Expressionism	1893 — 1930	A German movement это было во многом вдохновлено норвежским художником Эдвардом Мунк.
Фовизм	1904-1910	Франция Анри Матисс
Кубизм	1907-1918	Пабло Пикассо Жорж Брак
Футуризм	1909-1930	ИталияВторая волна футуризма пришлась на 1960-е годы.
Дадаизм	1914 — 1922	Считается антиискусством, но тем не менее считается высокой культурой.
Сюрреализм	1917 — 1950	Примечательно, что сюрреализм появился и в творчестве Иеронима Босха в 15 веке.
Abstract Expressionism	1946 — 1970	New York
Pop Art	1950 ~	America Andy Warhol
Contemporary Art	1970 ~	Living Artists
Postmodern Art	1970 ~	В основном применяется к современным работам и художникам. Однако такие художники, как экспрессионисты, уже в конце 19 века приняли определенные постмодернистские идеалы, доказывая, что художники часто опережают широкие культурные тенденции.
Stuckism	1999 ~	Великобритания

Art

Это полный список статей, которые мы написали об искусстве.

Обзор основных стилей современного искусства с примерами каждого из них.

Список художественных терминов.

Определение мастер-копии с примерами.

Определение и общие характеристики постмодернизма.

Список концепций теории цвета.

Большая коллекция цветовых палитр.

Основные характеристики цветов.

Самые популярные статьи на Simplicable за прошедшие сутки.

Последние сообщения или обновления на Simplicable.

Карта сайта

11 основных художественных стилей, которые нужно знать

Избранные произведения

Spherical Revelation Пейзи Тинг

Sea Breath Дайаны Маливани

Metamorphosis 4 Аарти Бартаке 9 Thimian Takaoist by 9 The 9 The

Le Bonbon, Ан Сун Ми

Jump in the Summer, Ната Зайкина

Сцена № 24 (Отсюда и в вечность), Саймон Нг

Star Clock at Night II, Sinta Tantra C № 3b Ван Янг

Заказ Тэцуя Фукусима

Эскиз горизонта Дубая #1 Александр Мануэль

OO Росс Рудель

Замедление времени #1 Ирфан Хендриан

PASSAGE by TKT Design & Architecture

красота природы Санджива Ниссанка

Дикие земли Колорадо Херзон Дела Роса

Fairyland G-I (W) Гуанг-Ю Чжан

Исследование в секрете Зуэ Чан

Забытые цветы Кетна Патель

2 No.

14 Ван Цзяно

Хороший воздух Сурат Томорнсак

Сделано в Токио #1 Париват Анантачина

Король Томоя Накано0003

«Пляжная анатомия» Виктора Ткаченко

«Смерть красавиц» Юян Лю

«Красное в снегу» Го Хунвэя

«Человеческая еда_6» Пан Мэнмэй

«Белые розы № 3» Маунг Ав by Simi Gatenio

Re: #02 by Okusora Keita

The Study by Erdem Ergaz

Epic by Aji Yudalaga

Please Stand Up ‘Majulah Singapura’ # 2 by Ahmad Shukri Mohamed

Faking Parkence 9 Shin-young0003

Непрерывность от Tetsuya Fukushima

Sunset в Гарден -Сити от Fong Qi Wei

423 Tampines Street 41 от Darren Soh

Frenetic City_31 от Zhou Hanshun

Analogy X By Phylicia Wang

9019 903

декабрь.

The Artling Team

---

Multifaceted by Vinay Sane

Художественный стиль описывает, почему произведение искусства выглядит так, как оно выглядит. Это окно в творческий процесс художника, которое поможет вам понять видение художника, предмет и чувства, выраженные на холсте. В этом списке мы выделяем 11 основных стили современного искусства и их характеристики с примерами, чтобы вы знали, что искать, и покупать в Интернете только те произведения искусства, которые соответствуют вашему вкусу и вам близки.

Spherical Revelation — Peisy Ting

Sea Breath — Diana Malivani

Metamorphosis — Sea Stories — Aarti Bartake

Абстрактное искусство, также известное как конкретное искусство или беспредметное искусство, может быть определено как стиль, в котором произведение искусства принимает элемент от реального мира и представляет его, используя формы, цвета, формы и знаки жестов, но отделенные от него самой истинной формой. Объекты представлены формами и знаками жестов, а цвета символизируют эмоции. Другими словами, этот художественный стиль представляет собой необъективную, нерепрезентативную форму искусства, которая стремится воспроизвести суть объектов из реальной жизни упрощенным или реорганизованным способом, чтобы подчеркнуть интерпретацию реальности художниками.

 

Концертный пианист — Та Тимкео

Ле Бонбон — Ан Сон Ми

Летний прыжок — Ната Зайкина

Сцена #24 (Отсюда и в вечность) — Саймон Нг реалистического изображения и было целью художественного творчества с древних времен. Традиционно фигуративные художники стремились создавать работы, основанные на реальных источниках объектов, и часто изображали человеческие фигуры. Считается, что это контрастирует с абстрактным искусством — искусством, в котором не используются узнаваемые мотивы, — также известным как нерепрезентативное искусство. От его эволюции до современного искусства мы замечаем, что фигуративные произведения по-прежнему занимают прочное место в нашей современной сфере. Как и многие другие в мире современного искусства, фигуративное искусство объединилось с другими жанрами, такими как абстракционизм, кубизм и даже минималистское искусство, при этом сохраняя сильное чувство фигуративности.

Ночные звездные часы II — Синта Тантра

Биосфера 12 — Ромикон Револа

C № 3b — Ван Ян

Орден — Тэцуя Фукусима


Геометрическое искусство — это произведение искусства, созданное с использованием геометрических форм точки, линии, углы и фигуры. В этом художественном стиле используется ряд геометрических фигур от простого треугольника, квадрата и круга до сложных фигур, для создания которых требуется математика. В отличие от естественной формы органических форм, геометрические формы требуют точности и могут даже потребовать использования таких инструментов, как линейка или циркуль.

Этюд Сен-Марка — Александр Мануэль

OO — Росс Рудель

Замедление времени #1 — Ирфан Хендриан


ПУНКТ — TKT Design & Architecture

Минимализм представляет собой школу абстракции, лишенную личного выражения – или, по крайней мере, там, где личное самовыражение сведено к минимуму. Геометрические линии встречаются с предельной простотой касательной, а формы заведомо лишены выразительного содержания.

Что движет художниками-минималистами в создании того, что Фрэнк Стелла описывает как «что видишь, то и видишь», так это вера в то, что искусство во всей своей сущности и славе не должно относиться ни к чему, кроме самого себя. Художники, которые углубились в минималистское художественное движение, не ставили во главу угла личное самовыражение, а скорее ставили само искусство во главу угла своих творений. Они подталкивают зрителей к пониманию реальности искусства, которое им представлено, их среды и их материалов.


Красота природы — Sanjeewa Nissanka


Wilderness In Colorado — Herzon Dela Rosa

Fairyland G-I (W) — Guang-Yu Zhang

Исследование в тайне — Zue Chan

Искусство природы черпает вдохновение в элементах природы, таких как пейзажи, сады, животные и люди. Искусство природы доступно в различных средах, таких как живопись, рисунок и фотография, и эта популярность только возросла с развитием цифровых технологий. Изображение этого художественного стиля получило признание в современных и абстрактных формах в традиционных интерпретациях.

Забытые цветы — Кетна Патель

№ 14 — Ван Цзяно

Хороший воздух — Сурат Томорнсак

Сделано в Токио #1 — Париват Анантачина

Поп-арт можно описать как жанр, который курс послевоенной Америки и Великобритании в середине-конце 1950-х гг. Художники этого движения, отчетливо происходящие из популярной и массовой культуры, стремились исследовать переосмысление коммерческих образов. Более того, она уступила место определенной доступности в подходе к искусству с точки зрения зрителя; упрощенные, узнаваемые сюжеты позволили людям переваривать произведения этого движения менее высокопарно.

Пик поп-арта пришелся на 1960-е годы. Первоначально, как способ сопротивления «доминирующим» подходам к искусству и культуре, художники этого движения чувствовали дисбаланс между тем, что они изучали, и тем, что непосредственно влияло на них в их повседневной жизни. Таким образом, они обратились к тому, что они считали релевантными изображениями, извлеченными из рекламы, музыки, комиксов, упаковки продуктов и так далее.


Король — Томоя

Зрение мысленным взором — Кос Кос

Falling To Far — Кэтрин Лонгхерст

Анатомия пляжа — Виктор Ткаченко

Портрет можно в широком смысле определить как изображение сходства, характера, красоты, статуса или сущности конкретного человека. Этот древний художественный стиль развивался более 5000 лет от живописи, рисунка и скульптуры до фотографии и даже видеопортрета. Некоторые известные примеры портретной живописи включают Monalisa Леонардо да Винчи, портреты фараонов из древнего Египта или портреты греческих и римских императоров в виде скульптур и монет! Другой формой портретной живописи является автопортрет — репрезентативное или абстрактное или символическое изображение себя художником.

Смерть красавиц — Юян Лю


Красный снег — Го Хунвэй


Человеческая еда_6 — Пан Мэнмэй


Белые розы №3 — Маунг Ау


3 90 изображает неподвижные или неодушевленные предметы. Эти объекты могут быть искусственными или природными объектами, такими как еда, цветы, дичь, посуда и т. д. На темной стороне изображенный объект также мог быть мертвым человеком. Эти экстремальные образы придают этому стилю искусства проверенную временем глубину, прославляя материальные удовольствия мира или суровую правду о недолговечности этих удовольствий и человеческой жизни.

Костюм Stream — kiatanan iamchan

Трон — Simis Gatenio

Re: #02 — Okusora Keita

The Study — Erdem Ergaz

Движение, зародившееся в 1920-х годах, сюрреализм стремился проникнуть в бессознательное, таким образом выявление сопоставления иррациональных образов. Сюрреалистические образы — одна из самых ярких характеристик сюрреализма. Тем не менее, пытаясь определить его, находишься в довольно затруднительном положении. Ключевая цитата, полученная из сюрреалистического движения, принадлежит Андре Бретону, французскому писателю и поэту. Он определил сюрреализм как «психический автоматизм в чистом виде, с помощью которого предполагается выразить — словесно, посредством письменного слова или любым другим способом — действительное функционирование мысли». Бретон имел в виду, что художники могут игнорировать рациональное мышление, подключаясь к своему бессознательному. В дальнейшем это привело к «автоматизму» или «автоматическому письму», когда художники и писатели отбрасывали сознательное мышление и использовали в своей практике случайность.

Epic — Aji Yudalaga

Please Stand Up ‘Majulah Singapura’ # 2 — Ahmad Shukri Mohamed


Faking Silence — Shin-young Park

Continuity — Tetsuya Fukushima


типографика новый шрифт для упорядочения текста в попытке передать сообщение. Шрифт — это способ создания букв алфавита для выражения определенного стиля, чувства, фирменного стиля или просто для удобства чтения. Типографика развивалась вместе с ростом печатной индустрии, и сегодня вы можете найти типографику повсюду — на уличных вывесках, плакатах, книгах и в Интернете. Этот художественный стиль является фундаментальным аспектом современного искусства и дизайна.

Закат в городе-саду — Фонг Ци Вей

423 Tampines Street 41 — Darren Soh


Frenetic City_31 — Zhou HanShun


Urbanized — Aasiri Wickremage

Городское искусство созданные художниками, живущими в этих городских пространствах или городах, изображающие городскую жизнь и опыт. Хотя городское искусство взаимозаменяемо используется с искусством граффити или уличным искусством, не все городское искусство создается как уличное искусство или искусство граффити, но также создается в студиях. Этот художественный стиль обращается к городскому образу жизни и пространству, а также фокусируется на негативных аспектах урбанизации и ее влиянии, таких как бедность, перемещение, окружающая среда и т. д.

 

Теперь, когда вы знаете, какие существуют стили современного искусства, почему бы не ознакомиться с нашей последней тщательно отобранной коллекцией произведений искусства. Вы также можете общаться с нашими опытными кураторами на любой странице продукта.

