Разное

Маньеризм в интерьере: Маньеризм в интерьере – характерные особенности

Маньеризм в интерьере: Маньеризм в интерьере – характерные особенности

Содержание

Маньеризм в интерьере – характерные особенности

Маньеризм в интерьере – это обращение к прошлому и повторение его лучших и запоминающихся достижений. Характерная особенность этого стиля – преобладание в дизайне гротескных орнаментов, фантастических нереальных образов. В целом это направление можно охарактеризовать как доминирование отдельных предметов над общим содержанием.

Красота отдельных деталей и элементов важнее общей красоты, выделяются линии и силуэты, красочные пятна в оформлении. В эпоху маньеризма вылилась эпоха Возрождения, считается, что этот стиль стал переходным к следующему за ним направлению барокко.

О маньеризме впервые начали говорить в период жизни Рафаэля, когда он отказался от ясных средств выражения, характерных для Ренессанса. Рафаэль стал работать в более причудливой манере. Характерные черты нового стиля – это особая удлиненность фигур, напряженность в позах, которая обозначается термином «контропост».

Основные черты

К основным элементам, используемым в стиле маньеризм, относят:

  • роспись яркими красками стен и потолков, украшение жилища фресками – псевдолепниной, псевдостатуями, причудливыми картинами;
  • перегруженность деталями, отсутствие единого стиля;
  • выразительность всех элементов стиля, вычурность красоты;
  • отсутствие определенных критериев при организации формы;
  • живое и весьма оригинальное применение форм и цвета;
  • инкрустации из драгоценных металлов;
  • отрицание старых форм.

В целом сущность стиля можно определить как отсутствие определенных стандартов при организации формы. В архитектуре стали широко применять нетрадиционные приемы и иллюзорные элементы – слепые окна, ниши и арки, ложные межкомнатные двери. Для маньеризма также характерно использование причудливых эффектов, которые связаны с освещением, размерами, переходом одного цвета в другой.

С большой пышностью оформляются фасады, используются скульптуры, орнаментальные элементы, золотые и серебряные инкрустации. В картинах искажаются формы, смешиваются в разных пропорциях стили, используется яркая цветовая гамма. В скульптурных композициях, картинах кроме необычных световых эффектов применяется удлинение пропорций тел изображенных людей.

История и персоналии

К первопроходцам маньеризма относится Джамболонья – итальянский скульптор, в произведениях которого изысканная плавность фигур сочетается с причудливостью поз. Также к великим скульпторам, оказавшим влияние на зарождение стиля, можно отнести и Бенвенуто Челлини.

Маньеризм как стиль в архитектуре практически также трудно определить, как и в скульптуре или живописи. Особенности этого стиля можно описать как осознанное презрение к принятым в обществе классическим традициям и устоявшимся правилам.

В декоре интерьера, оформленного в стиле маньеризм, главенствующую роль занимают аллегорические образы, эмблематика и символика. Все это призвано создать образы, близкие духу общества того времени. Маньеризм преподносился как переходный стиль от ранее используемых в эпоху Возрождения классических, монументальных форм к новому стилю барокко, который должен был пропагандировать величие, роскошь, пафос.

Особенности оформления интерьера

В итальянском языке маньеризм означает чрезмерность, вычурность. Особое распространение этот стиль получил в странах Европы примерно в XVI в. Строго говоря, маньеризм нельзя охарактеризовать как стиль. Это определенный этап в постепенном развитии искусства Италии. Новый этап можно считать исходом утраты предшествующих идеалов в искусстве.

Маньеризм часто также связывают с работами художника Италии Вазари, он называл этот стиль утонченным и изысканным. Для маньеризма характерно повышенное внимание к отдельным элементам и деталям, которые иногда и не вписываются в общую картину художественного произведения.

Если маньеризм рассматривать предельно тщательно, то можно выявить, что в чистом виде этот стиль в интерьере практически не используется, полностью соблюсти его практически невозможно. И связано это также с тем, что маньеризм выражался прежде всего в различных формах искусства.

Если вы загорелись идей оформить ваше жилище в направлении маньеризма, то вам необходимо заранее полностью представить общую картину вашего обновленного дома. Чаще всего дизайнеры предлагают развесить на стенах картины, выполненные художниками, приветствующими тот стиль. Имеет маньеризм следующие особенности.

  • В оформлении обязательно используются элементы изобразительного искусства. Стены комнат расписываются причудливыми орнаментами, которые изображают аллегорическую направленность, символику либо эмблему.
  • Цветовые оттенки в маньеризме яркие, насыщенные, часто практически несочетаемые.
  • Используются иллюзорные образы – несуществующие окна, арки, камины, двери.
  • Мебель инкрустируется под бронзу, золото, серебро и выглядит вычурно и помпезно.
  • Аксессуары должны отражать все богатство хозяина дома, изготавливают их обычно из драгоценных металлов.

Маньеризм сегодня в обычной жизни практически не используется, отдельные его элементы могут применяться только в сочетании с другими правильно подобранными стилями.

Еще статьи по теме:

Маньеризм в интерьере, особенности стиля, фото-примеры – Rehouz

Многие эксперты не считают маньеризм полноценным художественным стилем. А лишь причудливым явлением – ответом на события тех лет, на потрясения, постигшие Европу, на крушение гуманитарных принципов. Как бы то ни было, маньеризм оставил яркий, загадочный след в монументальном и изобразительном искусстве, предвосхитил барокко и рококо.

Стиль маньеризм в интерьере

Предпосылки и история

В 1527 году могучий папский престол сильно пошатнулся. Гвардейцы Ватикана были перебиты, Рим разграблен, Папа лишен былого влияния. Выдающиеся художники, поэты, архитекторы, цвет и гордость папского двора, покинули Вечный Город. Идеалы Ренессанса оказались попранными, культуру охватил озноб упадка. Так, появился маньеризм – декаданс XVI века, нервное дитя политического кризиса и религиозной нестабильности.
Искусство спряталось от бытия в затейливую раковину – всю из иллюзий и аллегорий. Художники, отринув Ренессанс, его гимн Человеку, культивировали мысль о шаткости судьбы, о том, что каждый – игрушка рока. Теперь они, прежде всего, стремились выразить в своих работах некий умозрительный, метафизический посыл, игнорируя материальную действительность.

Впрочем, утратив рычаги политики и экономики, Италия осталась средоточием искусства. Здесь высились палаццо и соборы, украшенные скульптурами и фресками Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэля. Здесь жили обедневшие, но просвещенные и гордые аристократы. Разрыв между их запросами и возможностями, между культурой и экономикой весьма способствовал расцвету маньеризма с его ложной, напыщенной роскошью. К концу XVI века новое течение, выплеснувшись за рамки литературы и живописи, стало господствующим в дворцах Италии, их экстерьере и интерьере.

Суть маньеризма

Чтобы представить сущность маньеризма, вспомните последние произведения Рафаэля, алтарную живопись Эль Греко, барельефы, статуэтки Бенвенуто Челлини – их экспрессию, красочность, высокопарность. Отрицание античных канонов и классических пропорций, пренебрежение реальностью в угоду скрупулезной и чувствительной эстетике, – вот что видится в работах маньеристов.

Новое течение решало несколько задач. Во-первых, превратить сюжет в метафору, выразить абстрактную, мистическую, порой заумную идею, понятную только художнику.

А во-вторых, что называется, пустить пыль в глаза: создать ощущение несметного богатства и надменного величия. Отсюда – выразительные средства стиля, его субъективизм и экзальтация, трюки и уловки. В погоне за мнимой роскошью маньеризм необычайно усложнился: пожалуй, ни одному другому методу не присуще такое количество и разнообразие художественных приемов и декоративных подробностей.

В архитектуре и дизайне основа маньеризма – отсутствие стандартов при организации пространства, планировке, декоративном оформлении. В этом смысле маньеризм превзошел не только рококо, но и эклектику.

Маньеризм в интерьере: особенности

Их немало, благодаря чему «манерный стиль» не путают с похожим на него барокко. Маньеризму, в частности, присущи:

  1. Подчеркнутая пышность. Стены украшают не только орнаменты, лепнина, инкрустация, но и обилие скульптурных композиций. Для последних характерна нарочитая удлиненность – «лебединые» шеи персонажей, вытянутые конечности.
  2. Иллюзорные предметы и детали: нарисованный мрамор, фальшивые окна, арки и ниши, ложные межкомнатные двери, поддельные портьеры, имитация статуй.
  3. Применение особых эффектов – игры света, перехода одного оттенка в другой (эффект омбре), перетекание орнамента в орнамент.
  4. Метафоры и аллегории, заметные в декоре. Лепнина, горельефы состоят не просто из узоров, а всевозможных эмблем и символов.
  5. Яркая, пестрая цветовая палитра, багровые, лазурные, золотые тона.
  6. Внутренние стены дома часто как бы распадаются на отдельные цветовые пятна, контрастирующие друг с другом.
  7. Роспись: масштабными, многоцветными фресками покрыты подчас все стены и потолки.
  8. Избыток вычурных деталей, украшений и предметов отточенной, ажурной работы.
  9. Эклектичность. В одном помещении могут сочетаться мебель и аксессуары, принадлежащие различным эпохам. Связующее звено между ними, пожалуй, одно: изощренность формы и отделки.

Подробности воплощения

Интерьер, созданный в духе маньеризма, непременно живописен. Не только в смысле визуальной красочности, но и потому, что для его оформления широко использовали живопись – мотивы и копии работ модных в ту пору художников.

Огромные фрески покрывают потолки и стены, заставляя человека чувствовать себя внутри грандиозной картины, одним из её героев.

Живопись маньеристов легко распознает даже дилетант: персонажей множество, обнаженные тела изящно деформированы, позы напряжены и неестественны, жесты слишком жеманны, лица бледны, а палитра состоит из многих, достаточно ярких фрагментов. Барочная живопись тоже прихотлива, но, в отличие от маньеризма, в ней больше прямолинейности, анатомической правды и меньше подтекста.

Кроме картин на стенах можно заметить псевдоскульптуры, псевдобарельефы, псевдониши с псевдовазами. Ложные двери в ложных портьерах и «слепые» венецианские окна выглядят особенно реалистично в обрамлении витиеватой мебели, украшенной бронзой, накладками из серебра и позолотой.

В орнаментах, покрывающих фасады и спинки мебели, сквозят иносказательные, гротескные, саркастические образы. Это аллегории грехов, химеры, медузы, фантастические твари с рогами и крыльями

.

Убранство в стиле маньеризм выглядит немного хаотично; в подобной обстановке человек ощущает беспокойство и даже тревогу, но в то же время – желание рассматривать формы и линии, пытаться постичь тайну, зашифрованную в деталях.
Стремление преувеличить, поразить, быть может, даже напугать – вот что мниться в интерьерах, созданных в конце XVI века, когда в Европе властвовал маньеризм. То, что нынче кажется манерностью, бесполезной витиеватостью, апологеты стиля считали утонченностью, истинным, возвышенным искусством.
Маньеризм был призван убедить любого в сказочном богатстве домовладельца, в его исключительном статусе: каждая деталь излучала шик, великолепие, намек на «особенность». Однако маньеристы так яростно отрицали «старые» эталоны, что сегодня их труды выглядят искусственно, а интерьеры кажутся нагромождением диковинных предметов и деталей.

***

Маньеризм в интерьере доминировал недолго. И это понятно: чрезмерность, внутренний накал изрядно утомляют, даже если выглядят красиво, филигранно. Уже к началу XVII века маньеризм потеснило барокко – стиль, который стал и продолжением маньеризма, и выходом из него. Быть может, даже бегством – из этой немного абсурдной «комнаты иллюзий».

0 0 голоса

Рейтинг статьи

Стиль маньеризм в интерьере квартиры и дома, особенности дизайна и фото

Вёльфлин в 1922 г. писал : «Не случайно маньеризм получил мощное развитие в Италии, где «культ пластики обнаженного тела был особенно развит... В движении фигур у Леонардо и Микеланжело... каждое мгновенье грозит перейти в искусственность и манерность». В IV в. Дворжак приводит о маньеризме латинское изречение: «Si parva licet componere Magnis" ("Когда ничтожным бывает позволено создавать великое"

МАНЬЕРИ́ЗМ (итал. Manierismo — "вычурность, манерничанье"; см. манера) — течение в западноевропейском, главным образом итальянском, искусстве 1520—1590-х гг. Возникло и развивалось вследствие кризиса идеалов "Высокого Возрождения" в Италии (см. Возрождение; Итальянское Возрождение). В качестве типичных признаков маньеристической живописи Фридлендер выделил пристрастие к: удлиненным формам, аффективным жестам; ярким, контрастным тонам. Красота отдельно взятой детали в этом стиле становилась важнее красоты целого.

Маньеризм по правилам. Законы стиля от дизайнеров:

Закон 1.

Характерные черты стиля: перегруженность деталями, отсутствие стилистического единства, непродуманность планировки. Манерничанье, замыслом которого является не создание чего-то нового, а вторичность и подражательность.

Закон 2.

Все элементы лишены принципов организованности. Главное, чтобы создавалось ощущение шика и величия.

Закон 3.

Идея маньеризма - максимально использовать иллюзорные трюки и качественные подделки. Одна из ярких «обманок» – достоверные на вид ложные окна, двери и портьеры.

Закон 4.

Роспись картин (фресок), отделки стен псевдолепниной, псевдобарельефом и даже псевдостатуями.

Закон 5.

В декоре интерьера преобладают орнаменты, насыщенные гротеском, причудливые, фантастические образы.

Архитектор Вазари сочетал в творчестве (см. пример ниже) элементы ренессансного зодчества и архитектуры маньеризма. Как живописец Вазари сформировался под влиянием Микеланджело (фрески в Палаццо Веккьо во Флоренции, с 1555, и Зале Реджа в Ватикане, 1571-1573). Будучи весьма изобретателен по части декоративных построек, при переделке многих зданий он не умел понять характера старинных архитектурных форм, и делал добавления, которые шли с ними в разрез.

СТИЛЬ МАНЬЕРИЗМ У ВАС В ДОМЕ

1. Активно применяйте в оформлении интерьера живопись. Работы таких живописцев, как Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафума, копии их картин, а также работы последователей школы маньеризма станут отличительной чертой вашего дизайна в стиле маньеризм.

2. Подбирая мебель, останавливайте внимание на предметах, инкрустированных золотом, серебром или бронзой, или более дешевыми материалами-копиями, они должны выглядеть дорого и вычурно. Особенную ценность имеют антикварные вещи XVI –XVII веков.

3. Создавая дизайн-проект в стиле маньеризм, обратите внимание на возможность сделать в интерьере характерные стилю «обманки», например, несуществующие окна или двери.

Маньеризм в интерьере

   

Середина XVI столетия – время кризиса европейского искусства. Идеалы эпохи итальянского Ренессанса отходят на второй план, форма главенствует над содержанием. Промежуточные тенденции между Ренессансом и эпохой барокко получили название “маньеризм”.
Каноны стиля

Маньеризм – стиль противоречий, где бессилие перед новым компенсируется переигрыванием старого.

Маньеристы демонстрируют отточенную технику и высокое мастерство, при этом грешат примитивностью замысла, вторичными идеями, подражанием образцам. Для создания интерьеров используются художественные приемы метафоры, гиперболы, гротеска.

Дизайну интерьеров свойственны удлиненные фигуры, причудливые формы, размеры, светоэффекты, яркая цветовая гамма. Маньеризм позволяет себе искажать пропорции, сочетать элементы разных стилей, преувеличивать акценты.

Оформители применяют иллюзорные приемы, фальшивые двери, оконные и арочные проемы-обманки. Стены декорируются росписью, фресками, орнаментикой.

 

Орнаментика дизайна насыщена гротескными, фантастическими, иносказательными образами. Маньеризм приветствовал качественные подделки под антиквариат. Мебель непременно вычурная и роскошная. Для оформления современного интерьера квартиры можно поискать антикварные копии или заказать модели у производителей элитной мебели.

Элементы декора

Дизайн интерьера перегружен декоративными деталями. В одной комнате могут сосуществовать модернистский подсвечник, барочное зеркало, статуэтка постмодернистского периода. Достойное место займут антикварные предметы. Стены украшают художественные росписи, копии картин середины-конца XVI века.

Характер стиля

Интерьеры маньеризма эклектичны по своей сути. Стиль маньеризм сочетается с другими направлениями дизайна – модерном, постмодерном, барокко. Маньеризм критиковали за отсутствие стилевого единства, непродуманные планировочные решения, искаженные формы, псевдоэлементы. Художники эпохи маньеризма жертвовали красотой целого ради одной детали. Маньеристы создавали ощущение роскоши и величия через художественный диссонанс.

Воплощение идеи

Современные интерьеры не воспроизводят маньеризм в чистом виде. Дизайнеры заимствуют лишь отдельные приемы. Команда СК ремонт в Санкт-Петербурге реализует дизайн проекты по элитному ремонту квартир. Мы предоставляем полный сервис – ремонт квартир, ресторанов, магазинов в классическом дизайне.

♦  Рубрика: Стили интерьера.
 
         

    Смотри также:

  • Дизайн интерьеров в стиле директория
  •     Директория считается вторым этапом неоклассицизма, предшествующим становлению ампира. В дизайне интерьеров проявляются древнеримские, греческие, […]

  • Дизайн интерьеров в стиле бидермейер
  •     Стиль бидермейер оформился в XIX столетии. Законодателями нового направления дизайна стали Австрия и Германия. […]

  • Дизайн интерьеров в стиле баухаус
  •     С немецкого “bauhaus” переводится как “строительство дома”, “строить дом”. Школа баухаус создана в городе […]

  • Дизайн интерьеров в стиле альпийского шале
  •     Альпийский стиль оформился в Савойе, на юго-востоке Франции. Стилистика шале отражает историю Альп, самобытную […]

  • Дизайн интерьеров в итальянском стиле
  •     Итальянский или тосканский стиль – одно из направлений средиземноморского дизайна. Три кита итальянского дома […]

  • Винтаж – ностальгия по ушедшей эпохе
  •       Вряд ли винтаж в интерьере можно назвать новым веянием в полном смысле этого […]

  • Типичный американский дом
  •     Хотя кое-кто полагает, что типичные американские дома возводятся «из картона», поспешим опровергнуть – эти […]

  • Морской стиль в интерьере
  •     Аква дизайн интерьеров квартир навевает светлые воспоминания с морского побережья. Морская тема создает атмосферу […]

  • Дизайн интерьера в стиле black light
  •     Black Light – модное концептуальное направление в современном дизайне. В этом стиле оформляются ночные […]

  • Дизайн интерьера в стиле необарокко
  •     Современное прочтение барокко подразумевает неклассические материалы, яркие декоративные элементы, сочетание глянцевых и матовых поверхностей. […]

  • Дизайн интерьера в тибетском стиле
  •     Тибет – загадочная горная страна, где хранятся древние знания, достигаются вершины духовного развития, существует […]

  • Дизайн интерьера в филиппинском стиле
  •     Филиппинские острова славились развитием мануфактур. Изначально местные мастера изготавливали циновки, изделия из абаки, плетеные […]

  • Стиль техно в интерьере
  •     Стиль техно начал формироваться в 80-е под влиянием конструктивной школы дизайна и развития IT-технологий. […]

  • Стиль манга в интерьере
  •     Стилистика манга начала оформляться в 50-е годы прошлого столетия. Японские дизайнеры обнаружили неиссякаемый источник […]

  • Стиль китч в интерьере
  •     Китч завоевывает популярность в кризисные периоды, когда в обществе начинается перелом и последующая переоценка […]

  • Стиль бунгало в интерьере
  •     Изначально постройки бунгало возводились в Бенгалии. Первые бунгало были построены в восемнадцатом столетии. Колонисты […]

  • Стиль брутализм в интерьере
  •     Брутальный стиль начал формироваться в послевоенной Великобритании. Становление стиля охватывает период с 50-ых до […]

  • Принципы стиля кантри
  •     Поначалу стиль кантри (или, как его еще называют, прованс) многим казался чем-то экзотическим, связанным […]

  • Французский стиль прованс в интерьере
  •     Французский стиль оформился в XIX веке. В нем нашли отражение прекрасная природа и самобытная […]

  • Средиземноморский стиль в интерьере
  •     Средиземноморский стиль оформился под влиянием европейских, азиатских и африканских культур. Стиль средиземноморья впитал испанские, […]

Стиль маньеризм в интерьере квартиры фото и описание

По мнению большинства экспертов, маньеризм не является полноценным художественным стилем, а только своеобразным явлением. Но чтобы не говорили, маньеризм оставил свой яркий и довольно таинственный след в искусстве.

Экспрессия, красочность и витиеватость последних произведений Рафаэля, алтарная живопись Эль Греко, барельефы и статуэтки Бенвенуто Челлини в полной мере раскрывают суть маньеризма.

В работах знаменитых авторов просматривается опровержение всех античных канонов и классических пропорций, небрежное отношение к действительности и безмерный интерес к педантичной и чувствительной эстетике.

Стиль маньеризм в архитектуре

1. Превращение сюжета в метафору, выражение абстрактной, мистической и понятной только творцу идеи.

2. Создать иллюзию роскоши. Создание мнимого богатства и надменного величия. Маньеризму свойственно огромное количество художественных приемов и декоративных деталей.

Маньеризм в интерьере: особенности

«Манерному стилю» свойственны:

  • Выпяченная помпезность. Для украшения стен используют орнаменты, инкрустации, лепнину, а также скульптурные композиции.
  • Несуществующие предметы и детали: ложные ниши, арки, окна, имитация статуй и прочее.
  • Использование особых световых и цветовых эффектов.
  • Метаморфозы и аллегории. Лепнина и горельефы состоят из разнообразных символов и эмблем.
  • Яркая и пестрая цветовая палитра.

  • Фрески. Масштабная и насыщенная переливами красок роспись довольно часто украшает не только потолки, но и стены.
  • Огромное количество замысловатых декораций, элементов и предметов.
  • Размах эклектичности. В одной комнате сочетаются мебель и аксессуары, характерные разным эпохам. Единственное, что их связывает – это утонченность форм и отделки.

Как стиль воплощается в жизнь

Интерьер в духе маньеризма красочен и живописен. Это связано с использованием большого количества картин – мотивы и копии работ именитых в ту пору художников. Огромнейшие фрески, которые покрывают практически все периметр комнаты, создают ощущение участия в этой огромной картине.

Характерные черты живописи маньеристов:

  • множество персонажей;
  • изящная деформации обнаженных тел;
  • неестественные и напряженные позы;
  • жеманность жестов;
  • бедность лиц;
  • множество ярких деталей в палитре.