---

---

Artzine Категории

Искусство 101

Дизайн

Сити-гиды по искусству

Арт-ярмарки и выставки

Репортажи и интервью

Стили Главное Искусство

Artling3 Что такое главное?

Существует бесконечное количество художественных стилей. Но какие основные? Оглядываясь назад на тех, кто оставил след в истории искусства, мы можем понять изменения, которые произошли в искусстве. 21 художественный стиль, от романтизма до модернизма.

Статьи Realted: Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве – Руководство, которое поможет вам найти свой художественный стиль – Искусство века в 26 мощных движениях – Что такое кубизм? 9 знаменитых произведений искусства, которые вы должны знать (и некоторые из них вы никогда раньше не видели)

Перечислить все когда-либо существовавшие художественные стили было бы невыполнимой задачей. Любой список является неполным и должен отражать исторически сложившийся в основном белый мужской европейский взгляд на историю искусств. Мы можем представить себе прогулку по музею — то, чего многие из нас жаждут. Мы позволим нашему взгляду сосредоточиться на предметах, которые мы видим, блуждая по воображаемым семи комнатам. Они будут выделять отличительные стили, тенденции и социально-политические настроения. Войдя, мы проследим за коллекцией от романтиков до модернизма…

 

Романтизм (1770-1850)

Это период Возвышенных и больших тем. Конечно, первая картина в этом туре — та, которая показывает необъятность Бога, отраженного в природе, в которой человек может потеряться: «Чудесник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха (1818). Вторая работа в этом зале охватывает социально-политические темы, поэтизированные в этот исторический момент, Французскую революцию в июле 1830 года. «Свобода, ведущая народ» Эжена Делакруа (1830) совершенно скульптурна, где Свобода ведет вперед и размахивает французами. флаг – но в то же время грубо драматичный. Североевропейские романтики и французские романтики различаются тем, что скромность первых отсутствует во вторых. Но романтическая поэтическая линия присутствует в обеих картинах.

 

Каспар Давид Фридрих, Странник над морем тумана, 1818 г., предоставлено WikiArt.com, общественное достояние.

 

Братство прерафаэлитов (1848-1855)

Переход во второй зал: Прерафаэлиты. Эта группа была основана в противовес ориентации на романтические идеализированные пейзажи прошлого. «Офелия» сэра Джона Эверетта Милле (1851–1852) висит на наших воображаемых стенах. В этой картине все органично, чисто с акцентом на природу. В центре сцены проплывает шекспировская героиня Офелия из «Гамлета», утонувшая в ручье. Но она является частью этой природной сцены, и значение природных элементов подчеркивается их символикой. Цветы, розы, ивы и маргаритки символизируют любовь, боль и невинность.

 

Барбизонская школа (1830-1870)

Рядом с этой картиной мы находим еще одну впечатляющую работу «Сборщики урожая» Жана-Франсуа Милле (1857). На этой картине французской барбизонской школы середины XIX века Милле изображает труд низшего сословия и крестьянскую жизнь. Это тонкое напоминание о больших темах Французской революции и подъеме социализма — и по этой причине критики не приняли его хорошо. Движения рабочих срываются, замедляя их тяжелый труд. Композиция заставляет нас сосредоточиться на их согбенном положении на переднем плане, контрастирующем с далеким и увядшим урожаем и управляющим, смотрящим на их работу. Это простой, но представительный класс, с натурализмом — напоминающий о поиске романтизма комфорта в природе, но без драмы.

 

Реализм (1840-1880)

Последняя картина во второй воображаемой комнате, «Мастерская художника» Гюстава Курбе (1855), также затрагивает тему современной жизни. По словам Курбе, он хотел создавать «живое искусство». Эта картина представляет все, что имеет для него ценность, и реальность, которая (буквально) его окружает, является самим предметом его творчества. Его друзья, люди, которых он знает, и даже бедняки заслуживают места. Многие аллегории символически представляют его взгляд на современный мир. Например, женщина, стоящая рядом с ним, — художественная традиция. Собака — это его верность искусству, его работе. В произведении он демонстрирует свою гордость и важность современной жизни — вместо мифологических или исторических сюжетов, предпочитаемых Академией.

 

Гюстав Курбе, Мастерская художника, 1855 г., предоставлено Gustave-Courbet.com.

 

Импрессионизм (1860-1890)

Теперь мы переходим в нашу третью комнату, и здесь стиль совершенно отличается от того, что мы видели в двух предыдущих. Но сразу узнаем: Nymphéas en fleur (1914-1917) Клода Моне. В соответствии с типичным акцентом на пейзажи этого художественного стиля, сюжетом является его пруд с кувшинками в Живерни. Она написана свободными мазками и даже есть участки, где холст не покрыт. Художники-импрессионисты, такие как Моне, пытались запечатлеть свет определенного момента, быстро рисуя на пленэре масляными красками — новинка для художников того времени. Получив критику за свои картины, они выставлялись в Салоне Отверженных, созданной ими альтернативе официальному Парижскому Салону.

 

Постимпрессионизм (1886-1905)

Вторая картина в этой комнате, которая встречает нас, состоит из множества крошечных точек, которые кто-то тщательно (и кропотливо) нарисовал на холсте. Эта постимпрессионистская картина сильно отличается от картин Ван Гога, Гогена или Сезанна, на которые больше повлияли японские произведения искусства с их четкими очертаниями и смелыми цветами. Но то, что делали постимпрессионисты, хорошо представлено в этом произведении. Идет поиск нового стиля, который контрастирует со стилем прошлого и более организован, чем импрессионизм. Это знаменитая картина Жоржа Сёра «Un Dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte» Жоржа Сёра (1882–1884). На нем изображены люди, наслаждающиеся днем ​​на солнце, современная простая тема. Используемая инновационная техника, пуантилизм, основана на теории цвета, и идея состоит в том, чтобы представить чистые цвета, не смешивая их, для создания изображения. Эффект свечения, а формы отлиты на холсте. Тема также особенная, так как все фигуры появляются в тени, кроме девушки в белом, обращенной к зрителю. Кажется, в основе лежит эмоциональное послание о лицемерии буржуазии.

Жорж Сёра, Un Dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte, 1882–1884, предоставлено Чикагским институтом искусств, общественное достояние.

 

Движение искусств и ремесел (1880-1920)

Скромный, но замысловатый дизайн — последнее, что есть в этой комнате. Сильно отличающийся от остальных, это пример движения «Искусство и ремесло». Мотив цветочный и повторяющийся. Это «Клубничный вор» Уильяма Морриса (1883). Декоративный, красивый и вдохновленный природой – но скромность – это не простота, а настоящий шедевр. Выступая за традиционное мастерство, движение «Искусство и ремесло» часто заимствовало средневековые стили, перерабатывая их для целей используемых машин. Дизайн можно идеально повторить. Цель состоит в том, чтобы заново изобрести роль ремесленника в промышленном мире и остановить снижение стандартов, вызванное фабричным производством.

 

Модерн (1890-1914)

Перейдя в четвертую комнату, находим картину Гюстава Климта «Смерть и жизнь» (1915). Слева от нас более темная фигура, напоминающая Смерть, а справа группа людей, которые, кажется, обнимаются. Тема жизни и времени смешивается с темой природы. Это также психологическое явление, поскольку отражает старение и осознание человеком смертности. Он производит угрожающее и обнадеживающее впечатление на тех, кто им восхищается, как если бы вы были в группе с другими, а Смерть наблюдает за вами. Фигуры органично переплетаются с цветочными и геометрическими мотивами, напоминающими движения искусств и ремесел. В результате получается чрезвычайно плавное и чувственное повторение линий и форм, которые мы находим в природных элементах, типичных для иллюстраций, плакатов и других произведений и продуктов дизайна в стиле модерн. Этот художественный стиль декоративный — стиль не только для картин.

 

Примитивизм (1890-1950)

В этом зале мы также видим произведение, напоминающее джунгли. Это произведение Анри Руссо «Голодный лев бросается на антилопу» (1905). Это произведение заимствовано из творчества постимпрессиониста Поля Гогена, поскольку оно ищет среду, не затронутую западной художественной традицией. Идея «примитивности» относится к этому и также может рассматриваться как расистская из-за того, как европейские художники искали другие культуры, используя свои произведения для развития своих собственных практик. Хотя то, как художники заимствовали эти культуры, спорно, картина Руссо показывает восхищение богатыми цветами и очаровательными растениями, которые защищены культурами, которые ближе к природе — ближе к настоящему «чистому» образу жизни.

 

Анри Руссо, «Голодный лев бросается на антилопу», 1905 г., любезно предоставлено henrirousseau.net.

 

Кубизм (1907–1921)

На третьей стене этой четвертой комнаты висит картина Пабло Пикассо «Скрипка и виноград» (1912). Тема фрагментирована. Мы узнаем, что на нем изображено, только благодаря нескольким деталям и названию. Геометрические угловые линии образуют кубы объектов. Как и в других произведениях кубизма, предметы исследуются с разных позиций, ориентируясь на пластичность предметов. Подобно тому, как постимпрессионист Сезанн поступал через цвет в своих работах. В кубизме различные точки зрения объединяются, чтобы представить идею объекта, как будто различные ракурсы дополняют его. Это воссоздание трехмерной формы, концепции скрипки и винограда.

 

Экспрессионизм: Les Fauves (1905–1908), Die Brücke (1905–1913) и Der Blaue Reiter (1911–1914)

На последней стене мы находим «Женщину в шляпе» Анри Матисса . Это произведение французского фовизма из Les Fauves («дикие звери»). Это авангардное движение взяло от эмоционального качества работы Ван Гога. Как и работы Ван Гога, картины Матисса характеризуются яркими красками. Вместо реалистичного эффекта Les Fauves ищут живость за счет мудрого использования насыщенных цветов и упрощенных изображений, которые удивительно интенсивны.

Рядом с работой Матисса выставлено еще одно сильное произведение: «Маски Эмиля Нольде» (1911). Стиль Die Brücke современен фовизму и основан на тех же влияниях. Здесь важна яркость ярких красок, но немецкое движение показывает отчуждение и разобщенность человеческой жизни. Маски тают, искажаются, как и другие работы Die Brücke. Картину можно охарактеризовать как гротескную и навязчивую. Насилие, которого нет в фовизме.

Большое внимание уделяя значению цветов, Der Blaue Reiter также был немецким стилем, в котором участвовали такие художники, как Кандинский и Клее. Работа на стене, рядом с этими двумя другими, — «Голубая лошадь I» Франца Марка (1911). Цвета потрясающие, даже яркие. Но смысл духовный. Лошадь является символом силы и невинности, а цвет дает ощущение глубины и медитативного созерцания. Здесь центральное место занимают цветовые оттенки, создающие более спокойную атмосферу, чем в двух других картинах на этой стене.

 

Дада (1916-1922)

Что мы находим, входя в пятую комнату? Скульптура? Это, несомненно, писсуар, но он стоит на боку. Это «Фонтан» Марселя Дюшана (1917). Это абсурдно, странно и даже смешно. Это произведение яркого авангардного движения Дада. Группа художников запустила дадаизм в 1916 году в Кабаре Вольтер в Швейцарии — в ответ на Первую мировую войну. Его члены выступали против войны и выступали против буржуазии. Их работы были протестом. Коллажи, поэзия, визуальные и скульптурные произведения, направленные на то, чтобы шокировать публику, представляя известные вещи в необычных сочетаниях или неуместные объекты («редимейды»), такие как Фонтан.

 

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г., копия 1964 г., предоставлено галереей Тейт © Преемственность Марселя Дюшана / ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021 г. от дадаизма, на стене – картина Сальвадора Дали «Приспособления желания», написанная в 1929 году. Она полна символов, намекающих на сексуальные желания. Этот пример сюрреалистического произведения искусства соответствует «Первому манифесту сюрреализма» Андре Бретона (1929 г.).) – основа движения, в которое вовлечены художники по всей Европе и даже в Америке. Эти художники выступают против подъема национализма, видя разрушения, вызванные Первой мировой войной. Как и эта картина Дали, работы сюрреалистов абсурдны и порой тревожны. Основываясь на трудах Фрейда, в которых он разработал психоаналитическую теорию, цель сюрреалистов состоит в том, чтобы представить реальность бессознательного и сновидений. Именно беспокойство, которое вызывают эти художники, создает этот сказочный эффект.