Помимо картин стены украшают скульптуры, барельефы, ниши, вазы и все это с приставкой «псевдо». Весь этот иллюзорный обман приобретает жизненность в сочетании с витиеватой мебелью, с бронзовыми, серебряными и позолоченными деталями.

Интерьер в стиле маньеризм слегка хаотичен. В такой обстановке человек не чувствует спокойствия и комфорта, но в то же время испытывает желание разгадать тайну, которая спрятана в деталях.

Основное призвание маньеризма – убедить гостей в несметных богатствах хозяина и подчеркнуть его статус.

В интерьере маньеризм господствовал не долго, поскольку чрезмерность и накал весьма надоедают.

Продолжением стал стиль барокко. Отчасти барокко стало своеобразным бегством из «комнаты иллюзий».

Маньеризм. Стили интерьера

 

Маньеризм – стиль интерьера, который возник в Италии в середине XVI века, и не терял своей популярности на протяжении 25 лет. Маньеризм заслужил свое название, благодаря современникам, которые воспринимали этот стиль, как лучшие достижения недавнего прошлого, а именно – эпохи Возрождения. Однако вся вычурность Маньеризма обманчива, т.к. для оформления интерьеров используются не подлинники, а качественные подделки. И касается это всего: начиная от мелких безделушек и заканчивая скульптурными изваяниями.

 

Характерные черты стиля: перегруженность деталями, отсутствие стилистического единства, непродуманность планировки, выразительность форм, использование в декоре псевдобарельефов, псевдолепнины и псевдостатуй, ложных дверей и окон. Это манерничанье, замыслом которого не является создание чего-то нового. Вторичность и подражательность – вот основные принципы стиля.

Стены и потолки украшаются росписью, орнаментами и фресками (поддельными, естественно). Но идентифицировать подделку не так просто, зачастую это можно сделать, лишь прикоснувшись к «искусству» рукой. При всем при этом, все элементы лишены каких бы то ни было принципов организованности. Главное, чтобы создавалось ощущение шика и величия, а получаемый дисбаланс здесь как раз к месту.

 

Орнаменты сплошь содержат причудливые аллегорические образы, нереальные позы людей, непонятную фантастическую символику и эмблематику. Богатством веет отовсюду, в отделке используются золотые, серебряные и бронзовые инкрустации, а также их копии.

Главная позиция маньеристов – максимально использовать иллюзорные трюки и качественные подделки. Одна из ярких «обманок» того времени – ложные окна, двери и портьеры. На деле все выглядело натурально и очень достоверно.

Кроме архитектурной составляющей и декоративных элементов, стиль Маньеризм подразумевает искусственность всего остального, в том числе мебели. Она должна выглядеть роскошно и вычурно – при оформлении современных интерьеров антикварные копии того времени подойдут идеально. Аксессуары также обязаны излучать шик и блеск римских дворцов XVI –XVII вв.

 

Важный аспект стиля Маньеризм – выразительность линий, которая проявлялась за счет использования орнаментов. Стены из единой композиции превращаются в цветовые пятна и мазки. Цвет становится более ярким и «живым», нежели в стиле Ренессанс. Оттенки контрастные и порой просто несочетаемые. Маньеризм – это искажение эталонных пропорций, отрицание старых форм, смешение стилей в труднораспознаваемую композицию.
В современном исполнении интерьеры в стиле Маньеризм смотрятся искусственно, поэтому в чистом виде его используют редко.

 

Стиль маньеризм в интерьере - фото смотрите на Mebel.ru

Маньеризм изобрел такие вещи как поддельная лепнина, барельефы и даже статуи! Попав в дом, оформленный в этом стиле, ни в чем нельзя быть уверенным, нельзя верить своим глазам, все что угодно может оказаться иллюзией, хотя и очень качественной.

Красивые, но не сочетающиеся между собой вещи, отсутствие единства в формах и цветах — это тоже стиль. Это маньеризм.

Появление стиля

Впервые как художественный стиль маньеризм появился в Италии в XVI веке, а уже оттуда распространился по всей Европе. Кризис, существовавший в обществе того времени, нашел отражение в этом стиле. Для него характерна дисгармония и дисбаланс, попытка вернуться к старому, не создавая ничего нового, а также причудливость и вычурность, получившие позднее развитие в стиле барокко. В маньеризме форма стала главенствовать над содержанием, красота целого принесена в жертву красоте одной детали. Гиперболизированные, фантасмагорические образы, бросающаяся в глаза дисгармония — яркие приметы этого стиля.

Маньеризм в интерьере:

  1. Яркие, часто не сочетающиеся между собой цвета;
  2. Фальшивые элементы архитектуры;
  3. Асимметричность и непродуманность планировки;
  4. Отсутствие единства в формах;
  5. Перегруженность декором.

Стиль маньеризм в интерьере дает абсолютную свободу в цветовых решениях, в этом стиле могут сочетаться абсолютно не сочетаемые цвета: голубой и красный, зеленый и фиолетовый, розовый и желтый. Насыщенные, порой кричащие, они создают ощущение пышности и пестроты. Приветствует маньеризм и обилие отделки под золото и серебро — но только его имитацию, ведь еще одна отличительная черта этого стиля — обилие фальшивых деталей, в том числе, даже фальшивых элементов архитектуры.

Иллюзорный мир

Огромное распространение в маньеризме получили ложные, поддельные элементы: слепые окна, имитации межкомнатных дверей, ниш, арок. Маньеризм изобрел такие вещи как поддельная лепнина, барельефы и даже статуи! Попав в дом, оформленный в этом стиле, ни в чем нельзя быть уверенным, нельзя верить своим глазам, все что угодно может оказаться иллюзией, хотя и очень качественной.

Маньеризм стремиться продемонстрировать богатство и пышность, но, поскольку во времена его возникновения Европа переживала не лучшие времена, позволить себе истинную роскошь могли лишь немногие, остальным же приходилось создавать ее видимость.

Смешение стилей

В маньеризме не найти единых канонов в формах мебели и принципах планировки. Все оформляется вразнобой, хаотически, при этом этот хаос выставляется напоказ.

Стены богато украшаются псевдолепниной, орнаментам, росписью, в которой совмещаются самые различные элементы: от изображений людей до растительных узоров, никак не сочетающихся между собой. Аллегорические и гиперболизированные образы, множество символики, эмблемы и знаки — все это тоже становится элементами декора.

Многие дизайнеры отмечают, что интерьер, оформленный в стиле маньеризм должен вызывать беспокойство, чувство неправильности. Естественно, что жить в доме, полностью оформленном в этом стиле будет очень тяжело, поэтому лучше заимствовать из него лишь некоторые черты, либо ограничиться оформлением одной из комнат.

Гостиная в стиле маньеризм

Сочетать несочетаемое в гостиной достаточно просто. Здесь хорошо будет смотреться и богатство декора на стенах, и множество безделушек. Тем более, что атмосфера роскоши как раз лучше всего подходит для того, чтобы произвести впечатление на гостей.

Для гостиной в стиле маньеризм стоит выбрать вычурную мягкую мебель, обитую дорогими тканями, например, бархатом, с изогнутыми подлокотниками и ножками, украшенными завитушками и растительными узорами. Орнамент может быть и на самой обивке, также хорошо будет смотреться кожа с тиснением. Хороший выбор — антикварная мебель, причем, с отчетливо заметными следами времени, например, потертый диван.

Журнальные столики на тонких ножках, ширмы с изображениями зверей, птиц и людей, огромный пушистый ковер отлично дополнят интерьер.

Спальня в стиле маньеризм

Огромная роскошная кровать как нельзя лучше подойдет к этому стилю. Поставьте рядом тумбы на высоких изогнутых ножках, украсьте стены картинами известных художников, разместите над кроватью балдахин, а еще лучше — его имитацию.

Многочисленные пуфы, кресла, декоративные подушки станут прекрасным дополнением, и, что приятно, не обязательно, скорее даже противопоказано подбирать их в едином стиле. Пусть они не сочетаются между собой, создавая ощущение разнобоя. Главное условие — чтобы вам нравилась каждая вещь в отдельности, ведь это главный принцип стиля.

Маньеризм - концепции и стили

Начало маньеризма

Развитие маньеризма началось во Флоренции и Риме около 1520 года, отражая «идеальный шторм» обстоятельств, влияющих на мир искусства в то время. Печать позволила распространить популярные образы таких художников, как Микеланджело и Альбрехт Дюрер, чтобы проникнуть в коллективное сознание в Италии (и северных странах), позиционируя художников как божественных творцов, а не просто служащих богатых покровителей и церквей.В 1517 году Мартин Лютер выпустил Виттенбергских тезисов (1517), осуждающих церковные обычаи и призывающих к реформе, положив начало протестантской Реформации. Из-за этого безмятежные и классические идеализации красоты, характерные для Высокого Возрождения, больше не казались приемлемыми.

В то же время молодые художники почувствовали, что стиль Рафаэля и Леонардо настолько совершенен, что дальнейшее развитие или выражение индивидуальности невозможно.

Кроме того, научное открытие, в том числе открытие Нового Света, и установление Коперником, что Солнце, а не Земля, как обычно считалось, было центром Солнечной системы, бросили вызов гуманистическому убеждению, что человек был центром Солнечной системы. Вселенная.

Это вызвало чувство отчуждения и разобщенности, которое передавалось в маньеристских методах лечения, поскольку даже фигуры, реагирующие с сильными эмоциями, казались изолированными друг от друга. Вместо того, чтобы создавать гармоничные композиции, изображающие реалистичное пространство, художники начали исследовать возможность размещения изображения в интеллектуальном пространстве. В результате обработка пространства и фигуры стала менее рациональной, несколько фигур сжимались в одну плоскую плоскость, создавались причудливые или сложные архитектурные декорации, рама и изображение сливались в один декоративный эффект.

Лаокоон и его сыновья (40-30 до н.э.)

Важным предшественником маньеризма было влияние классической римской статуи Лаокоона и его сыновей (40-30 до н.э.), найденной в Риме в 1506 году во время обширных реконструкций . Статуя драматично изображала момент, когда боги послали гигантских змей, чтобы убить пророка и двух его сыновей за то, что они пытались предостеречь своих собратьев-троянцев от попадания в город греческого деревянного коня. Статуя предложила новый взгляд на классическое искусство, олицетворяя эллинистический стиль с его акцентом на драматическое движение и сильные эмоции, а не на идеализированную гармонию, ранее ассоциировавшуюся с греками и римлянами.Считается, что образная serpentinata , или «змеиная фигура», ставшая заметным элементом маньеризма, была взята из борющихся форм этого шедевра.

Лаокоон и его сыновья привлекли внимание ведущих художников и меценатов эпохи Возрождения. Папа Юлий II, самый влиятельный покровитель той эпохи и известный коллекционер классических произведений, послал Микеланджело наблюдать за восстановлением статуи. Его влияние на художника можно увидеть как в его скульптурах, таких как Dying Slave (1513-1516), так и в его росписи различных фигур на потолке Сикстинской капеллы (1508-1512), когда он обратился к маньеристской трактовке.Лаокоон также оказал влияние на других художников Высокого Возрождения, поскольку Рафаэль использовал лицо Лаокоона на своей фреске Парнас (1509-1511), а Тициан повторил борющиеся фигуры в своем полиптихе Аверольди (1520-1522).

Россо Фьорентино и Якопо да Понтормо

Два флорентийских художника, Джованни Баттиста ди Якопо, известный как Россо Фьорентино или Иль Россо, и Якопо да Понтормо были пионерами маньеризма. Оба прошли обучение в мастерской Андреа дель Сарто, который использовал принципы Высокого Возрождения, принимая все более яркую цветовую палитру и широкий спектр фигуративных поз.Его адаптации повлияли на развитие как Понтормо, так и Россо художественного стиля, который отвергал классическую трактовку пространства и человеческой фигуры.

Кроме того, и Микеланджело, и Альбрехт Дюрер оказали влияние на Понтормо. Понтормо обнаружил, что Дюрер делает упор на сильных эмоциях, в то же время используя переполненное поле фигур, сочувствующих его собственным художественным целям.

Понтормо также совершил поездку в Рим, чтобы изучить работы Микеланджело, которые подтвердили акцент его собственного стиля на динамическом движении.К 1515 году он начал развивать свой стиль маньеризма, как видно из его Иосифа в Египте (1515-1518) с созданием замысловатого, но ненатуралистического пространства, где толпы, одетые в кружащиеся красочные одежды, бегают вокруг, их фигуры преувеличенные позы и пропорции. Понтормо, также известный учитель, на всю жизнь стал наставником Бронзино, ведущего маньериста следующего поколения.

Первая известная работа Россо, Deposition (1521), также продемонстрировала радикальный отход от пропорций и гармонии эпохи Возрождения в пользу маньеристского подхода как к живописному пространству, так и к человеческой фигуре.На него также повлиял потолок Сикстинской капеллы Микеланджело (1508-1512) после переезда в Рим, где фрески и фигуры, нарисованные на окружающих фронтонах, объединились, чтобы создать уникальный эффект. Россо возглавил Первую школу Фонтенбло, которая повлияла на развитие северного маньеризма.

Высокий маньеризм

Высокий маньеризм часто описывали как придворный стиль, его работы создавались в первую очередь для могущественных правителей той эпохи и отражали их аристократический образ жизни и взгляды.Работы Джамболоньи олицетворяли высокий маньеризм в скульптуре, а работы Аньоло ди Козимо ди Мариано, известного просто как Бронзино, олицетворяли этот стиль в живописи. Утонченное исполнение Бронзино, интеллектуальная утонченность и его образная трактовка, подчеркивающая удлиненные конечности и чувство холодной отстраненности, олицетворяли двор Медичи. В 1539 году Козимо I Медичи поручил Бронзино разработать роскошные украшения для свадьбы герцога и Элеоноры ди Толедо. Впоследствии он стал официальным придворным художником Козимо I. Эту должность он занимал всю оставшуюся жизнь.Он стал ведущим портретистом аристократии, как видно из его Портрет Лукреции Панциати (ок. 1545), но был наиболее известен, пожалуй, за его ледяную, сложную трактовку аллегорических эротических предметов, как в Венера, Амур, Безумие и Время (ок. 1545).

Хотя Джамболонья родился во Фландрии, он учился в Риме, где он также считал Микеланджело большим влиянием. В 1563 году он был назначен в Академию делле Арти дель Дисеньо, которую Козимо I только что основал во Флоренции, и стал официальным художником двора Медичи.Ему даже запретили покидать Флоренцию, так как Медичи опасались, что его может переманить другой придворный покровитель. Работая с мрамором, Джамболонья создал известные произведения, такие как Самсон, побеждающий филистимлян (1562 год), которые были предназначены для передачи политического послания, подчеркивающего силу Медичи. Он также стал известен своими бронзовыми изделиями, большинство из которых воспроизводили его более крупные работы, которые пользовались спросом во всей Европе.

Маньеризм: концепции, стили и тенденции

Хотя маньеризм был отмечен отчетливо придворным стилем, он также был широко адаптирован художниками из разных географических регионов к традиционным предметам и мотивам определенной области.Определяемый общим термином северный маньеризм, он включал известные центры школы Фонтенбло во Франции, елизаветинской и якобинской придворной живописи в Англии, двор императора Священной Римской империи Рудольфа II в Праге и нидерландские города Антверпен и Утрехт.

Франция: Школа Фонтенбло (1530–1630)

В 1530 году король Франции Франциск I, страстный меценат, страстно любивший итальянское Возрождение, пригласил Россо Фьорентино ко французскому двору.Воспользовавшись возможностью, потеряв все в разграблении Рима в 1527 году, Россо переехал в Фонтенбло, где прожил до конца своей жизни. Он стал лидером Первой школы Фонтенбло в 1530 году и разработал особый придворный стиль. Французский маньеризм был известен своими интерьерами, в которых картины, мебель, декоративные и архитектурные элементы создавали очень стилизованное единство. Россо первым начал использовать большие лепные рельефы в качестве рамок для картин-врезок. Они часто несли изображения обнаженных нимф или комков фруктов и оказали влияние на использование орнаментов по всей Европе.В то же время его картины широко копировались и оказали влияние на других французских художников.

В живописи покровительство Франциска I привело к акценту на мифологические и аллегорические сюжеты с эротической тематикой. Россо руководил разработкой вместе с итальянскими маньеристами Франческо Приматиччо и Никколо дель Аббате, которых пригласили ко двору в 1540-х годах. Делль'Аббат был особенно известен своими мифологическими картинами, такими как Rape of Proserpine (1552-1570), в которых сочетаются жанры обнаженной натуры и пейзажа, которые были популяризированы Венецианской школой.Приматиччо создал гобелены на похожие темы, а также обширные театральные и церемониальные постановки для двора, хотя большая часть этой работы была утеряна. Некоторые мотивы, такие как изображения римской богини Дианы, олицетворяли любовь французского короля к идеальной женской красоте и стали настолько стандартизированными, что были широко созданы многочисленными анонимными художниками Школы.

Франциск I также заказал ряд известных работ, самая известная из которых - «Соляной погреб » Бенвенуто Челлини (1543).Первоначально работа была заказана кардиналом Ипполито д'Эсте, который отклонил проект, но представил модель Франциску I. Король был так впечатлен, что приказал сделать работу из золота. Это новаторское художественное оформление обычного предмета домашнего обихода изображало богиню, представляющую землю, и бога, представляющего море, с переплетенными ногами. Он олицетворял богатство, власть и гедонистический образ жизни двора.

Поскольку Школа также была известна своей гравюрой, большинство ее произведений искусства и дизайна были распространены в печатных изданиях, которые достигли широкой аудитории по всей Европе.В результате французские художники, такие как Жан Кузен Старший, и скульпторы, такие как Жермен Пилон, переняли стиль маньеризма и Вторую школу Фонтенбло, которая последовала после смерти Россо и Приматиччо и возглавлялась французским Туссеном Дюбрей и фламандским Амбруазом. Дюбуа.

Елизаветинская и якобинская придворная живопись (1558–1625)

Французский маньеризм также повлиял на британскую придворную живопись во время правления королевы Елизаветы I и ее преемника Джеймса I, в первую очередь за счет акцента на элегантной и стилизованной портретной живописи.Некоторые портретисты специализировались на миниатюрных портретах, жанре интимных сувениров, как, например, Николас Хиллиард в его Портрет молодого человека, вероятно Роберта Деверо (1566-1601), второго графа Эссекса (1588), изображающий особого фаворита Королева. Другие художники, такие как Роберт Пик Старший и Маркус Гиартс Младший, были известны своими портретами в натуральную величину, как это видно на фламандском Гирарте Младшем Королева Елизавета I, Портрет Дитчли (ок. 1592).

Прага и Рудольф II (1576-1612)

Покровительство императора Священной Римской империи Рудольфа II искусствовед Мартин Булл назвал «взрывом мифологических образов.... этого не видели со времен Фонтенбло. "Рудольф особенно интересовался обнаженными мифологическими сценами и изображениями Геракла, с которым он отождествлял себя. Придворный стиль, который развивался в Праге, пропагандировал императора и, изображая мифологические сюжеты, избегал полемика вокруг религиозных образов. Ряд известных художников работал по заказам суда, в том числе Джамболонья во Флоренции и Паоло Веронезе в Венеции. Рудольф покровительствовал другим ведущим художникам того времени, включая Ганса фон Аахена, Джузеппе Арчимбольдо, Руланда Савери, Адриана де Вриза , и Эгидиус Саделер.Коллекция и влияние Рудольфа стали настолько заметными, что термин «маньеризм Рудольфина» был разработан для описания стиля, который он предпочитал.

В Праге придворный художник Бартоломеус Шпрангер руководил маньеризмом. Его обучение отражало поистине интернациональный вкус придворного маньеризма, поскольку он родился и впервые обучался в Антверпене, но впоследствии испытал большое влияние как североевропейского, так и итальянского Возрождения, и особенно римских маньеристов. Его большие картины часто были мифологическими сценами, сочетая непристойное отношение к обнаженной натуре с художественными средствами, подчеркивающими роскошные декоративные эффекты.Отпечатки его работ были распространены по всей Европе и оказали заметное влияние на развитие маньеризма в Нидерландах.

Маньеризм в Нидерландах (1580–1620 гг.)

Маньеризм в Нидерландах был основан на североевропейских традициях печати, ведущей силой которой стал Хендрик Гольц. Он разработал новые техники травления, в том числе метод «точка и ромб». Этот метод был новаторским в своем процессе, в котором художник помещал точки в сетку пространств в ромбах (или контейнере, предназначенном для хранения знакомой формы, например, мышцы тела или в середине анимации), предназначенных для содержания изображения, и намеренно оставляют точки вне других областей в сетке, делая видимыми более тонкие градации тонов.Другой техникой Гольца была «линия набухания», когда художник создавал линии различной ширины с помощью гравировального инструмента резцом , чтобы манипулировать окончательным восприятием зрителем глубины. Он создал сотни гравюр, одни из самых известных, иллюстрирующих мифологические и аллегорические сюжеты, такие как его Icarus (1588), а также ряд гравюр по рисункам или картинам Бартоломеуса Шпрангера. Шпрангер также оказал влияние на Гольциуса ван Мандера, Корнелиса ван Харлема и группу художников, известных как харлемские маньеристы.

Другие художники в Нидерландах в первую очередь испытали влияние итальянских маньеристов, как это видно в работах Иоахима Втеваля после его пребывания в Италии в 1580-х годах. Он сочетал мифологические сюжеты с традиционным североевропейским акцентом на пейзажи и символические детали. Его подход стал ведущей тенденцией среди художников, сосредоточенных в Утрехте, особенно это видно в работах Абрахама Блумарта.

Вдобавок художники Нидерландов также адаптировали стиль маньеризма к традиционным северноевропейским сюжетам, когда Маттийс, Пол Бриль, Ганс Роттенхаммер и Адам Эльсхаймер стали известны своими пейзажными панорамами.Другие художники, такие как Альбрехт Альтдорфер и Гиллис ван Конинкслоо, рисовали то, что они называли «чистыми пейзажами», обычно изображая густой лес крупным планом. Этот подход повлиял на последующих художников, таких как ученик Альтдорфера Руландт Савери, чей Лес с оленями (1608-1610) почти современный по своему экспрессионистскому эффекту.

Архитектура

Двумя самыми известными архитекторами-маньеристами были Микеланджело и Джулио Романо. Самым известным проектом Микеланджело была библиотека Лаврентия (1523-1568), которую он начал в 1523 году после получения заказа от Папы Климента VII, члена семьи Медичи.Вестибюль библиотеки был сосредоточен на лестнице, которая радикально объединила эллиптические формы трех нижних ступеней, четырехугольные формы для внешней ступени и выпуклые формы для центральных ступеней, чтобы создать динамическое вертикальное движение в верхний читальный зал. Эффект маньеризма был дополнительно подчеркнут волнообразными декоративными мотивами под парами восходящих колонн. Кроме того, развитие Микеланджело «колоссального порядка» или «гигантского порядка» с использованием пилястр, простирающихся на два или более этажа, также оказало большое влияние, как видно из его дизайна для Palazzo dei Conservatori (середина 16, -е годы, века).