 

Футуризм (1909-1914)

Повернувшись к правой стене, мы находим работу итальянского футуриста Луиджи Руссоло «Восстание» (1911), сделанную до Первой мировой войны. Как и другие произведения этого движения, картина подчеркивает идею движения. Для этого используются яркие контрастные цвета, геометрические формы и острые углы. То, что мы воспринимаем, — это быстрое движение, которое невозможно остановить. Прогресс и волнение войны представляли футуристы. Действительно, это движение было тесно связано с фашизмом, поскольку художники стали ярыми сторонниками кампании Муссолини.

 

Луиджи Руссоло, Восстание, 1911, предоставлено WikiArt. com, общественное достояние. в шестую комнату, когда мы приближаемся к концу нашего тура. В этой комнате первая работа, которую мы находим, явно сильно отличается от всех работ, которые мы видели. Это абстрактно. Всего несколько линий и цветов составляют Композицию II Пита Мондриана с красным, синим и желтым (1929). Это простой дизайн, в котором выделены геометрические фигуры. Типичная работа голландца De Stijl («стиль»), заметной фигурой которого был Мондриан. Это был не только стиль визуального искусства, но и архитекторы и дизайнеры. Это была общая тенденция среди художников геометрической абстракции, поскольку цилиндры, объемы и формы используются для создания механических узоров, объектов, скульптур и зданий новым революционным способом.

 

Конструктивизм (1919-1932)

Двигаясь дальше, мы оказываемся перед скульптурой, чем-то напоминающей разбитые фигуры кубизма. Это произведение — «Голова № 2» Наума Габо (1916). Современный русской революции конструктивизм, направление абстрактного искусства, в полной мере использует промышленные материалы. Здесь материал рисует контур фигуры, а не наращивает ее массу. Это промышленный. Действительно, искусство, созданное конструктивистами, является скорее «продуктом», поскольку такие художники, как Габо, считали бы свою практику скорее технической, чем художественной.

 

Наум Габо, голова № 2, 1916 г., увеличенная версия 1964 г., предоставлено галереей Тейт © Нина и Грэм Уильямс / Тейт, Лондон, 2021 г. дама отображается. В отличие от других работ, на которых изображены женщины, эта картина очень динамична. Картина Тамары де Лемпицка «Девушка в перчатках» (1929). Польская художница подчеркивает объемы и упрощает их. Ее творчество противостоит декоративному модерну. На самом деле объект не теряется на заднем плане. Фрагментарные геометрические формы — намеки на кубизм и футуризм. Сильные линии — это то, что отличает движение ар-деко, заставляя эту женщину казаться реальной, твердой, а не извилистой или текучей. Она настоящая, сильная, но элегантная и светящаяся, точно отражающая суть искусства и дизайна ар-деко.

 

Тамара де Лемпицка, «Девушка в перчатках», 1929 г., предоставлено tamaradelempicka.org.

 

Баухауз (1919-1938)

На мгновение обращаем внимание на здание. Комнаты, в которые мы ходили, обычные и функциональные. У него явно есть цель, подходящая для «механического мира». Это идея немецкого Баухауза, родившегося после поражения в Первой мировой войне. Центральной была их Школа, где обменивались идеями — инновационная по сравнению с традиционной моделью «учитель-ученик». Под влиянием конструктивизма он сочетает в себе дизайн и функциональность. Упрощенные формы, рациональность, функциональность и массовость – ключевые слова этого стиля.

 

Кинетическое искусство (1930-1960)

В комнате что-то привлекает наше внимание. Он движется, постоянно меняется, геометрические абстрактные формы напоминают работы Жоана Миро. Действительно, дадаизм и сюрреализм действительно влияют на этот изобретательный художественный стиль. Работа, на которую мы смотрим, — это картина Александра Колдера «Без названия» (1937). Он отражает растущее значение машин и нестабилизирующее влияние времени. Геометрические фигуры соединены, но целое выглядит очень хрупким. Произведение представляет собой своего рода «мобиль», характерный для этого художника. Это действительно революционно, если учесть тот факт, что скульптуры обычно очень статичны.

 

Александр Колдер, Без названия, 1937, предоставлено галереей Тейт © Фонд Колдера, 2021, Нью-Йорк / DACS, Лондон.

 

Art Informel (1945-1960)

В последней комнате тура по нашему воображаемому музею мы ясно видим абстрактный предмет, который использует мешок, подобный тому, который используется для картофеля. Это картина итальянского художника Альберто Бурри «Мешковина и красное», 1954 год. Художник, проработавший на войне врачом, воссоздает на холсте эффект рваной повязки. Как и другие произведения информель-искусства, произведенные в основном в Италии, Бурри как будто представляет материалы, прошедшие через что-то, в какой-то степени воспроизводящие последствия опустошительной войны. Это произведение состоит из кройки, шитья и покраски — это произведение искусства, созданное путем манипулирования этими грубыми материалами. Текстура и ощущение легко представить, глядя на него.

 

Alberto Burri, Sacking and Red, 1954, Courtesy of The Tate © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Читта-ди-Кастелло (Перуджа) / DACS 2021.

 

Абстрактный экспрессионизм (1946-1968) части этого тура, несомненно, мощные. Их делают два американских гиганта послевоенного абстрактного экспрессионизма. Первый — PH-234 (1948 г.) производства Clyfford Still. Для создания картины художнику пришлось слой за слоем наносить масляную краску. Мазки менее импульсивны, чем у номера 1 Поллока (1948), отображаемый рядом с ним. Но они оба заставляют нас сосредоточиться на краске и процессе рисования. Не величие сюжета привлекает наше внимание, как в романтизме, а энергия художника. Действительно, капание и заливка с помощью Action Painting или нанесение и формование краски так же впечатляют. Но простор для искусства в себе. Основное внимание уделяется тому, как он был создан, и в этом мы поглощены.

 

Клиффорд Стилл, PH-234, 1948 г., предоставлено Christies.com.​​​​​

 

Изображение на обложке: Луиджи Руссоло, Восстание, 1911, предоставлено WikiArt.com, общественное достояние.

Автор: Зои Ривас Занелло




Типы искусства — [Движения и стили]

Для многих людей различные виды искусства, художественные направления и художественные стили могут быть немного ошеломляющими, и часто язык, используемый в мире искусства, несколько сбивает с толку……

Направления в искусстве — это способы эволюции искусства с течением времени. Четыре самых популярных направления в искусстве — это сюрреализм, импрессионизм, реализм и абстрактный экспрессионизм.

Существует множество философий, используемых при создании произведений искусства, которые часто подразделяются на различные направления. Эти философии могут варьироваться от модернизма, постмодернизма и постструктурализма, чтобы назвать несколько.

Абстрактный экспрессионизм

Абстрактный экспрессионизм — это форма искусства, которая не ограничивается реализмом. Это попытка изобразить то, что чувствуешь, а не то, что видишь. Полное сосредоточение на чувстве картины и ее мазках можно увидеть в картинах абстрактного экспрессионизма.

Это стиль живописи, возникший в 1940-х годах в Нью-Йорке. Движение возглавляли такие художники, как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг и Марк Ротко.

Появился во время Второй мировой войны, и поэтому многие люди думают, что его цель состояла в том, чтобы выразить эмоции для тех, кто не мог выразить себя из-за того, что произошло в этот период времени.

Абстрактные экспрессионисты были глубоко озабочены выразительным использованием цвета и формы, часто с использованием сплошной техники, что было радикальным отходом от традиционной западной живописи.

Эстетизм Искусство

Эстетизм — художественное и литературное движение, зародившееся во второй половине XIX века в Англии и распространившееся на остальную Европу.

Эстетизм вырос как реакция на позитивизм, утверждавший, что искусство должно представлять реальную действительность. Это был не только отказ от существующих течений в живописи и литературе, но и бунт против индустриализации, урбанизации, утраты традиций.

Искусство рассматривалось как способ стимулировать нравственные и эмоциональные состояния в жизни. Эстетики регулярно собирались для встреч со своим набором убеждений, называемым «кредо». Эти встречи назывались «эстетические чаепития».

Движение было по своей сути реакцией на уродство и отсутствие красоты, которые были распространены в викторианской Англии.

Читайте также: Известные викторианские картины

Эстетики чувствовали, что мир утратил чувство прекрасного, что они приписывали христианскому акценту на смирении. Они стремились вернуть общество обратно в гармонию с природой, используя искусство для удовольствия.

Эстетизм угас в ХХ веке, но оказал огромное влияние на современное искусство. Это было одним из источников вдохновения для импрессионистов.

Ар-нуво

Ар-нуво — это французский термин, означающий «новое искусство». Это было художественное движение, характеризующееся использованием плавных, органических линий. Художники в стиле модерн стремились создавать более натуралистичные и чувственные произведения.

Это интернациональный архитектурно-декоративный стиль, возникший в конце 19 века во Франции. Стиль характеризуется возвращением к сложным, плавным, органическим формам под влиянием природы и средневекового искусства, а также признанием декоративно-прикладного искусства.

Важными концепциями модерна являются единство разнообразия, асимметрия, плавные линии и изгибы, стилизация растительных форм с животными, выступающими в качестве их естественных контрапунктов или изысканных изображений. Движение распространилось по Европе и было популяризировано в Америке частично благодаря работам американского художника Луи Комфорта Тиффани.

Стиль начал приходить в упадок в начале Первой мировой войны и быстро исчез после войны из-за его ассоциации с декадансом и легкомыслием.

Говорят, что он был вдохновлен движением японизма, которое стало популярным во Франции после победы Японии над Россией.

Это был один из первых художественных стилей, получивших название «модерн». Это был отход от традиционного искусства 19 века из-за того, что он сосредоточился на декоративном искусстве и естественных формах, а не на реализме.

Пик популярности стиля пришелся на период Прекрасной эпохи 1900-1910-х годов, прежде чем его сменил ар-деко.

Авангард

Искусство авангарда — термин, придуманный во Франции в 19 веке. Это относится к творчеству художников и художественных течений, для которых характерен радикальный отход от традиционных форм представления.

Многие художники используют авангардные техники, чтобы дать представление об обществе, даже если они не всегда понимаются или ценятся. Форма современного искусства, которая часто шокирует или оскорбляет людей, использующих традиционные стандарты.

Искусство авангарда часто называют экспериментальным, и его описывают по-разному, в том числе как «художественный бунт против принципов порядка и гармонии», как «атаку на общепринятые представления о красоте и традиционные функции». изобразительного искусства» и как исследование «психического процесса самовыражения».

Движение было антиподом того, что считалось мейнстримом.

Ар-деко

Движение ар-деко было стилем дизайна, который был популярен в период с 1920-х по 1930-е годы. Термин «ар-деко» происходит от французского и переводится на английский язык как «стиль искусства, применяемый к декорированию». Этот стиль возник во Франции, а затем распространился в Европе, Северной Америке и Латинской Америке.

Сам термин был придуман в 1939 году французским арт-дилером Жоржем-Пьером Сёра для описания выставки мебели, спроектированной в 1925 для Парижской выставки в том же году и с тех пор в более широком смысле применяется к таким предметам, как украшения, одежда, текстиль, плакаты и здания, такие как Крайслер-билдинг в Нью-Йорке.

Архитектура характеризуется использованием кривых и геометрических форм. Повсеместное распространение ар-деко можно найти в зданиях, мебели, моде, графическом дизайне, скульптуре — во всех аспектах жизни той эпохи.