Палаццо дель Те Джулио Романо (1524-1534) был tour de force маньеристской архитектуры и сделал его знаменитым. Федерико Гонзага, задумавший своего рода дворец удовольствий, заказал проект своего семейного поместья, в котором он разводил лошадей. Квадратный блок с центральным двором, Палаццо дель Те использовал ложные двери и окна, драматические сопоставления, как видно на четырех разных фасадах во внутреннем дворе, и фрески художника. Одна комната была посвящена эротическим мифологическим сценам, другая - изображениям лошадей Гонзаги в натуральную величину, а третья, знаменитая Sala dei Giganti, изображала гигантов, пытающихся покорить гору Олимп, в сцене, нарисованной от пола до потолка с помощью тромпа . oeil эффект.Как писали историки искусства Марвин Трахтенберг и Изабель Хайман, «странное химерическое воображение Джулио наиболее ярко проявилось в его иллюзионистских фресках ... но архитектура также полна сложных и неожиданных эффектов».

Позднее развитие - после маньеризма

Маньеризм начал приходить в упадок около 1600 года, когда известный художник Караваджо, прозванный «отцом барокко», впервые применил революционный подход, который объединил кьяроскуро и тенебризм , обе техники подчеркивали игру темные и светлые, с новым реализмом в драматических сценах.К 1620 году доминировал период барокко, хотя акцент движения на драматических действиях и очень эмоциональных сценах можно рассматривать как развитие маньеристских методов. В декоративном искусстве влияние маньеристов продолжалось до середины 1600-х годов, особенно во дворах Европы.

Маньеристы повлияли на последующее поколение художников, поскольку ученики Джамболоньи Адриан де Врис, Пьетро Пьюже и Пьетро Франкавилла продолжали продвигать его стиль в Северной Европе.Что еще более важно, работы Джамболоньи оказали заметное влияние на Бернини и Алессандро Альгари, ведущих скульпторов эпохи барокко. Творчество Челлини оказало влияние на Антонио Канова, Феодосия Федоровича Щедрина, а в 90–109-х годах века - на Сальвадора Дали. Но в целом маньеризм потерял популярность, как и многие его ведущие художники, в последующие столетия и обычно рассматривался как период упадка и упадка после Высокого Возрождения.

Обычно забытый (кроме Испании) испанский художник эпохи Возрождения и маньеризма Эль Греко был заново открыт в 1800-х годах французскими художниками, такими как Эжен Делакруа и Эдуард Мане.Поль Сезанн пошел еще дальше и написал свою собственную версию картины Эль Греко «Дама в меховой накидке » (1882). Позже его работы оказали основное влияние на Пабло Пикассо и развитие кубизма, а также повлияли на развитие экспрессионизма в работах Бекмана, Макке, Кокошки, Хофера, Стейнхардта и Кортевега. Он также оказал влияние на Сутина и Шагала, а также на сюрреалистов Массона и Домингеса. Известные испанские художники Игнасио Сулоага, Сантьяго Русиньол и Хоакин Соролья использовали его работы, равно как и мексиканские художники Ривера и Ороско.В Соединенных Штатах на его работы ссылались Томас Харт Бентон, Джексон Поллок и Роберто Матта.

Работы Бронзино также были «заново открыты» неоклассиком Жаком-Луи Давидом, а затем художниками 20-го века -го и -го века, такими как Пикассо, Матисс, де Кирико и Фрида Кало. Известные писатели Марсель Пруст, Уильям Сомерсет Моэм и Айрис Мердок ссылались на его работы. Его работы понравились множеству современных художников: от манги Ясуко Аойке от Eroica with Love (1976-2010) до фильма Лины Вертмюллер Seven Beauties (1975) и серии портретов 1503 фотографа Кристиана Тальявини (2010).

Архитектура маньеризма повлияла на архитектуру барокко и, впоследствии, на неопалладианское движение и архитектуру изящных искусств. Стиль также повлиял на известного архитектора 20 -го -го века Роберта Вентури, который возродил термин, написав: «Маньеризм для архитектуры нашего времени, который ... ломает общепринятый порядок, чтобы приспособиться к сложности и противоречию». Важность и постоянная оценка маньеризма через призму современности сохраняется, как видно из мультимедийного видения Питера Гринуэя 2009 года работ Паоло Веронезе и в крупной выставке 2010 года творчества Якопо Бассано.

Маньеризм: мост между эпохой Возрождения и барокко - античные камины и окружение

Несмотря на то, что стиль маньеризма в искусстве и дизайне просуществовал сравнительно недолго, он оказал огромное влияние. Сам стиль находился под влиянием эпохи Возрождения и был реакцией на него и просуществовал примерно с 1520 по 1580 год. Определяемый своими утонченными и преувеличенными природными качествами, маньеризм отошел от жесткости и реализма эпохи Возрождения и вместо этого сосредоточился на красоте беспорядок, часто сочетающий художественные элементы, которые традиционно не сочетались бы в стилях, которые были раньше.Маньеризм как отдельный стиль трудно определить. Он сосредоточен в основном на абстракции и несоответствии, а не на цементировании всеобъемлющего стилистического выбора. Он действовал как теория стиля, а не как список требований к стилю. В то время как более поздние годы Возрождения, известные как Высокое Возрождение, уделяли большое внимание симметрии и пропорциям, чтобы создать математически совершенное приближение красоты, основанное на классических идеалах, маньеризм вместо этого предпочел игнорировать пропорции и вместо этого сосредоточиться на преднамеренно несбалансированной композиции. .Из-за этого мало единообразия в том, что представляет собой маньеризм в разных стилях дизайна. В искусстве, таком как живопись и скульптура, удлинение стало олицетворением стиля маньеризма. Наиболее известными именами, связанными с ростом движения, были Микеланджело и Тинторетто. Они превратили свои картины и скульптуры в интеллектуальное пространство, показывая то, что невидимо для глаза, и подчеркивая искусственную природу самой формы искусства. Давид Микеланджело - яркий пример стиля маньеризма.

Он принимает традиционный классицизм эпохи Возрождения в виде обнаженного мужчины, но переворачивает его с ног на голову, решая изобразить молодого человека в движении, ясно показывая напряженные эмоции на его лице и создавая искривление в его позе и преувеличивая пропорции; особенно его руки и голова. Эта кривизна служила для закручивания взгляда зрителей вверх и часто использовалась в маньеристском искусстве и скульптуре.

Его также можно увидеть в картине Тинторетто «Аполлон, венчающий поэта и дающий ему супругу».

Элементы маньеристской архитектуры и дизайна интерьера сильно отличались от яркой и очень художественной природы живописи и скульптуры того времени.Базовый дизайн больше склонялся к простоте, но с небольшими анахронизмами, такими как асимметричные макеты и комбинации угловых и изогнутых элементов дизайна и нерегулярные смеси тем. Интересным примером этого увлекательного сочетания стилей дизайна является камин в стиле маньеризма из нашей коллекции

Этот старинный элемент мантии иллюстрирует поздние этапы дизайна маньеризма с уклоном в сторону раннего барокко. Края камина представляют собой смесь округлых и угловатых форм, что придает им немного асимметричный вид и играет с идеей пространства и пропорций.Дополнительные элементы дизайна этого мраморного камина сочетают в себе элементы классического натуралистического дизайна с изогнутыми формами и анахронично угловатым картушем. В этом особом каминном окружении используется декоративная лепнина, типичная для стиля барокко, демонстрирующая истинную преходящую природу маньеризма. Стиль барокко вышел на первый план как реакция на ренессанс и маньеризм. В то время как маньеризм основывался на том, что было раньше в Высоком Возрождении, стиль барокко вместо этого предпочел бороться с ним. Это произошло в эпоху просвещения, религиозного возрождения, открытия новых земель и научных открытий.Таким образом, барокко было противовесом маньеризму, вместо этого фокусируясь на естественных человеческих эмоциях, с большим акцентом на домашнюю жизнь и более естественную и легкую композицию. Bolection был настолько популярен в тот период для дизайна мантий, поскольку был одновременно элегантным, простым, естественным и в то же время в равной степени передавал ощущение величия. В архитектуре и дизайне барокко часто использовались повторяющиеся стили дизайна с относительно простыми архитектурными элементами, дополненными яркой роскошной мебелью.

Западная архитектура | Britannica

Острова восточного Средиземноморья и Эгейского моря образуют естественную связь между сушей Ближнего Востока и Европы.Экспансия на запад цивилизаций Западной Азии и Египта началась около 3000 г. до н.э. и привела к поселениям на Крите, Кикладах и материковой Греции. Принципиальное отличие этих культур от более ранних, неолитических, состоит в том, что каменные орудия труда и оружие были заменены на сделанные из меди, а затем из бронзы. Энеолитический (медно-каменный) век, продолжавшийся в районе Эгейского моря с начала 3-го тысячелетия до нашей эры до начала 2-го, обычно считается частью большого бронзового века, который был вытеснен железным веком примерно с 1200 года до нашей эры.

Отличительной чертой эгейских цивилизаций была легкость, с которой азиатские мотивы и техники были адаптированы для создания оригинальных местных стилей. В архитектуре, безусловно, наиболее важными достижениями были цивилизации минойского Крита и микенской Греции.

Минойский Крит

Великая морская цивилизация Крита кристаллизовалась вокруг дворцов, таких как Кносский, Фест, Айя-Триада, Маллиа и Тилиссос. Чрезвычайно важный Дворец Миноса в Кноссе, раскопанный и реконструированный в начале 20 века сэром Артуром Эвансом, представляет собой свидетельство непрерывного архитектурного и художественного развития с начала неолита, кульминацией которого стало блестящее проявление строительной деятельности во время третьей фазы среднего минойского периода. период (1700–1580 гг. до н.э.) и продолжался до вторжения ахейцев в XII веке.Однако дворец, по сути, представляет собой сооружение двух поздних средних минойских периодов (1800–1580 гг. До н. Э.). По монументальности он, несомненно, соперничал с ближневосточными и египетскими дворцами. Следуя примеру таких структур, Дворец Миноса представляет собой четырехугольный комплекс комнат и коридоров, сгруппированных вокруг большого центрального двора, размером примерно 175 × 100 футов (50 × 30 метров). В северном конце, к морю, величественный портик из 12 пилястр открывал доступ к центральному двору. В этом конце также находится большая театральная площадка, прямоугольный театр под открытым небом, который, возможно, использовался для ритуальных представлений.Восточное крыло дворца разделено на две части длинным коридором, идущим по оси восток-запад; Первоначально он возвышался на четыре или пять этажей над склоном долины. В юго-восточной части дворца находятся жилые апартаменты, тщательно продуманные с сантехникой и смывом, а также святилище. Широкая лестница вела на верхний этаж, которого больше нет. Северо-восточная часть дворца занята офисами и кладовыми. Западная часть снова разделена главным коридором длиной более 200 футов (60 метров), идущим на север и юг.Позади этого коридора, вдоль западной стороны, была обнаружена серия длинных узких кладовых, содержащих большое количество питофов, или емкостей для хранения нефти размером с человека. По другую сторону коридора, обращенного к центральному двору, находятся государственные залы, в том числе тронный зал с его уникальным гипсовым троном и всемирно известными фресками с грифонами. Ярко окрашенные фрески играли важную роль как во внутреннем, так и во внешнем убранстве дворца. Свет подавался сверху с помощью оригинальной системы фонарных колодцев, а несколько портиков с колоннами обеспечивали вентиляцию во время жаркого критского лета.