В этом механизме особое внимание уделялось геометрическим формам с сильным египетским влиянием, таким как изогнутые формы с острыми краями. В дополнение к влиянию Египта на эту тенденцию также был акцент на использование ярких цветов для самовыражения через одежду или внешние мотивы 9. 0003

Барокко

Искусство в стиле барокко — это термин, описывающий художественный период в Западной Европе примерно с 1600 по 1750 год. Прилагательное барокко происходит от португальского слова barroco, означающего «деформированная жемчужина» с возможной связью с французским словом барокко с аналогичными значениями, и иногда используется уничижительно.

Характеризуется использованием драматических и эмоциональных сюжетов, использованием движения и большого масштаба.

Барокко зародилось в Риме около 1600 года и быстро распространилось в католических странах. Он правил искусством примерно до 1760 года, когда уступил место рококо, а затем неоклассическому стилю. Барокко применялось в музыке, архитектуре, опере, живописи, скульптуре и других искусствах.

Он возник в Италии как реакция на стиль Ренессанс, который часто считают холодным, безэмоциональным и слишком совершенным. На него повлияли такие художники, как Микеланджело и Караваджо, которые подчеркивали несовершенство людей и свои рисунки людей.

Классицизм

Классицизм — художественный стиль, популярный в Западной Европе с 1750 по 1830 годы.

Этот художественный стиль является реакцией на доминирующие в то время стили барокко и рококо. Он использует простые формы, четкие линии и часто имеет симметрию или порядок.

Он был разработан в Риме как способ имитации классического греческого искусства.

Классицизм можно описать как использование простых, чистых линий и форм для создания человекоподобных фигур и предметов. Стиль был популяризирован такими художниками, как Жан-Батист Реньо, Робер Лефевр и Жак Луи Давид.

Художники пытались подражать художественным стилям классической древности, например, древнегреческой и римской скульптуре. Это также было реакцией на стиль барокко, который был популярен на тот момент более 100 лет.

Примером классицизма является «Смерть Сократа» Жака Луи Давида.

Коллаж

Коллаж — это процесс создания художественного произведения путем объединения различных элементов в единое целое. Обычно это влечет за собой разрезание или разрывание кусочков бумаги или другого материала и размещение их на поверхности для создания изображения.

Слово «коллаж» по-французски означает «склеивание», поэтому произведение искусства создается путем склеивания кусочков вместе, чтобы сформировать что-то новое.

Идея искусства коллажа состоит в том, чтобы брать различные предметы и переставлять их оригинальным образом. Чтобы это сработало, оно должно быть выполнено творчески, чтобы привлечь внимание зрителей.

Коллаж можно использовать для создания визуального повествования или выражения идеи. Произведение искусства, созданное с помощью коллажа, называется коллажем. Слово «коллаж» происходит от французского слова «coller», что означает «склеивать».

Коллажи можно делать из самых разных материалов, от картинок до пуговиц и раскрашенных вручную кусочков ткани.

Традиционный способ, которым художники создают коллажи, состоит в том, чтобы брать два или более объектов и помещать их друг на друга так, чтобы они перекрывались, чтобы сформировать новое изображение.

Концептуальное искусство

Концептуальное искусство — это вид искусства, который передает идею или сообщение, а не представляет физические объекты.

Термин «концептуальное искусство» был придуман художником и критиком Лоуренсом Аллоуэем в середине 1960-х годов, который использовал его для обозначения работ некоторых художников, входивших в группу Fluxus.

С тех пор он используется для описания любого произведения искусства, визуального или иного, которое предназначено для передачи идеи или сообщения, не ограничиваясь традиционным средством или стилем.

Художники-концептуалисты часто используют косвенные средства выражения, такие как инсталляции, фотографии, видео, рисунки и текстовые работы. Концептуальное искусство разделяет как с абстрактным экспрессионизмом, так и с минимализмом идею о том, что весь смысл исходит из физической материальности произведения искусства, а не из какого-то внешнего источника.

Он состоит из всего, что фокусируется на концептуальной, а не на физической реальности. Некоторыми примерами этого являются «Фонтан» Марселя Дюшана, «Вырезанный кусок» Йоко Оно или просто белый холст с этикеткой, на которой написано: «Эта работа называется белым холстом».

Во многом он напоминает авангардные течения конца 19 века и развился из них, став более радикальным с точки зрения своих подходов к смыслу и эстетической ценности. Концептуализм часто принимает форму критики традиционных понятий, таких как «искусство» и «истина».

Конструктивизм

Искусство конструктивизма — это стиль искусства, возникший в результате русского конструктивистского движения. Художники, работающие в этом стиле, считают, что искусство — это абстрактная, объективная истина, и их цель — показать мир таким, какой он есть на самом деле.

Концепция конструктивизма впервые была разработана художником и дизайнером Владимиром Татлиным в 1920-х годах. На него повлияли идеи русских поэтов-футуристов и конструктивистов. Он хотел создать новый вид искусства, который был бы динамичным, свободным от любых ограничений, политических или иных.

Он был вдохновлен идеей Владимира Ленина о том, что искусство должно использоваться как инструмент для распространения коммунистической идеологии. Конструктивисты смотрели на мир аналитическим взглядом и отвергали объективность чистого искусства.

Они хотели, чтобы их искусство выражало то, чем, по их мнению, должна быть жизнь – радость, счастье, городская жизнь и так далее. При этом они пытались создать новые формы и приемы, которые помогли бы им более четко излагать свои идеи, чтобы провоцировать размышления у зрителей.

Современное искусство

Термин «современное искусство» используется в мире искусства для различения форм модерна и постмодерна. Современное движение характеризуется абстракцией, минимализмом, концептуализмом и искусством инсталляции.

Современные художники часто используют новые технологии для создания своих произведений искусства. Они всегда изучают новые возможности для своего искусства.

За последние несколько десятилетий он превратился в форму художественного выражения, не ограниченную никакими традиционными идеями или нормами.

Современное искусство определяется не одним конкретным стилем, а скорее движением, которое стремится быть инновационным и экспериментальным. Лучший способ определить современное искусство — рассматривать его как самостоятельную сущность, а не просто результат слияния прошлых стилей.

Кубизм

Кубизм — влиятельное авангардное направление в искусстве, зародившееся во Франции в начале 20 века. Кубисты сосредоточены на идее, что объекты видны под разными углами одновременно. Они использовали искусство, чтобы представить то, что они видели, когда смотрели на объекты с разных точек зрения.

Художники-кубисты считали, что картина или скульптура должны представлять собой совокупность объектов, а не один объект, видимый с одного ракурса. Они считали, что мы видим предметы по-разному, так почему бы не показать их все?

Одними из самых известных кубистов были Пабло Пикассо и Жорж Брак, создавшие такие картины, как «Скрипка».

Они оба начали экспериментировать с изображением объектов с разных точек зрения одновременно, с изображениями, которые были созданы краской на двухмерной поверхности.

На кубизм повлияли маски африканских племен и иберийская скульптура, а также аналитические техники живописи Сезанна, которые использовались до того, как кубизм стал популярным.

Дадаизм / дадаизм

Дадаизм — культурная деятельность, зародившаяся после Первой мировой войны. Она возникла в кофейнях в Цюрихе, Швейцария, где художники собирались, чтобы обсудить зверства войны и их влияние на общество.

Это движение бросило вызов любым традиционным представлениям о порядке, логике и искренности в искусстве.

Дада означает «лошадка-любитель» или «детский посох нищего с конской головой». Дадаизм — это форма антиискусства, которая намеренно использует иррациональность и нигилизм в качестве основных приемов для достижения своей цели — отказа от того, что они считали чрезмерно буржуазным обществом.

Художники Дада хотели создать произведение, которое ужаснуло бы любителей прекрасного и показало бы им абсурдность войны. Их описывают как обладающих «порочным чувством юмора», которое они используют для критики общества посредством поэзии, звуковых стихов, картин, скульптур, коллажей и т. д.

Экспрессионизм

Экспрессионизм — модернистское направление в искусстве, зародившееся в начале 20 века в Нидерландах и Германии. В широком смысле это стиль изобразительного искусства, литературы, театра, кино и музыки, который стремится выразить эмоции или идеи посредством крайнего искажения формы или содержания.

Другими словами: это направление в искусстве, которое возникло как реакция на ограниченность импрессионизма в передаче эмоциональных состояний.

Образец экспрессионизма можно увидеть в картине Винсента Ван Гога «Звездная ночь», которая воплощает эмоциональное состояние художника в конкретный день, когда он ее написал.

Художники-экспрессионисты стремились выразить эмоциональные переживания, а не физическую реальность. Они сосредоточились на внутреннем мире людей, а не на внешнем мире объектов.

Движение возникло как ответ на реализм и натурализм девятнадцатого века, которые были сосредоточены на внешней визуальной реальности. Экспрессионисты экспериментировали с новыми способами выражения чувств и эмоций и стремились представить их визуально.

Фовизм

Фовизм был художественным движением между 1905 и 1914. Для него характерно использование неестественных цветов, таких как желтый, розовый и фиолетовый. Ключевой особенностью картин фовистов является использование чистых цветов при ярком солнечном свете.

Фовизм — стиль живописи, получивший свое название от французского слова «фов», означающего «дикий зверь».

Движение зародилось во Франции, когда Анри Матисс был вдохновлен произведением африканского искусства, которое он увидел в доме своего друга и художника Андре Дерена.

Матисс заинтересовался этим видом искусства после просмотра аналогичного произведения на выставках, спонсируемых Полем Дюран-Рюэлем с 189 года.5. Картины характеризовались упрощенными формами, широкими мазками и яркими цветами, которые сильно контрастировали с картинами импрессионистов, на которых мрачные сюжеты были представлены в приглушенных тонах.

Цвета интересовали фовистов из-за их эмоциональных и выразительных качеств, а не из-за их символических или натуралистических ассоциаций. Они отказались от всех академических правил и посвятили себя свежему, спонтанному самовыражению в данный момент. Для него характерны яркие цвета, вызывающие эмоциональный отклик у зрителей.

Искусство феминизма

Искусство феминизма — это форма искусства, направленная на критику социальных норм, стереотипов и ожиданий женщин.

Феминизм в искусстве изначально был довольно спорной темой, но по мере того, как все больше художников использовали эту форму выражения, она становилась все более популярной. Феминистское движение существовало всегда, и только сейчас мы начинаем видеть изменения.

Хотя существует множество определений феминизма, все они имеют нечто общее: идею о том, что женщины должны иметь те же возможности, что и мужчины. Это может означать разные вещи в зависимости от того, кто определяет феминизм.

Тем не менее, не всегда легко понять, что такое искусство феминизма. Не существует конкретного определения того, каким должно быть искусство феминизма, и существует множество различных точек зрения на этот предмет. Но есть одна вещь, с которой согласны большинство людей, это то, что те, кто создает феминистское искусство, должны каким-то образом поддерживать феминистские идеалы.

Fluxus

Fluxus — международная группа художников, композиторов, дизайнеров и поэтов, основанная в Нью-Йорке в начале 1970-х годов.

Это было преимущественно американское движение, тесно связанное с европейским авангардом.

Термин «флюксус» был придуман Джорджем Мачюнасом, одной из ключевых фигур художественного движения Флюксус, для обозначения его группы художников и их работ, а также их связи с другими художественными движениями, такими как минимализм, концептуальное искусство и визуальная поэзия. .

Художники Fluxus отвергли прежние художественные условности, такие как традиционные материалы, размер или форма. Они хотели создать новую форму искусства, которая была бы личной, визуальной и субъективной.

Термин флюксус имеет два значения: он может относиться либо к более широкому творчеству любого флюксусного художника, либо к одной конкретной работе определенного художника.

Футуризм

Искусство футуризма — это форма искусства, зародившаяся в Италии в 1909 году. Футуристы представляли собой группу художников, которые хотели вырваться из художественных традиций, поэтому они экспериментировали с новыми техниками, такими как кубизм и экспрессионизм.

В основном его возглавлял поэт и художник Филиппо Томмазо Маринетти.