Кносос

Часть реконструированного минойского дворца, Кносс, Крит, Греция.

Петерак

Развитие других минойских дворцов (Фест, Маллиа, Айя Триада, Тилиссос) примерно соответствует развитию Кносса. Каждый из них примечателен, и Фест особенно интересен благодаря обширным итальянским раскопкам. Морская гегемония позволила критским морским королям строить эти дворцы в низких и незащищенных местах; следовательно, заметно отсутствие крепостных стен по сравнению с большими стенами месопотамских дворцов.Поскольку критское поклонение, по-видимому, проводилось в основном на открытом воздухе, настоящих храмов, как на Ближнем Востоке, нет. Тем не менее, расположение различных частей дворца вокруг центрального двора и максимально возможное избегание внешних окон - это характеристики, которые, кажется, указывают на ранний контакт с Ближним Востоком. Пристрастие к длинным прямым дворцовым коридорам, а также к высокоразвитой системе водоснабжения, возможно, также унаследовали от древних цивилизаций на востоке.Впервые в Европе колонна появилась в критском дворце, где ее часто использовали индивидуально для разделения входа.

Phaestus

Вход во дворец Феста, Крит, Греция.

Марсий

Развитие погребальной архитектуры на Крите продолжается от старых камерных оссуариев раннего минойского периода (2750–2000 до н. конец средне-минойского периода.

На гребне минойского процветания произошел великий крах. Вторжение с материка около 1400 г. до н.э. разрушило дворцы и привело к утрате власти микенской Греции. На Крите очень редко встречаются архитектурные остатки построек догреческого происхождения, построенных после этой катастрофы. Несколько деревенских святынь относятся к этому периоду после разрушения, а в Приниасе уникальное храмовое здание может датироваться 700 годом до нашей эры. Вход в этот храм украшен барельефами на его архитектурных элементах.Проем над перемычкой обрамлен сидящими фигурами, а сама перемычка с нижней стороны вырезана фигурами богини и животных. Колонна, которая, кажется, стояла посередине этого дверного проема, как и во дворце Миноса, указывает на то, что минойская традиция не исчезла полностью.

Западная архитектура | Britannica

Острова восточного Средиземноморья и Эгейского моря образуют естественную связь между сушей Ближнего Востока и Европы.Экспансия на запад цивилизаций Западной Азии и Египта началась около 3000 г. до н.э. и привела к поселениям на Крите, Кикладах и материковой Греции. Принципиальное отличие этих культур от более ранних, неолитических, состоит в том, что каменные орудия труда и оружие были заменены на сделанные из меди, а затем из бронзы. Энеолитический (медно-каменный) век, продолжавшийся в районе Эгейского моря с начала 3-го тысячелетия до нашей эры до начала 2-го, обычно считается частью большого бронзового века, который был вытеснен железным веком примерно с 1200 года до нашей эры.

Отличительной чертой эгейских цивилизаций была легкость, с которой азиатские мотивы и техники были адаптированы для создания оригинальных местных стилей. В архитектуре, безусловно, наиболее важными достижениями были цивилизации минойского Крита и микенской Греции.

Минойский Крит

Великая морская цивилизация Крита кристаллизовалась вокруг дворцов, таких как Кносский, Фест, Айя-Триада, Маллиа и Тилиссос. Чрезвычайно важный Дворец Миноса в Кноссе, раскопанный и реконструированный в начале 20 века сэром Артуром Эвансом, представляет собой свидетельство непрерывного архитектурного и художественного развития с начала неолита, кульминацией которого стало блестящее проявление строительной деятельности во время третьей фазы среднего минойского периода. период (1700–1580 гг. до н.э.) и продолжался до вторжения ахейцев в XII веке.Однако дворец, по сути, представляет собой сооружение двух поздних средних минойских периодов (1800–1580 гг. До н. Э.). По монументальности он, несомненно, соперничал с ближневосточными и египетскими дворцами. Следуя примеру таких структур, Дворец Миноса представляет собой четырехугольный комплекс комнат и коридоров, сгруппированных вокруг большого центрального двора, размером примерно 175 × 100 футов (50 × 30 метров). В северном конце, к морю, величественный портик из 12 пилястр открывал доступ к центральному двору. В этом конце также находится большая театральная площадка, прямоугольный театр под открытым небом, который, возможно, использовался для ритуальных представлений.Восточное крыло дворца разделено на две части длинным коридором, идущим по оси восток-запад; Первоначально он возвышался на четыре или пять этажей над склоном долины. В юго-восточной части дворца находятся жилые апартаменты, тщательно продуманные с сантехникой и смывом, а также святилище. Широкая лестница вела на верхний этаж, которого больше нет. Северо-восточная часть дворца занята офисами и кладовыми. Западная часть снова разделена главным коридором длиной более 200 футов (60 метров), идущим на север и юг.Позади этого коридора, вдоль западной стороны, была обнаружена серия длинных узких кладовых, содержащих большое количество питофов, или емкостей для хранения нефти размером с человека. По другую сторону коридора, обращенного к центральному двору, находятся государственные залы, в том числе тронный зал с его уникальным гипсовым троном и всемирно известными фресками с грифонами. Ярко окрашенные фрески играли важную роль как во внутреннем, так и во внешнем убранстве дворца. Свет подавался сверху с помощью оригинальной системы фонарных колодцев, а несколько портиков с колоннами обеспечивали вентиляцию во время жаркого критского лета.

Кносос

Часть реконструированного минойского дворца, Кносс, Крит, Греция.

Петерак

Развитие других минойских дворцов (Фест, Маллиа, Айя Триада, Тилиссос) примерно соответствует развитию Кносса. Каждый из них примечателен, и Фест особенно интересен благодаря обширным итальянским раскопкам. Морская гегемония позволила критским морским королям строить эти дворцы в низких и незащищенных местах; следовательно, заметно отсутствие крепостных стен по сравнению с большими стенами месопотамских дворцов.Поскольку критское поклонение, по-видимому, проводилось в основном на открытом воздухе, настоящих храмов, как на Ближнем Востоке, нет. Тем не менее, расположение различных частей дворца вокруг центрального двора и максимально возможное избегание внешних окон - это характеристики, которые, кажется, указывают на ранний контакт с Ближним Востоком. Пристрастие к длинным прямым дворцовым коридорам, а также к высокоразвитой системе водоснабжения, возможно, также унаследовали от древних цивилизаций на востоке.Впервые в Европе колонна появилась в критском дворце, где ее часто использовали индивидуально для разделения входа.

Phaestus

Вход во дворец Феста, Крит, Греция.

Марсий

Развитие погребальной архитектуры на Крите продолжается от старых камерных оссуариев раннего минойского периода (2750–2000 до н. конец средне-минойского периода.

На гребне минойского процветания произошел великий крах. Вторжение с материка около 1400 г. до н.э. разрушило дворцы и привело к утрате власти микенской Греции. На Крите очень редко встречаются архитектурные остатки построек догреческого происхождения, построенных после этой катастрофы. Несколько деревенских святынь относятся к этому периоду после разрушения, а в Приниасе уникальное храмовое здание может датироваться 700 годом до нашей эры. Вход в этот храм украшен барельефами на его архитектурных элементах.Проем над перемычкой обрамлен сидящими фигурами, а сама перемычка с нижней стороны вырезана фигурами богини и животных. Колонна, которая, кажется, стояла посередине этого дверного проема, как и во дворце Миноса, указывает на то, что минойская традиция не исчезла полностью.

Что такое искусство маньеризма? Изучение увлекательного стиля позднего Возрождения

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию.Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

В эпоху Возрождения итальянские художники черпали вдохновение в идеальных формах и гармоничных композициях классической античности. Хотя эта переосмысление древних моделей широко проявляется в работах художников Высокого Возрождения, таких как Микеланджело и Леонардо да Винчи, она также проявляется как маньеризм , стиль, возникший к концу движения.

Художники-маньеристы довели принципы, установленные в эпоху Возрождения, до новых крайностей, достигнув высшей точки в эстетике, придавшей стилизованный поворот классицизму.Здесь мы рассмотрим этот менее известный стиль, исследуем его историю и представим характеристики, которые его определяют.

Что такое маньеризм?

Маньеризм - это стиль, возникший в 1530 году и просуществовавший до конца века. Он назван в честь maniera , итальянского термина, означающего «стиль» или «манера», и относится к стилизованному, преувеличенному подходу к живописи и скульптуре.

Иоахим Втевал, «Перс и Андромеда», 1611 г. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Также известный как Позднего Возрождения , маньеризм считается мостом между Высоким Возрождением и периодом барокко, который принял декоративную эстетику подмножества и адаптировал его как экстравагантность.

История

В конце 15 века художники Флоренции начали отказываться от неземной иконографии Средневековья в пользу классицизма . Этот эстетический подход просуществовал до 17 века и завершился тремя подгруппами: раннее Возрождение, Высокое Возрождение и Позднее Возрождение.

В течение Раннего Возрождения художники начали искать вдохновение в древности. Этот вновь обретенный интерес затем повлиял на High Renaissance , жанр, характеризующийся натуралистическими фигурами и математически точным использованием перспективы.Высокое Возрождение длилось с 1490 до 1530-х годов, когда возникла Позднее Возрождение , или маньеризм.

Хотя художники-маньеристы интересовались перфекционизмом, изображаемым художниками Высокого Возрождения, они не стремились его воспроизвести. Вместо этого они преувеличивали принципы Возрождения, в результате чего создавались работы, в которых самовыражение отдается предпочтению стремлению к идеализму. «Вместо того, чтобы принять гармоничные идеалы, связанные с Рафаэлем и Микеланджело, - поясняет Тейт, - [маньеристы] пошли еще дальше, создав в высшей степени искусственные композиции, которые продемонстрировали свои методы и навыки в манипулировании композиционными элементами для создания ощущения утонченной элегантности.”

Характеристики

Преувеличенные цифры

Основной способ, которым художники-маньеристы продвинули технику Высокого Возрождения «на шаг вперед», - это преувеличения . Пионерские работы итальянского художника Пармиджанино, маньеристы отказались от реалистичных пропорций и вместо этого создавали фигуры с невероятно удлиненными конечностями и странно расположенными телами. Эти вытянутые и скрученные формы, вероятно, использовались, чтобы предложить движение и усилить драматизм.

Пармиджанино, «Мадонна с длинной шеей», 1534–1540 гг. (Фото: Интернет-галерея искусства через Wikimedia Commons Public Domain)

По словам Джорджо Вазари, выдающегося итальянского художника, архитектора, историка и писателя, Пармиджанино непреднамеренно принял эту необычную эстетику, создавая свое собственное подобие. «Чтобы исследовать тонкости искусства, - говорит Вазари о Пармиджанино в своей знаменитой книге по истории искусства, Жизни художников , - он однажды решил создать свой собственный портрет, глядя на себя в выпуклое зеркало парикмахера. .И когда он почувствовал странные эффекты, производимые округлостью зеркала, которое закручивает потолочные балки в странные кривые и заставляет двери и другие части зданий необычным образом отступать, ему пришла идея развлечься. сам, подделывая все ».