Термин футуризм произошел от французского слова «futur», что означает будущее. Футуристы хотели своим искусством показать, какой будет жизнь в будущем. Их особенно интересовали современные технологии, поэтому у них были изображения и видео поездов, самолетов и автомобилей.

Футуристическое искусство — это искусство, черпающее вдохновение из будущего. Эти художники пытаются представить, как мог бы выглядеть мир через несколько десятилетий или даже столетий.

Футуристическое искусство — это разновидность научной фантастики, но это также эстетика, которую можно использовать для других целей, кроме изображения воображаемых миров.

Он часто изображает то, что художник считает возможным с помощью современных технологий, но он также может быть основан на идеях воображения и исследованиях в таких областях, как технологии, наука и исследование космоса.

Этот жанр искусства можно увидеть во многих фильмах и книгах, а также в реальных картинах и скульптурах по всему миру.

Геометрическое искусство

Термин «геометрическое» используется для описания этого вида искусства, потому что формы часто бывают геометрическими, а также часто встречаются углы, круги, квадраты или прямоугольники. Геометрическое искусство может проявляться во всех формах, таких как скульптура или живопись, но чаще всего это картины или рисунки на бумаге.

Существует три типа геометрических произведений искусства: абстрактные геометрические произведения искусства, репрезентативные геометрические произведения искусства и графический дизайн.

Абстрактное геометрическое искусство: художник пытается выразить свои мысли или чувства, создавая форму с помощью геометрических фигур абстрактным образом.

Репрезентативное геометрическое искусство: художник пытается изобразить объекты или идеи, существующие в реальности, используя геометрические формы более реалистично.

Граффити

Граффити — это форма визуального искусства, которая обычно выполняется в общественных местах. Художники-граффити используют аэрозольную краску, маркеры или другие инструменты для создания изображений и текста на стенах и в других общественных местах.

Граффити существовало веками, и это очень старая форма искусства с самого начала цивилизации. Самая ранняя форма была бы с доисторическими наскальными рисунками.

Современное граффити было создано для прикрытия рекламы в 1960-х годах. Его можно использовать как законный способ выражения своего мнения об организации или учреждении, например, посредством протеста или комментария, а также как незаконный вандализм.

Гиперреализм

Гиперреализм — это особый жанр живописи и скульптуры, который не является абстрактным. Художник должен уметь реалистично изображать предмет, но цель гиперреализма — сделать искусство настолько реалистичным, чтобы оно выглядело как фотография.

Термин был придуман Артуром Михайловичем в 1968 году, который заявил: «Гиперреализм — это преднамеренное использование техник, призванных сделать картину похожей на фотографию». Для этого стиля от художника требуются технические навыки, поскольку он основан на тщательном изучении и представлении, а не на абстракции или экспериментировании.

Картины настолько реалистичны, что кажутся настоящими или сверхреалистичными. Они заставляют зрителя поверить в реальность того, что он видит, но на самом деле это всего лишь иллюзия, созданная краской на холсте или полистиролом на дереве.

Импрессионизм

Импрессионизм — это направление в искусстве, целью которого является запечатлеть субъективное и универсальное впечатление, которое наблюдатель получает от сцены. Движение характеризуется техникой использования небольших подвижных мазков, в отличие от более распространенной практики равномерного нанесения краски.

Известными художниками-импрессионистами являются Клод Моне, Эдгар Дега и Пьер-Огюст Ренуар.

Термин «импрессионизм» впервые употребил искусствовед и историк Эдуард Дюжарден в 1863 году. Он использовал этот термин для описания картин Моне, написанных зимой 1860-61 годов, для которых характерны необычные цветовые и световые эффекты.

Импрессионизм характеризуется видимыми мазками, художественным использованием цвета и вниманием к деталям. Импрессионисты пытаются показать, как свет влияет на людей и предметы, как выглядят поверхности при различных условиях освещения, например, на рассвете и в сумерках, или как со временем меняются тени.

Искусство инсталляции

Искусство инсталляции — это искусство, созданное для определенного места и времени.

Искусство инсталляции может исследовать концепции жизни, смерти и природы. Это может быть интерактивным, например, просить зрителей наступить на деревянную доску, чтобы создать звук, когда они идут по ней.

Художник также может использовать искусство инсталляции как способ исследовать идеи окружающего мира. Он часто носит интерактивный или интерактивный характер.

Искусство инсталляции начало становиться тенденцией в конце 19 века.60-е годы с художниками, изучающими новые способы отображения своих работ. Цель инсталляционного искусства не в том, чтобы создать эстетический вид, а в том, чтобы создать иммерсивный опыт.

Это интерактивные произведения, предназначенные для публики, а не просто для просмотра в галерее. В искусстве инсталляции часто используются специфические для сайта функции, такие как архитектура, скульптура, карты, а также звуковые или световые проекции.

Он часто создается в нетрадиционных местах, таких как музеи, галереи или частные дома, и может варьироваться от крупномасштабных скульптур, занимающих всю комнату, до крошечных скрытых предметов, спрятанных в темных углах.

Пейзажное искусство

Пейзажное искусство или пейзажная живопись — это действие по изображению пейзажа или точному изображению области природного пейзажа, особенно акварелью.

Это сочетание двух слов «земля» и «пейзаж». Эти два слова часто используются для определения разных вещей, но в данном контексте они оба относятся к одному и тому же. Пейзажное искусство — это форма живописи, которая изображает пейзажи, обычно на природе, и выполняется акварельными красками. Слово «земля» означает пейзаж, а слово «пейзаж» означает «краска».

Этот вид искусства зародился давным-давно, когда древние люди использовали его как способ сохранить память о доме живым, когда они подолгу отсутствовали.

Пейзажное искусство — это картина, рисунок или репродукция пейзажа. Это термин, который охватывает сельские пейзажи, городские пейзажи и природные сцены.

Одной из старейших картин ландшафтного искусства является Эдемский сад. Он изображает мир таким, каким он был до грехопадения человечества.

Средневековье

Средневековое искусство — это широкий термин, который относится ко всему искусству, созданному в Европе в средние века. Это был период времени между 500 и 1500 годами.

Хотя существует множество различных типов средневекового искусства, некоторые из наиболее распространенных — иллюминированные рукописи, изделия из металла, скульптура, витражи и фрески.

Средневековье характеризовалось возрождением классических форм и появлением новых социальных классов. Этот период также известен как Средневековье и длился примерно с 1000 по 1500 год в Европе (Ближний Восток и Северная Африка).

В это время художники получили больше свободы для самовыражения. Это привело к появлению некоторых из самых влиятельных произведений искусства того времени. Целью этих художников было создать ощущение духовности в своих работах.

Они хотели, чтобы их работа была духовно возвышенной, потому что верили, что через искусство люди могут лучше понять христианство и обрести спасение.

Идея этих произведений возникла из религиозных картин, которые использовались во время средневековых месс под названием «Мессы». Эти росписи были выполнены на деревянных панелях, которые затем прикреплялись к церковным стенам или переделкам 9.0003

Минимализм

Минимализм — стиль, ставший популярным в начале двадцатого века. Художественная форма основана на нескольких простых геометрических фигурах, таких как линии и прямоугольники. Минимализм использует эти формы для создания красивых произведений искусства.

Термин «Минимализм» был придуман американским искусствоведом и писателем Дональдом Джаддом в 1968 году. С тех пор это направление в искусстве переняли многие художники по всему миру.

Минимализм — вид искусства, стремящийся к достижению максимальных результатов минимальными средствами. Это художественный стиль, возникший в конце 1950-х и начале 1960-х годов, прежде всего в Америке и Западной Европе.

Этот вид искусства характеризуется упрощенными геометрическими формами, часто расположенными на белом или светлом фоне. Цель художника в этом стиле — создать ощущение порядка, ясности, баланса и сдержанности или спокойствия за счет сведения сложности или орнамента к его простейшей форме или форме.

Маньеризм

Маньеризм — стиль живописи и скульптуры, возникший в Риме в 1520-х годах и распространившийся на большую часть Европы.

Название происходит от итальянского слова maniera, означающего «стиль» или «манеры».

Художники-маньеристы отвергли гладкость и ясность искусства раннего Возрождения, примером которого является Леонардо да Винчи. Они также стремились придать своим работам эмоциональную насыщенность, которая делала их больше, чем реальность.

Маньеризм можно рассматривать как форму экстравагантности в культуре эпохи Возрождения, когда ее изобразительное искусство становится более сложным и интеллектуализированным, чем это было со времен античности.

Стиль характеризуется удлиненными и сильно стилизованными фигурами, часто с неестественной степенью эмоциональности или сексуальности; драматические жесты и позы; контрастная окраска; и «сдержанное интеллектуальное качество».

Наивизм

Наивизм — глобальное художественное движение, зародившееся в 1970-х годах. Для него характерно использование ярких, веселых цветов и детских образов со счастливыми предметами (например, цветами и деревьями).

Наивные художники рисуют сцены из своей повседневной жизни: семейные посиделки, животных, натюрморты.

Слово Naïve происходит от французского слова Naïf, что означает «простой». И это относится к более упрощенным качествам в их картинах.

Наивные художники пытаются изобразить свои предметы с помощью самых простых геометрических форм, без тени или деталей.

Натурализм

Натурализм Искусство — это международное направление реализма в искусстве, цель которого — показать объекты и сцены такими, какие они есть в природе. Это была реакция на романтизм, склонный преувеличивать цвета и детали.

Термин «натурализм» может применяться ко всем формам искусства, которые изображают объекты и сцены такими, какие они есть в природе. Однако в основном он используется для описания живописи с середины 19 века до конца 1940-х годов.

Произведения в стиле натурализма обычно сосредоточены на повседневной жизни и обстановке, часто изображая сельские сцены с загородными домами, фермами и посевами. Избегает идеализации и романтизма.

Неоклассицизм

Неоклассицизм – это возрождение принципов древнегреческой и римской скульптуры и архитектуры. Термин «неоклассический» появился в 18 веке и изначально был уничижительным.

Этот стиль можно увидеть как в картинах, так и в скульптурах, но в основном он ориентирован на живопись, так как требует больше навыков, чем в скульптуре.

Неоклассицизм возник в Риме, Италия, в 18 веке, примерно через двести лет после того, как неоклассические художники впервые начали вносить изменения в свои работы. Стиль был популяризирован Французской академией в 1750 году как реакция на искусство рококо, которое было популярно с 1740-х годов.

Неоклассики хотели отойти от романтизма и вернуться в классическую эпоху искусства.

Самые известные художники-неоклассики – Жан Огюст Доминик Энгр и Эжен Делакруа.

Неоимпрессионизм

Искусство неоимпрессионизма — это форма живописи, возникшая в конце 19 века. Это стиль живописи, похожий на импрессионистов, но с более четкими мазками и более яркими цветами. Он был создан после движения импрессионистов, которое началось в 1874 году и просуществовало примерно до 1886 года.

Неоимпрессионисты хотели воспроизвести изображение в момент времени и запечатлеть его на холсте таким, каким его видит глаз.

В отличие от традиционных техник рисования, они наносили цвета непосредственно друг на друга, не смешивая их предварительно, что создавало интенсивную цветовую палитру и более четкие очертания, чем в картинах импрессионистов.

Неопластицизм

Неопластицизм — это форма абстрактной живописи, впервые созданная румынским художником Константином Бранкузи. Он представил этот стиль в 1909 году своей работой «Птица в космосе».

Этот стиль характеризуется плоскими плоскостями, свободной композицией и насыщенными цветами. Название «неопластицизм» было придумано румынским современным искусствоведом и поэтом Т. П. Томой в 1919 г.29.

Движение было реакцией на картины импрессионистов и кубистов той эпохи.

Новое движение стремилось устранить все следы узнаваемых или реалистичных объектов со своих картин. Они хотели, чтобы зритель сосредоточился только на цвете, форме и композиции.

Перформанс

Перформанс — это вид искусства, который бросает вызов традиционным способам коммуникации, создавая действия, выполняемые перед аудиторией.

Он существует уже давно и популярен не только в театре, но и в других видах искусства. Артисты перформанса используют свои тела, действия или слова для создания своих представлений.

Перформанс — вид визуального искусства, который существует с 1960-х годов. Обычно это происходит перед аудиторией и может включать любое количество инструментов. Может быть трудно определить, что такое перформанс на самом деле, потому что он очень разнообразен и существует много разных типов.

Пуантилизм

Пуантилизм — это художественная техника, в которой используются маленькие точки чистого цвета для создания впечатления большего богатства, чем оно есть на самом деле.

Он родился как ответвление импрессионизма, живописного течения во Франции 1860-х годов. Импрессионисты хотели передать мимолетные впечатления, или мгновения, как они представлялись художнику.

Они использовали короткие мазки и брызги цветов на холсте, но они смешивались в более единое целое для глаза зрителя.

Художники-пуантилисты пытались добиться аналогичного эффекта с помощью маленьких точек краски вместо мазков кисти, и их работы можно рассматривать как продолжение или усовершенствование импрессионизма.

Поп-арт

Поп-арт — это термин, который впервые был придуман в Америке для обозначения формы искусства, использующей изображения из популярной культуры.

Движение поп-арт возникло в 1950-х и 1960-х годах и характеризовалось тем, что художники использовали яркие однородные цвета из коммерческих источников. Его истоки можно найти в работах Джаспера Джонса, который создавал работы на основе знакомых символов, таких как флаги, мишени, цифры и буквы.

Поп-арт обычно представляет собой смесь изображений и слов, взятых из популярной культуры, таких как кадры из фильмов или комиксы. Затем эти иллюстрации комбинируются с другими формами популярной культуры, такими как реклама, комиксы и мультфильмы.

Портрет

Портрет — наиболее распространенная форма живописи в западных обществах. Художник-портретист — это обычно тот, кто специализируется на создании портретов.

Портреты могут быть реалистичными или импрессионистскими, и они могут быть выполнены на любом материале, но чаще всего используются картины маслом из-за их насыщенных цветов и текстур.

Портретная живопись уходит своими корнями в европейскую традицию рисования аллегорических и мифологических сюжетов классической античности, таких как Сократ Платона или Давид Аристотеля.

Традиция сложилась в эпоху Возрождения, когда художники писали облагороженные портреты своих покровителей.

Постимпрессионизм

Художники-постимпрессионисты использовали яркие цвета, альтернативные мазки и новые способы изображения твердых объектов, чтобы создать более выразительный вид, чем то, что можно было увидеть на картинах импрессионистов.

Художники создавали свои работы, опираясь на достижения Моне, Ренуара и Писсарро. Они также взяли то, что узнали из символизма и движения декоративного искусства конца 19 века.

Постимпрессионизм — направление в искусстве, возникшее в 1880-х годах. Он развился как продолжение импрессионизма и рассматривается как ответ на натуралистическое изображение объектов на импрессионистских картинах. Общие черты постимпрессионистской живописи включают отсутствие четких очертаний и смелых широких мазков.

Среди художников, последовавших за этим направлением, Винсент Ван Гог, Эдуард Мане, Поль Гоген, Андре Дерен, Анри де Тулуз-Лотрек, Морис де Вламинк и Жорж Сёра.

Примитивизм

Примитивизм — художественное течение, зародившееся в конце 19 века. Это был ответ на культурные и политические события того времени, в основном на промышленную революцию и европейский модернизм.

Его можно рассматривать как реакцию на индустриализацию, потребительство и материализм.

Примитивисты часто используют символы племенных культур или других традиционных форм искусства для критики современной жизни.

Это относится к тенденции подчеркивать, преувеличивать или даже перенимать качество и стиль дикой природы. Художники-примитивисты отвергают традиционные стандарты цивилизации и вместо этого пытаются изобразить свое представление о человеческой природе в чистом виде, часто черпая вдохновение в доиндустриальном народном искусстве и детских каракулях.

Лучизм

Лучизм — стиль живописи, сложившийся в конце 19 века, один из основных стилей в русском искусстве. Он считается мостом между импрессионизмом и кубизмом, но занимает самостоятельное положение…

Лучизм — термин, введенный искусствоведом и журналистом Владимиром Стасовым в 1891 году для описания картин таких художников, как Константин Коровин, Архип Куинджи, Михаил Ларионов, Василий Поленов и другие. Они рисовали то, что видели – свои ощущения – на холсте.

Реализм

Искусство реализма — это жанр искусства, который стремится показать вещи такими, какие они есть на самом деле. Он захватывает повседневную жизнь и уделяет внимание деталям.

Движение в искусстве реализма зародилось в 19 веке, когда такие художники, как Гюстав Курбе и Эдуард Мане, вышли за рамки традиционной академической живописи. Они хотели изображать людей в их жизни и окружении, не идеализируя их.

Часто ориентировался на низшие классы, в частности на тех, кто занимался тяжелым физическим трудом.

Ренессанс

Слово Ренессанс в переводе с итальянского означает «возрождение».

Движение в искусстве эпохи Возрождения возникло в период европейского культурного возрождения, начавшегося в 1300-х годах и продлившегося до 1600-х годов.

Искусство эпохи Возрождения — это культурное движение, зародившееся во Флоренции, Италия.

Художественное течение эпохи Возрождения возникло в эпоху Средневековья. Он характеризовался возвратом к классическим стилям искусства и архитектуры, изучением естественных наук и выражением мыслей через гуманистическую философию.

Художники эпохи Возрождения были одними из первых, кто использовал реалистические изображения в картинах. Они начали использовать перспективу, что привело к более трехмерному представлению объектов на холсте.

Искусствоведы назвали этот период так потому, что он следовал за средневековым периодом и знаменовал собой «возрождение» классических форм и идей.

Картины эпохи Возрождения не часто изображали библейские сюжеты, но использовали аллегорические символы для передачи сообщений о жизни. Сюжеты включали сцены из греческой мифологии, а также христианские темы, такие как жертвоприношение Исаака (см. «Смерть Авраама» Пуссена) или чудеса Иисуса. Художники эпохи Возрождения также умели рисовать реалистичные текстуры, такие как ткани и фрукты.

Эпоха Возрождения в Европе характеризовалась возобновлением интереса к классической литературе, повышенным вниманием к гуманистической философии и науке и повторным открытием древнегреческих и римских знаний. Художники того времени находились под влиянием этих новых идей и использовали их для создания новых форм живописи, таких как перспектива или трехмерное пространство.

Ренессанс больше, чем любая другая эпоха, был временем интеллектуального и художественного брожения. Освободившись от ограничений и условностей средневековой эпохи, художники экспериментировали с новыми техниками и идеями, что привело к великолепному излиянию художественных достижений.

Эпоха Возрождения была временем расцвета интеллектуальных изысканий. Обсуждались новые идеи в науке и философии, а также новшества в искусстве, архитектуре и литературе. Все эти нововведения привели к излиянию великолепных художественных достижений.

Рококо

Искусство рококо – это европейское направление в искусстве, которое характеризуется легкостью, элегантными изгибами, орнаментом и асимметрией.

Термин рококо происходит от французского слова rocaille, что означает «горный хрусталь». Искусство рококо имеет особый стиль и было популярно в Европе в 18 веке. Стиль был вдохновлен более легкими произведениями искусства и архитектуры барокко, на которые повлияла древнеримская архитектура, а также художники эпохи Возрождения, такие как Рафаэль.

На картинах часто изображались сцены, полные движения, с людьми, одетыми в изысканную одежду, или драматические сцены с сильными эмоциями. На картинах также были представлены асимметричные композиции с предметами, которые казались неуместными или находились в каком-то напряжении друг с другом.

На движение рококо большое влияние оказали барокко и ренессанс. Художники включили эти влияния в свои картины и скульптуры.

Искусство рококо зародилось как реакция на период барокко. Художники рококо больше подчеркивали элегантность и изящество, пренебрегая серьезностью сюжетов.

Искусство барокко было основано на богато украшенном и преувеличенном стиле, который был популярен в 17 веке. Художественное движение рококо основано на сложном декоративном стиле, который был популярен в 18 веке.

Стиль рококо был разработан во Франции художниками Жаном-Антуаном Ватто, Франсуа Буше и другими.

Романтизм

Романтизм — литературное и художественное течение, зародившееся в конце 18 века. Он характеризуется отказом от рационализма и возвышением эмоций, воображения, свободы и органической формы.

Романтизм возник как ответ на веру эпохи Просвещения в то, что разум важнее эмоций для человеческой жизни. Романтики считали эмоции определяющим фактором в жизни и подчеркивали личную свободу, а не социальное соответствие.

Романтическое движение имело разные фазы, включая ранний романтизм (период 1800-1830 гг.), когда произведения в основном основывались на воображении; поздний романтизм (период 1830-1900 гг.), когда более широкое распространение получили социальные реформы; и постромантизм (1900-1910), когда движение в значительной степени угасло с появлением движений в современном искусстве, таких как

. Движение развилось в Европе как реакция на идеи Просвещения о разуме, природе и прогрессе, которые оно рассматривало как искусственные ограничения, налагаемые обществом на человека. креативность. Наиболее сильно она воплотилась в искусстве в таких картинах, как «Странник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха (1818) или «Отверженные» Виктора Гюго (1862).

Натюрморт

Натюрморт — это тип живописи, в котором запечатлена красота неодушевленных предметов, таких как фрукты, цветы или предметы домашнего обихода.

Искусство натюрморта берет свое начало в средневековой Европе, когда художники рисовали свои собственные версии природы. В 16 веке жанр натюрморта был популярен, и художники начали рисовать более детализированные произведения, показывающие разные перспективы и глубину.

Например, «Корзина с фруктами» Караваджо представляет собой композицию из фруктов в зеленых корзинах на темном фоне, что способствует настроению и красоте этого произведения.

Художники часто использовали еду в качестве своих предметов, потому что в то время их было больше, чем других товаров. Они также позволили улучшить освещение, чтобы художники могли показать цветовые контрасты и детали, такие как текстуры.

«Натюрморт» — название картины, на которой нет живых существ. Обычно это просто предметы, цветы, еда или мертвые животные.

Термин «натюрморт» происходит от французского слова «étude sur la nature morte». Это означает, что картины представляют собой исследования того, что происходит, когда природа умирает.

Целью этого типа живописи является создание впечатления с помощью своих объектов (еда, цветы, вино и другие товары), изображая их такими, какие они есть в реальности.

Стрит-арт

Стрит-арт — это форма искусства, которая создается в общественных местах, обычно вне помещений и без разрешения.

Уличный художник возвращает человеческий элемент в общественное пространство. Это не просто какой-то случайный человек, нарисовавший на стене граффити; это голос и мнение человека, который хочет, чтобы его голос был услышан. Стрит-арт — это послание, которое можно донести до мира без какой-либо формы цензуры.

Уличное искусство может принимать различные формы и стало охватывать больше, чем просто рисование, поскольку есть художники, которые использовали широкий спектр средств массовой информации, таких как наклейки, трафареты, пастель и пшеничная паста.

Сюрреализм

Сюрреализм — направление в искусстве, возникшее в 20 веке. Это стиль живописи, в котором художник пытается представить мир, создавая образы, невозможные в реальности.

Движение было начато Марселем Дюшаном, который хотел смешать что-то знакомое с чем-то незнакомым и придать этому новый смысл.

На художников-сюрреалистов оказала влияние фрейдистская психология, занимающаяся подсознанием.

Среди известных художников-сюрреалистов Сальвадор Дали, Рене Магритт и Макс Эрнст.

Существует множество различных видов искусства, которые попадают под эгиду сюрреализма. Этот вид искусства обычно характеризуется своими сказочными качествами и часто изображает вещи в искаженной манере. Некоторые распространенные примеры сюрреалистических произведений искусства включают картины, рисунки и скульптуры.

Одна вещь, которую люди могут не знать о сюрреализме, это то, что он также связан с литературой. Одним из писателей, пользовавшихся популярностью в этом движении, был Андре Бретон, написавший памфлет под названием «Манифест сюрреализма» еще в 19 веке.24.