Пармиджанино, «Автопортрет в выпуклом зеркале», ок. 1523-1524 (Фото: Gallerix через Wikimedia Commons Public Domain)

Изысканный декор

Щедрые украшения - еще один способ, которым маньеристы довели до предела чувствительность эпохи Возрождения.В то время как деятели Высокого Возрождения обычно не включали узоры в свои работы, художники раннего Возрождения, такие как Сандро Боттичелли, это делали. Вдохновленный millefleur (от французского mille-fleurs , или «тысяча цветов») гобеленов средневековья, Боттичелли включил цветочные орнаменты в свои крупномасштабные мифологические картины, такие как Primavera .

Боттичелли, «Примавера», ок. c. 1477–1482 (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

художников-маньеристов, в свою очередь, вновь обратились к этому интересу к сложному орнаменту, покрывая как холсты, так и скульптуры подавляющим изобилием декоративных элементов.Одним из художников, который поднял эту концепцию на удивительные новые уровни, является Джузеппе Арчимбольдо, художник, создававший своеобразные портреты людей из растений, животных и найденных предметов.

Джузеппе Арчимбольдо, «Весна», 1573 г. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Искусственный краситель

Наконец, маньеристы отказались от натуралистических цветов, используемых художниками Высокого Возрождения, и вместо этого использовали искусственные - и часто яркие - тона. Эти нереалистичные оттенки особенно заметны в творчестве Якопо да Понтормо, итальянского художника, чья насыщенная палитра подняла насыщенные цвета эпохи Возрождения на новый уровень.

Понтормо, «Смещение», 1526-1528 гг. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Этот подход к цвету также ассоциируется с Эль Греко, испанским художником, принявшим стиль маньеризма, когда он переехал в Рим. Как и другие маньеристы, Эль Греко обращался к более ранним художникам, не пытаясь воспроизвести их работы. «Вы должны изучать Учителей, - сказал он, - но берегите изначальный стиль, который бьется в вашей душе, и предайте меч тем, кто попытается украсть его».

Эль Греко, «Видение святого Иоанна, или снятие пятой печати», ок.1609–1614 гг. (Фото: Музей Метрополитен через Wikimedia Commons Public Domain)

Наследие

Несмотря на то, что маньеризм является частью эпохи Возрождения - возможно, наиболее влиятельного художественного движения в истории искусства - маньеризм не пользуется таким же уважением, как более ранние работы Золотого века. Тем не менее, его отличительная эстетика продолжает очаровывать тех, кто знает о нем, что делает его одним из самых увлекательных скрытых сокровищ истории искусства.

Статьи по теме:

Изучение основных вкладов малоизвестного «Северного Возрождения»

Как художники сохранили жизнь натюрмортам на протяжении тысячелетий

История Амура в искусстве: как Бог любви веками вдохновлял художников

Как музеи со временем превратились из частных коллекций в современные учреждения

Архитектура маньеризма

Архитектура маньеризма Маньеризм в области архитектуры

Точно так же, как Маньеризм в живописи включает в себя определенную шоковую ценность, знание правила, но в нарушение правил, высокие палитры (очень яркие яркие цвета), высокий контраст света и тени в архитектуре маньеризма разделяет некоторые из те же качества.Итальянское слово maniera смысл очарования, изящество или игривость также могут быть применены к большей части архитектуры с середины до конца 1500-х гг. Часть воспитанного мира покойного итальянца Возрождение должно было воссоздать славу их римского прошлого, но сделать обновление в современном стиле.

Более трезвый Попытка возродить классический театр была предпринята академиями, организованными джентльменами из высшего сословия, которые собирались, чтобы читать и, при случае, участвовать в и для финансовой поддержки постановок классической драмы.Пьесы в основном были трех видов: современные поэтические драмы, основанные на древних тексты; Латинизированные версии греческих драм; и работы Сенеки, Теренция, и Плавт в оригинале. К середине 15 века ученые обнаружил рукописи римского писателя Витрувия; один из этих ученые, архитектор и гуманист Леон Баттиста Альберти, писали De re aedificatoria (1452; впервые напечатано в 1485 году), что стимулировало желание построить в стиле классической сцены.В 1545 году Себастьяно Серлио опубликовал свою Trattato de architettura, работу, полностью сконцентрированную на на практическом этапе начала 16 в.

Трактат Серлио о в театре было три особо значимых объекта. Первым был план для зрительного зала и сцены, имевшей прямоугольный зал, со зрителями расположены по той же схеме, что и в римской пещере (т. е. многоярусная полукруглая зона отдыха римского театра) с той разницей, что полукруг зрителей обрезали боковины.Во-вторых, его три типа декораций - трагических, комических и сатирических - были такими же, как у Витрувия. классификации. В-третьих, на сцене он начинал с римской актерской платформы, но вместо лба scaenae он ввел платформу с граблями, наклонную вверх по направлению к тылу, на котором видна перспектива улицы. составлен из расписных полотен и объемных домиков. С точки зрения требовал, чтобы дома быстро уменьшались в размерах с расстоянием, актеры смогли использовать только парадные дома.Серлио использовал три типа сцен, все с одинаковым основным планом этажа. Для каждого требовалось четыре набора крыльев (т. Е. части декораций у края сцены), первые три расположены под углом и четвертая квартира, и перспективный фон.

" возрождение театрального строительства в Италии ».
Британника 2001 Стандарт Издание CD-ROM.
Авторские права © 1994-2001 гг. Britannica.com Inc. 10 ноября 2002 г.

Обратите внимание, как театр ниже используются идеи Серлио и Витрувия.

Андреа Палладио, Театро Олимпико ( Олимпийский театр)
Виченца, Италия 1584
завершено Скамоцци (Шамоцци)
Итальянский маньерист Архитектура

Контекст: Согласно в Бриттанику,
"Во время его Пребывая в Риме с 1554 по 1556 год, Палладио в 1554 году опубликовал Le antichità ди Рома («Древности Рима»), который на протяжении 200 лет оставался эталоном путеводитель по Риму.В 1556 году он сотрудничал с классиком Даниэле. Барбаро при реконструкции римских построек по плитам Витрувия. влиятельный архитектурный трактат (написанный после 26 г. до н.э.) De Architectura (Об архитектуре). Новое издание вышло в Венеции в 1556 году.

Последний заказ Палладио пришел в 1579-80 - построить театр в Виченце для Accademia Olimpica для постановки классических драм. Дизайн Teatro Olimpico носил характер академического упражнения, поскольку основывался на реконструкции древнеримского театра в Оранже, Франция.

Академия Олимпика в городке Виченца, недалеко от Венеции, сдан в эксплуатацию знаменитый поздний Архитектор эпохи Возрождения Андреа Палладио спроектировал театр. Это Teatro Olimpico , первый постоянный современный закрытый театр, и он сохранился нетронутым. Палладио тщательно исследовал свой предмет (открытый классический театр Рима) и, не зная его, спроектировал что-то теперь считается очень близким к римскому одеуму. Это уменьшенная версия римского театра под открытым небом с неглубокой открытой сценой и сильно скульптурный, с фронтоном, постоянный фон.Колоннада героических размеров, увенчанный скульптурными фигурами, окружает группу сидений с крутыми ступеньками. Над головой нарисованное небо. Чтобы способствовать интимным отношениям сценического зала, он использовал плоский эллипс при планировании сидения, а не классический полукруг. Интерьер должен был освещаться сальными свечами, вмонтированными в стену. бра. Палладио умер до того, как строительство было завершено, а его последователь Винченцо Скамоцци завершил работу в 1585 году. За пятью входами на сцену (приписываемые Скамоцци) - статичные трехмерные виды улиц. отступление к своим отдельным точкам схода; неясно, действительно ли это было намерением первоначального дизайна.В спектакле театр эффективен, если аудитория заполнена, и речь идет хорошо, потому что небольшого объема, ровный потолок, модулированные боковины, отличная вертикаль линии обзора и прямые линии слуха от всех сидений к сцене. В снаружи - неуклюжая конструкция с каменными стенами и деревянными фермами, черепичная крыша."

" возрождение театрального строительства в Италии ».
Британника 2001 Стандарт Издание CD-ROM.
Авторские права © 1994-2001 гг. Britannica.com Inc. 10 ноября 2002 г.

Форма: Итак, что делает этот театр в стиле маньеризма? Классическая греческая сцена могла бы не имеют этого орнамента. Следовать эту ссылку, чтобы увидеть. Театр действительно использует классическую лексику в целом. коринфских колонн, триумфальных арок и классических скульптур стоящих в противовес, но способ комбинирования элементов является маньеристом из-за того, как элементы сочетаются в почти неклассическая манера. В целом общее убранство фасад сцены слишком загружен и страдает очень неклассическим ужас Vacui, в котором части антаблемента ионного и коринфского структуры переупорядочены почти неклассическим образом.Есть колонны в сочетании с плоскими пилястрами. В некоторых случаях колонны не поддерживают антаблемент, а являются пьедесталами для скульптур. В дополнение к этому, чрезмерно изысканные качества резных архитектурных орнаменты и скульптуры сочетаются с разноцветным мрамором и крашеный потолок.

Иконография: Использование классических тем и мотивов в Teatro Olimpico вполне оправдано. почти очевидно попытка нарядить и поднять современное развлечение покровителя эпохи Возрождения.

Сцена демонстрирует разработка перспективных декораций. Согласно Brittanica:

в театре, декорации и техника оформления сцены, представляющая трехмерное пространство на ровной поверхности, создающее иллюзию реальности и впечатление расстояния. Создан в эпоху итальянского Возрождения, перспективный пейзаж. применил только что освоенную науку линейной перспективы и принес ремесло иллюзии на итальянской сцене.Первоначальная мотивация может иметь позволил театру переместиться с улицы в закрытые помещения, где перспектива живопись может сделать небольшие пространства больше.

Под влиянием перспективы живопись художников эпохи Возрождения и возрождения Витрувия XV века. сочинения по архитектуре, Бальдассар Перуцци применял законы перспективы к оформлению сцены. Его работа легла в основу творчества его ученика Себастьяно Серлио. De architettura (1545), в котором изложены методы построения перспективы. декорации и наклонная или наклонная сцена - отсюда термины за сценой и за сценой получить.В дизайне Серлио нарисованные пейзажи отходят прямо от зрителя к единственной исчезающей точке позади сцены. Угол перспектива была усовершенствованием перспективного пейзажа 18-го века. Несколько точки схода были установлены в задней части сцены и по сторонам, так что пейзаж, удаляющийся в нескольких направлениях, был изображен в угол к зрителю.



Андреа Палладио, Вилла Ротонда также называется Вилла Капра.
Виченца, Италия 1566-69
Итальянский маньеризм

Форма: Это здание, хотя частная вилла (дом) все же спроектирована в соответствии с основными схема центральной церкви или план храма очень похож на Пантеон. Тем не менее, маньеристические различия включают четыре портика, обращенные к каждому. точек компаса. Эти портики были спроектированы Палладио. чтобы дать жителю четкое представление о его землях.

Еще одно изменение центральный план церкви - это распространение окон и арок повсюду конструкция, которая освещает интерьер здания. Здание также устроен так, что он состоит из двух этажей, окружающих центральную часть над куполом со спальнями и другими комнатами.

Иконография: Общая базовый план действительно не имеет смысла для частного дома, но такого рода плана не было создано для того, чтобы разместить семью Капра в прагматичном способ, а скорее облечь их в храм.