Супрематизм

Термин супрематизм относится к абстрактному стилю живописи, зародившемуся в России в начале 20 века.

Супрематизм — направление в искусстве, развившееся из русского футуризма и кубофутуризма. Он основан на геометрических формах и цветах, в основном черно-белом или красном.

В чистом виде создает изображение или рисунок без всякого реализма (изобразительное искусство). Вместо этого супрематизм использует только формы и цвета для выражения идеи или концепции.

Он основан на идее, что самых простых форм достаточно для создания произведения искусства, и что чистый цвет и простые геометрические формы важнее, чем детализированные линии или фоновые цвета.

Супрематическое движение было начато Казимиром Малевичем в 1913 году его первой супрематической работой «Черный квадрат». Идея Малевича заключалась в том, что белый квадрат на черном фоне представляет почти все в жизни; время, пространство, бытие или ничто.

Символизм

Символизм — это художественное направление в западной живописи и поэзии, которое было наиболее активно между 1880 и 1910 годами. Символизм был реакцией против натурализма и импрессионизма.

Символизм — это жанр искусства, стремящийся выразить субъективное значение в объективной форме. Художники обычно изображают такие объекты, как человеческое тело, символически, часто используя очень стилизованные или преувеличенные формы, цвета или пропорции.

Для произведений символистов часто характерно использование в качестве предмета символов со сложными ассоциациями с другими идеями или образами.

Символизм Искусство можно найти в различных формах, включая живопись, рисунок, скульптуру, фотографию и поэзию.

Символист обычно передает идею, представляя ее как символ, обозначающий другую идею или некоторую абстракцию. Это искусство, которое не изображает реальность, а вместо этого выражает внутренние чувства или настроения художника.

Вортицизм

Вортицизм был модернистским движением в искусстве, которое процветало с 19С 14 по 1918 год. Вортицисты хотели создать новое единство искусств. Они хотели выйти за рамки общепринятых различий между прошлым и настоящим.

Вортицизм — британское художественное течение с коротким периодом существования, возникшее незадолго до Первой мировой войны и просуществовавшее примерно до 1918 года. Оно характеризуется абстрактным композиционным стилем, включающим угловатые, линейные рисунки с динамичными асимметричными композициями, часто отражающими энергичный или насильственная интенсивность.

Вортицизм фокусируется на динамизме формы (а не цвета) для изображения ощущений и идей, что отличает его от футуризма.

Вортисты считали, что живопись должна быть ясной и простой, потому что она изображает объекты; они верят, что живопись имеет ценность только в том случае, если она запечатлевает мгновение.

20+ основных художественных направлений для понимания современного изобразительного искусства

Оглядываясь назад на западную историю, невероятно увидеть, как много видов искусства оказали влияние на общество. Прослеживая временную шкалу через различные направления в искусстве, мы можем не только увидеть, как развивалось современное искусство, но и то, как искусство является отражением своего времени.

Например, знаете ли вы, что когда-то импрессионизм считался андеграундным и противоречивым движением или что абстрактный экспрессионизм ознаменовал сдвиг в мире искусства из Парижа в Нью-Йорк? Подобно строительным блокам, от реализма до низкопробного, эти разные виды искусства взаимосвязаны. По мере того как творческий маятник качается, художественные стили часто являются реакцией на своих предшественников или данью им уважения. И, оглядываясь назад на некоторые из самых важных художественных движений в истории, мы лучше понимаем, как известные художники, такие как Ван Гог, Пикассо и Уорхол, произвели революцию в мире искусства.

 

Эти движения в изобразительном искусстве имеют основополагающее значение для понимания различных видов искусства, формирующих современную историю.

Искусство итальянского Возрождения

Микеланджело, «Давид», 1501–1504 гг. (Фото: Йорг Биттнер Унна, Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

С 14 по 17 века Италия пережила беспрецедентную эпоху просвещения. Известен как Renaissance — термин, происходящий от итальянского слова Rinascimento 9.1608 г., или «возрождение» — в этот период возросло внимание к предметам культуры, таким как искусство и архитектура.

90 002 Итальянские художники эпохи Возрождения, такие как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль, черпали вдохновение в классическом искусстве Древнего Рима и Греции, перенимая античные интересы, такие как баланс, натурализм и перспектива. В Италии эпохи Возрождения этот вдохновленный древностью подход материализовался в виде гуманистической портретной живописи, анатомически правильной скульптуры и гармоничной, симметричной архитектуры.

Художники, которых нужно знать: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан

Знаковые произведения искусства: Рождение Венеры Сандро Боттичелли (1486), Тайная вечеря Леонардо да Винчи (1495–1498), Мона Лиза (ок. 1503–9168 Микеланджело) (1501 – 1504), Афинская школа Рафаэля (1509 – 1511)

 

Барокко 

«Экстаз святой Терезы» Бернини. 1647-1652 гг. Часовня Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим

Ближе к концу эпохи Возрождения в Италии возник барочный механизм . Как и предыдущий жанр, искусство барокко продемонстрировало художественный интерес к реализму и насыщенности цвета. Однако, в отличие от искусства и архитектуры эпохи Возрождения, произведения барокко также подчеркивали экстравагантность.

Это богатство проявляется в живописи, скульптуре и архитектуре в стиле барокко. Такие художники, как Караваджо, предлагали драму через обработку света и изображение движения. Такие скульпторы, как Бернини, добивались театральности за счет динамичных контуров и замысловатой драпировки. Архитекторы по всей Европе украшали свои проекты орнаментом, начиная от замысловатой резьбы и заканчивая внушительными колоннами.

Художники, которых нужно знать: Караваджо, Рембрандт, Бернини

Знаковые произведения: Призвание святого Матфея Караваджо (1599–1600), Ночной дозор Рембрандта (1642), Экстаз святой Терезы Бернини (1647–16053) 90

 

Рококо

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели», 1767 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Вслед за экстравагантностью и мощью искусства барокко пришли беззаботные и кокетливые 9Движение 0101 Rococo , которое расцвело во Франции 18-го века, а затем распространилось на другие европейские страны. Термин рококо происходит от рокайль , метода украшения с использованием гальки, ракушек и цемента для украшения гротов и фонтанов в эпоху Возрождения. В 1730-х годах декор в стиле рокайль вдохновил закручивающиеся кривые в декоративной мебели и дизайне интерьера. В живописи этот декоративный стиль перешел в любовь к причудливым повествованиям, пастельным тонам и плавным формам.

Художники, которых нужно знать: Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше

Знаменитое произведение искусства: Качели Жана-Оноре Фрагонара (1767)

 

Неоклассицизм

Жак-Луи Давид, «Клятва Горациев», 1784–1785 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Неоклассицизм  — художественное течение 18 века, основанное на идеалах искусства Рима и Древней Греции. Его интерес к простоте и гармонии был частично вызван негативной реакцией на чрезмерно легкомысленную эстетику декоративного стиля рококо. Открытие римских археологических городов Помпеи и Геркуланума (в 1738 и 1748 годах соответственно) помогло активизировать дух этого движения.

Художники, которых нужно знать: Жак-Луи Давид, Жан-Огюст-Доминик Энгр, Антонио Канова

Знаковые произведения: Клятва Горациев Жака-Луи Давида (1784–1785),   Смерть Сократа Жака-Луи Давида (1787), Смерть Марата Жака-Луи Давида (1787) 1793), Большая одалиска Энгра (1814)

 

 

Романтизм

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ», 1830 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Романтизм был культурным движением, возникшим примерно в 1780 году. До своего возникновения неоклассицизм доминировал в европейском искусстве 18-го века, для которого характерны акцент на классические темы, интерес к эстетической строгости и идеям, соответствующим Просвещению, интеллектуальному , философское и литературное движение, которое делало акцент на личности.

Такие художники, как Эжен Делакруа   , черпали вдохновение в собственном воображении. Этот интроспективный подход подошел к форме искусства, которая преимущественно исследовала духовное.

Художники, которых следует знать: Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Франсиско Гойя

Знаковые произведения искусства: Странник над морем тумана Каспара Давида Фридриха (1818 г.), Свобода, ведущая народ Делакруа (1830 г.)

 

Реализм

Жан-Франсуа Милле, «Сборщики урожая», 1857 г. (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Реализм — это жанр искусства, зародившийся во Франции после Французской революции 1848 года. Явный отказ от романтизма, доминирующего стиля, существовавшего до него, художники-реалисты сосредоточили свое внимание на сценах современных людей и повседневной жизни. То, что сейчас может показаться нормальным, было революционным после столетий художников, изображающих экзотические сцены из мифологии и Библии или создающих портреты знати и духовенства.

французских художника, таких как Гюстав Курбе и Оноре Домье, а также международные художники, такие как Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, сосредоточили внимание на всех социальных классах в своих работах, впервые предоставив голос более бедным членам общества и изображая социальные проблемы, связанные с промышленной революцией. . Фотография также оказала влияние на этот вид искусства, подтолкнув художников к созданию реалистичных изображений, конкурирующих с этой новой технологией.

Художники, которых нужно знать: Гюстав Курбе, Жан-Батист-Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле, Джеймс Макнил Уистлер

Знаковые произведения искусства:   Сборщики урожая Жан-Франсуа Милле (1857 г. ), Похороны в Орнане Гюстава Курбе (1849–1850 гг.)

 

Импрессионизм

Клод Моне, «Водяные лилии», 1906 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

В это трудно поверить, но этот ныне любимый художественный жанр когда-то был изгоем визуального направления. Отказавшись от реализма, художники-импрессионисты отошли от реалистичных изображений, чтобы использовать видимые мазки, яркие цвета с небольшим смешиванием и открытые композиции, чтобы передать эмоции света и движения. Импрессионизм начался, когда группа французских художников нарушила академическую традицию, нарисовав на пленэре — шокирующее решение, когда большинство художников-пейзажистов выполняли свои работы в помещении в студии.

Первоначальная группа, в которую входили Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, была сформирована в начале 1860-х годов во Франции. Дополнительные художники присоединятся к созданию своего собственного общества для демонстрации своих работ после того, как традиционные французские салоны отвергли их, сочтя выставку слишком спорной. Эта первая подпольная выставка, состоявшаяся в 1874 году, позволила им завоевать общественное расположение.

Художники, которых нужно знать: Клод Моне, Камиль Писсарро, Пьер-Огюст Ренуар, Мэри Кассат

Культовые произведения искусства: Впечатление, Восход солнца Моне (1872), Бал дю Мулен де ла Галетт Ренуар (1876), Водяные лилии серия Моне (1890-е – 1900-е)

 

Постимпрессионизм

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь», 1889 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Этот вид искусства, также зародившийся во Франции, развивался между 1886 и 1919 годами.05 как ответ на движение импрессионистов. На этот раз художники выступили против необходимости натуралистических изображений света и цвета в искусстве импрессионистов. В отличие от более ранних стилей, Постимпрессионизм охватывает множество различных видов искусства, от пуантилизма Жоржа Сёра до символизма Поля Гогена.

Не объединенных единым стилем, художников объединяло включение в свои произведения абстрактных элементов и символического содержания. Пожалуй, самым известным постимпрессионистом является Винсент Ван Гог, который использовал цвет и мазки не для передачи эмоциональных качеств пейзажа, а для передачи собственных эмоций и душевного состояния.

Художники, которых нужно знать: Жорж Сёра, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Поль Гоген, Эмиль Бернар

Знаковые произведения искусства: Воскресный полдень на Гранд-Жатт Жоржа Сёра (1884–1886), Звездная ночь  Винсента Ван Гога (1889), Желтый Христос Поля Гогена (1891)

 

модерн

Альфонс Муха, «Времена года», 1897 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

В конце 19 века по Европе прокатилось движение «нового искусства». Художники со всего континента, характеризующиеся интересом к стилистическому переосмыслению красоты природы, переняли и адаптировали этот авангардный стиль. В результате он материализовался в таких поддвижениях, как Венский Сецессион в Австрии, Модернизм в Испании и, что наиболее заметно, Ар Нуво во Франции.

Французский стиль модерн был воспринят художниками, работающими в самых разных средах. Помимо изобразительного искусства, такого как живопись и скульптура, оно широко использовалось в архитектуре и декоративном искусстве того периода. Однако, возможно, его самое непреходящее наследие можно найти в плакате — коммерческом ремесле, которое чешский художник Альфонс Муха помог возвысить до уровня современного искусства.

Художники, которых нужно знать: Альфонс Муха, Густав Климт

Культовые произведения искусства: Времена года Альфонса Мухи, Поцелуй Густава Климта

 

Кубизм

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907 г. (Фото: Wikimedia Commons, добросовестное использование)

Поистине революционный стиль искусства, Кубизм — одно из самых важных художественных направлений 20-го века. Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали кубизм в начале 19 века.00-х годов, когда искусствовед Луи Воксель ввел этот термин в 1907 году для описания художников. На протяжении 1910-х и 1920-х годов двое мужчин, к которым присоединились другие художники, использовали геометрические формы для создания окончательного изображения. Полностью порвав с любым предыдущим художественным движением, объекты анализировались и разбивались только для того, чтобы снова собраться в абстрактную форму.

Это сведение изображений к минимальным линиям и формам было частью стремления кубистов к упрощению. Минималистский взгляд также просочился в цветовую палитру: кубисты отказались от затенения и использовали ограниченные оттенки для плоского внешнего вида. Это был явный отход от использования перспективы, которая была стандартом со времен Ренессанса. Кубизм открыл двери для более поздних художественных течений, таких как сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, отбросив предписанный свод правил художника.

Художники, которых нужно знать: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис

Знаковые произведения искусства:   Авиньонские девицы Пабло Пикассо (1907)

 

Футуризм

Джакомо Балла, «Динамичность собаки на поводке», 1912 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Очарованные новой отраслью и взволнованные тем, что ждет впереди, футуристы начала 20-го века заняли достойное место в истории. Выросшие из Италии, эти художники работали живописцами, скульпторами, графическими дизайнерами, музыкантами, архитекторами и промышленными дизайнерами. Поскольку ранний манифест не касался напрямую художественной продукции футуризма, потребовалось некоторое время, прежде чем появился целостный визуальный ряд. Отличительной чертой футуристического искусства является изображение скорости и движения. В частности, они придерживались принципов «универсального динамизма», означавшего, что ни один отдельный объект не отделен от своего фона или другого объекта.

Лучше всего это иллюстрирует Джакомо Балла Динамизм собаки на поводке , где движение собаки показано через умножение лап собаки, поводка и ног владельца.

Художники, которых нужно знать: Джакомо Балла, Умберто Боччони

Знаковые произведения искусства: Динамизм собаки на поводке Джакомо Баллы (1912 г.), Уникальные формы непрерывности в пространстве Умберто Боччони (1913 г.)

 

Дада

Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Дадаизм — авангардное художественное движение 20-го века (часто называемое «антиискусством»), зародившееся в бурных социальных условиях и потрясениях Первой мировой войны. Она началась как яростная реакция и бунт против ужасов войны и приведших к ней лицемерия и безрассудства буржуазного общества. Подрывая все аспекты западной цивилизации (включая ее искусство), идеалы дадаизма отвергали всякую логику, разум, рациональность и порядок — все это считалось столпами развитого и развитого общества со времен Просвещения.

Художники, которых нужно знать: Марсель Дюшан, Ман Рэй, Тристан Цара

Знаменитое произведение искусства: Фонтан Марселя Дюшана (1917)

 

Баухаус

Плакат Йооса Шмидта для движения Баухаус, 1923 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Начиная от живописи и графики и заканчивая архитектурой и интерьером, искусство Баухаус доминировало во многих точках экспериментального европейского искусства на протяжении XIX века.20-х и 1930-х годов. Хотя он наиболее тесно связан с Германией, он привлекал и вдохновлял художников всех слоев общества. Баухаус — буквально переводится как «строительный дом» — возникла как немецкая школа искусств в начале 20 века. Основанная Вальтером Гропиусом, школа со временем превратилась в собственное направление современного искусства, характеризующееся уникальным подходом к архитектуре и дизайну.

Художники, которых нужно знать: Василий Кандинский, Пауль Клее, Йост Шмидт, Марсель Брейр

Знаковые произведения искусства: Желто-красно-синий Василий Кандинский (1925), Василий Стул Марсель Брейр (1925)

 

Ар-деко

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

Ар-деко — модернистское направление, возникшее в Европе 1920-х годов. В то время как механизм состоит из множества различных эстетик, включая различные цветовые палитры и ряд материалов, от черного дерева и слоновой кости до дерева и пластика, он чаще всего характеризуется обтекаемыми геометрическими формами, контрастирующими с богатым орнаментом и линейным декором.

Картины, выполненные в стиле ар-деко, обычно отличаются смелыми формами и насыщенными композициями. Некоторые, например, работы польской художницы Тамары де Лемпицкой, изображают динамичные портреты стильных людей. Как правило, эти фигуры одеты в яркие цвета и установлены в абстрактных столичных локациях.

Художники, которых нужно знать: Тамара де Лемпицка

Знаковое произведение: Тамара в зеленом Bugatti Тамары де Лемпицка (1929)

 

Сюрреализм

«Постоянство памяти» Сальвадора Дали. 1931. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Точное определение Сюрреализма может быть трудно понять, но ясно, что это когда-то авангардное движение имеет стойкость, оставаясь одним из самых доступных художественных жанров даже сегодня. Воображаемые образы, подстегиваемые подсознанием, являются отличительной чертой этого вида искусства, зародившегося в 1920-х годах. Движение началось, когда группа визуальных художников приняла автоматизм, технику, которая полагалась на подсознание для творчества.

Используя призыв к художникам освободиться от ограничений и обрести полную творческую свободу, сюрреалисты часто бросали вызов восприятию и реальности в своих произведениях. Частично это произошло из-за сопоставления реалистического стиля живописи с нетрадиционными и нереалистичными предметами.

Художники, которых нужно знать: Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт

Культовое произведение искусства: Вероломство образов Рене Магритта (1929), Постоянство памяти Сальвадора Дали (1931)

 

Абстрактный экспрессионизм

«Осенний ритм (номер 30)» Джексона Поллока. 1950. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Абстрактный экспрессионизм — это американское направление в искусстве, которое первым приобрело международный масштаб и возникло после Второй мировой войны. Это укрепило Нью-Йорк как новый центр мира искусства, который традиционно базировался в Париже. Жанр возник в 19 в.40-х и 1950-х годов, хотя этот термин также использовался для описания работ более ранних художников, таких как Василий Кандинский. Этот стиль искусства берет спонтанность сюрреализма и привносит в него мрачное настроение травмы, которое осталось после войны.

Джексон Поллок — лидер этого движения, его картины, сделанные капельным способом, подчеркивают спонтанное творчество и жестикуляционное нанесение краски, определяющие жанр. Термин «абстрактный экспрессионизм», хотя и тесно связан с работами Поллока, не ограничивается одним конкретным стилем. Такие разнообразные работы, как фигуративные картины Виллема де Кунинга и цветовые поля Марка Ротко, сгруппированы под эгидой абстрактного экспрессионизма.

Художники, которых нужно знать: Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Клиффорд Стилл, Марк Ротко

Знаковые произведения искусства:   Осенний ритм (номер 30)  Джексона Поллока

 

Поп-арт

Возникнув в 1950-х годах, Поп-арт — ключевое направление, знаменующее зарождение современного искусства. Этот послевоенный стиль появился в Великобритании и Америке, включая изображения из рекламы, комиксов и повседневных предметов. Часто сатирический поп-арт подчеркивал банальные элементы обычных товаров и часто рассматривается как реакция на подсознательные элементы абстрактного экспрессионизма.

Смелая, яркая работа Роя Лихтенштейна — отличный пример того, как пародия и поп-культура сливаются с изобразительным искусством, чтобы сделать искусство доступным. Энди Уорхол, самый известный из деятелей поп-арта, помог продвинуть революционную концепцию искусства как массового производства, создав многочисленные серии шелкографии своих популярных работ.

Художники, которых нужно знать: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс

Знаковые произведения искусства:   Банки супа Кэмпбелл Энди Уорхола (1962)

 

Искусство установки

«Души миллионов световых лет», Яёи Кусама

В середине 20 века художники-авангардисты Америки и Европы начали производить Инсталляция Арт . Инсталляции – это трехмерные конструкции, которые играют с пространством, чтобы интерактивно заинтересовать зрителей. Эти произведения искусства, часто крупномасштабные и привязанные к конкретному месту, превращают музеи, галереи и даже открытые площадки в иммерсивную среду.

Вдохновленный дадаистом Марселя Дюшана  Readymades — серия найденных предметов, контекстуализированных как скульптуры — этот важный жанр был впервые создан современными мастерами, такими как Яёи Кусама и Луиза Буржуа. Сегодня современные художники поддерживают его практику, создавая экспериментальные инсталляции из таких материалов, как веревки, бумага и цветы.

Художники, которых нужно знать: Яёи Кусама, Луиза Буржуа, Дэмиен Херст

Знаменитое произведение искусства:   Зеркальные комнаты Яёи Кусама

 

Кинетическое искусство

«Rouge Triomphant (Триумфальный красный)» Александра Колдера. 1959–1965 гг.

Казалось бы, современное направление в искусстве на самом деле уходит своими корнями в импрессионизм, когда художники впервые начали пытаться выразить движение в своем искусстве. В начале 1900-х годов художники начали экспериментировать с искусством в движении, а скульптурные машины и мобильные устройства продвигали вперед кинетическое искусство. Русские художники Владимир Татлин и Александр Родченко были первыми создателями скульптурных мобильных телефонов, которые позже усовершенствовал Александр Колдер.

Говоря современным языком, кинетическое искусство включает в себя скульптуры и инсталляции, в основе которых лежит движение. Американский художник Энтони Хоу — ведущая фигура современного движения, использующий компьютерный дизайн для своих крупномасштабных скульптур, приводимых в движение ветром.

Художники, которых нужно знать: Александр Колдер, Жан Тэнгли, Энтони Хоу

Знаменитое произведение искусства: Дуга лепестков  Александра Колдера

 

Фотореализм

«Без названия» Игала Озери. 2012.

Фотореализм — это стиль искусства, который связан с технической способностью удивлять зрителей. В первую очередь американское художественное движение, оно набрало силу в конце 1960-х и 1970-х годах как реакция на абстрактный экспрессионизм. Здесь художники были больше всего озабочены воспроизведением фотографии в меру своих возможностей, тщательно планируя свою работу для достижения большего эффекта и избегая спонтанности, которая является отличительной чертой абстрактного экспрессионизма. Подобно поп-арту, фотореализм часто фокусируется на изображениях, связанных с культурой потребления.

Ранний фотореализм был пропитан ностальгией по американскому пейзажу, в то время как в последнее время фотореалистичные портреты стали более распространенным предметом. Гиперреализм — это развитие художественного стиля, в котором живопись и скульптура выполняются таким образом, чтобы вызвать превосходный эмоциональный отклик и достичь более высокого уровня реализма благодаря техническим разработкам. Общей чертой является то, что все работы должны начинаться с фотографического ориентира.

Художников, которых нужно знать: Чак ​​Клоуз, Ральф Гоинг, Игаль Озери

Знаменитое произведение искусства: Без названия Игала Озери

 

Низкорослый

Lowbrow , также называемый поп-сюрреализм , представляет собой художественное направление, выросшее из андеграундной калифорнийской сцены 1970-х годов. Традиционно исключенное из мира изобразительного искусства, низкопробное искусство переходит от нарисованных произведений искусства к игрушкам, цифровому искусству и скульптуре. Этот жанр также имеет свои корни в андерграундных комиксах, панк-музыке и культуре серфинга, а художники не ищут признания в основных галереях. Смешивая образы сюрреализма с популярными цветами или фигурами, художники достигают сказочных результатов, которые часто обыгрывают эротические или сатирические темы.