Контекст: по в середине 1500-х годов население Европы начало расти, скорее всего в результате появления новых культур из Америки и роста нового общественного строя. Как следствие этих факторов война, голод и болезни стали естественной частью городской жизни. Кроме того это Венеция, которая владела большой землей и контролировала торговлю с Грецией и некоторые из восточных провинций потеряли часть своей власти.

Когда-то богатый венецианец торговцы, которые заработали там первоначальное богатство за счет торговли, теперь больше не имели непрерывный приток богатства от него.Теперь они повернулись к вложения, которые они теперь держали, и одним из них были сельские поместья в Виченце за пределами Венеции.

Эти земли разрешены богатый торговец, такой как Джулио Капра, чтобы спастись от преступника, больного и грязные вонючие города в деревню, и это привело к развитию усадьбы. Это привело к новым заказам для архитекторов. как Палладио, и земля стала символом силы, что объясняет, почему Палладио решили создать четыре портика, названных бельведерами (по-итальянски красивое Посмотреть).

Архитектура Палладио и тот факт, что он опубликовал свои собственные интерпретации Витрувия привести к полной адаптации его строительного стиля и философии. Этот стиль, ныне известный как палладианство, распространился по всему миру. и используется до сих пор.


Андреа Палладио (1508-1580):
Церковь Сан-Джорджо Маджоре,
Венеция. Начинается 1566 г.

Форма: Формальные элементы которые делают эту церковь церковью в стиле маньеризма, так устроен фасад и странный дизайн интерьера.Фасад состоит из двух слои, один из которых кажется почти фасадом, поставленным на столбы и ломает пространство содержащегося в нем треугольного фронтона. в интерьерные, часто уплощенные пилястры сочетаются с сдвоенными сдвоенными колоннами в нечетных группах, которые немного необычны.
. . .расположенный на острове Сан-Джорджо, сверкающий белый фасад Сан-Джорджо Маджоре обращен через бассейн Сан-Марко к большой площади. Построен как часть бенедиктинского монастыря на острове масштабный фасад церкви представить Венецию публично.Он доминирует и частично затемняет кирпичный корпус церкви за ним, в то время как отражает внутреннее пространство нефа и его приделов.
Центральный Фасад храма сочленяется с четырьмя поднятыми композитными колоннами в три четверти на высоких постаментах, обрамляющих центральную дверь. В задней плоскости нижний корпус церкви артикулирован пилястрами меньшего порядка, поддерживающие два нижних половинных фронтона с каждой стороны. Линия карниза продолжается через центральное тело, соединяя две формы.Глубокий рельеф эти элементы в сочетании со скульптурными деталями капителей, карнизов, ниши и фигурки, отлично играет свет и тьма в солнечном свете.

Внутренний план совмещает элементы продольных и централизованных построек, разрешение отклика к ренессансному «идеалу» централизованного плана и символической формы креста. и как средневековые традиции нефных церквей, так и требования Контрреформация для функциональных церквей с просторными нефами для большие собрания, а также приделы, достаточно большие для празднования таинства.

Внутренний потолок продольный бочкообразный свод, ведущий к переправе, обрамленный сгруппированными колонны и арки, поддерживающие купол, освещенный фонарем. Крестовые своды над боковыми проходами и трансепт с апсидальными часовнями пересекают неф, а за переходом - пресвитерий и монашеский хор. Термический, световой окна пропускают свет в боковые часовни и в неф, а также в интерьер светится теплым светом, отраженным окрашенными лепными поверхностями (более кирпич) стен и свода.Напротив, архитектурная деталь резаные каменные колонны и пилястры, капители, цоколи, сплошные антаблементы, обрамленные арки и перила, потемневшие с возрастом, артикулируют ритмичный последовательность пробелов. JY

http://www.greatbuildings.com/buildings/San_Giorgio_Maggiore.html



Джулио Романо, Палаццо del Tè 1525-1532 Мантуя, Италия
Внутренний двор
Итальянский маньеризм


Джулио Романо, Палаццо del Tè 1525-1532 Мантуя, Италия
Метопы с упавшими триглифы в антаблементе
внутреннего двора.


Джулио Романо, Палаццо del Tè 1525-1532 Мантуя, Италия
Падение гигантов
фреска 1532-1534

Форма: Дизайн загородного дома построена по проекту закрытого двора для аналогичных Дома в римском стиле в Помпеях. Однако, в отличие от домов Помпеи, центральный двор - не идеальный квадрат и не идеально симметричный. Классический порядок, который мы ожидаем от здания, основанного на классических Однако на самом деле витрувианских концепций здесь нет.

Антаблемент содержит рустованный и нелогичный фасад из фальшивого тесаного камня кирпичи. Под классическим антаблементом расположены треугольные фронтоны. Предполагается, что верхние строения, такие как Парфенон, и перед Пантеоном и римскими триумфальными арками, нишами и окна часто не имеют отверстий и не содержат скульптур. Романо также использует задействованные колонны, которые не поддерживают антаблемент и просто украшение. Все эти элементы очень похожи на Микеланджело. библиотека в Сан-Лоренцо c1530.

Другое, подробности антаблементы также немного нерегулярны. Антаблемент дорический, но капители колонн представляют собой придуманный стиль. В способ, которым устроен стандартный антаблемент дорического стиля, немного странный. На метопах антаблемента изображены гербы и гротескные маски, но чередуются с упавшими триглифами. Сравните это с антаблемент Парфенона.

Иконография: Необычные и "манерные" аранжировки Палаццо - это своего рода "Что что не так с этой картинкой? »игра.Пришедший хорошо образованный придворный побывать в таком палаццо было бы очень весело, анализируя неровности и смеялся над ними, если он был достаточно осведомлен. Факт этим покровителем Романо был Фредериго Гонзага (чей дедушка Людовико Гонзага поручил Мантенья украсить свою камеру degli Sposi, 1474 ) нанял Романо «поиграть» с этой архитектурой символизирует интеллект и эрудицию Гонзаги (образование).

Контекст: Джулио Романо был помощником Рафаэля.Его вызвал Фредериго Гонзага. Герцог Мантуи в 1524 году спроектировал воссоздание старинной римской виллы для семьи Гонзага. Это не должно было быть основным местом проживания а, скорее, забавный дом для них.

Согласно Бриттанике,

Главный залы Палаццо дель Те - это Зал Психе с эротическими фрески любви богов; Sala dei Cavalli в натуральную величину портреты некоторых лошадей Гонзага; и фантастический Sala dei Giganti.Этот экспонат иллюзионистического декора расписан от пола до потолка сплошной сценой гигантов попытка штурмовать Олимп и быть отбитой богами. На потолке, Юпитер бросает свои молнии, и зритель чувствует, что он, как великаны, раздавлен обрушившимися на него горами, корчится в горящих обломках. Даже камин был встроен в украшение и пламя сыграли свою роль. Эта комната была завершена к 1534 году при большой помощи Ринальдо Мантовано, главного помощника Джулио.Цвет очень грубый; предмет подходит для легкой виртуозности и имеет тенденцию вызывать полосу жестокости и непристойности, которая проходит чуть ниже поверхность на большей части картин Джулио.
Форма: Общий комната предназначена для искажения и создания своего рода забавного эффекта. В углы комнаты, особенно углы потолка сглажены штукатуркой, чтобы создать непрерывное иллюзионистское пространство, в котором потолок и стены сливаются. Узор вихревого пола, когда в сочетании с огромными размерами фрески и искажениями пространства создают почти галлюцинаторный эффект.

отличная дополнительная информация
http://web.kyoto-inet.or.jp/org/orion/eng/hst/manneris/te.html
http://www.bluffton.edu/~sullivanm/delte/delte.html


тесак
n [ME asheler, fr. Балка траверса MF Aisselier, фр. ОФ, фр. ais board, фр. Ось L, алтер. из assis] (14c)
1: тесаная или квадратная камень; также: кладка из такого камня
2: тонкий квадрат и строганный камень для облицовки стены из щебня или кирпича

рустованный Тип грубой или рельефной кладки, встречающейся на фасаде здания. Микелоццо Палаццо У Медичи Рикарди есть такая кирпичная кладка на нижних ярусах.

тромпа l'oeil
n, часто attrib [F trompe-l'oeil, букв., обмануть глаз] (1889)
1: стиль живописи в которых объекты изображены с фотографически реалистичной детализацией; также: использование подобной техники в отделке интерьеров
2: a trompe l'oeil картина или эффект

Маньеризм - художественный стиль, веками считающийся анархическим, декадентским и странным.

Маньеризм - это художественный стиль, который доминировал в Италии с последних лет итальянского Высокого Возрождения, около 1520 года, до появления стиля барокко около 1600 года.Он считается мостом между эпохой Возрождения и драматическим барокко. Стиль зародился во Флоренции и Риме, но вскоре распространился на остальную часть Италии и, в конечном итоге, на всю Европу.

Название происходит от итальянского слова maniera , от mano , означающего рука, потому что стиль был тесно связан с личным прикосновением или «рукой» художника. Этот термин использовался почти через сто лет после его появления, и в то время он не описывал приятное и достойное восхищения искусство.Только в начале 20 века маньеризм начали ценить.

[the_ad id = ”5 ″]

Политические события того времени оказали огромное влияние на маньеризм. В 1527 году Рим был захвачен войсками Карла V (который ранее был Карлом I, королем Испании), и он был коронован как император Священной Римской империи. Карл V не очень любил независимые города-государства Италии, и многие из них утратили свой статус. Например, в 1530 году после 10-месячной осады Флоренция перестала быть независимой республикой.

Якопо Понтормо, Погребение, 1528 год; Санта-Фелисита, Флоренция

Карл V тоже был не в восторге от спонсорства искусства или художников, особенно итальянцев. Кроме того, протестантская Реформация, возглавляемая такими фигурами, как Мартин Лютер, наряду с тем, что Коперник противоречил церкви своим утверждением о том, что центром вселенной является солнце, а не Земля, заставила многих усомниться в авторитете римско-католической Церковь. Итак, в данных обстоятельствах маньеризм, вероятно, был лучшим, чего можно было ожидать от ремесленников.

Искусство маньеризма - это не что иное, как естественные, изящные и гармоничные шедевры Высокого Возрождения. Этот стиль ищет утонченного наслаждения причудливым. Характерные удлиненные человеческие фигуры служат для усиления эмоций в произведениях искусства с преувеличенными позами и лицами, которые показывают волнение или мучения, но также странно невыразительны.

[the_ad id = ”6 ″]

Картины могут не иметь фокуса, фигуры могут скручиваться с искажениями в интересах экспрессионизма, а пространство может быть неоднозначным.Используемые цвета не похожи на сбалансированные, естественные и спокойные тона Высокого Возрождения, а вместо них - яркие и яркие оттенки, такие как розовый и апельсин или зелень и фиалка. Стиль пытался добиться нестабильности и беспокойства.

Сикстинская капелла с потолком и Страшным судом Микеланджело, Рим, Ватикан. Автор: Йорг Биттнер Унна. CC BY 3.0

В маньеризме очень важны были богатые и сложные украшения. Поверхности были покрыты разными узорами, такими как люди, монстры, животные и растения, часто смешанные вместе.На картинах небо могло быть заполнено злобными путти, летающими животными, греческими колоннами и часто их комбинацией или некоторыми другими ненужными элементами.

Архитектура маньеризма в Гданьске, Польша.

[the_ad id = ”7 ″]

Микеланджело был одним из лучших художников-маньеристов. Он был гибким, приспосабливаясь к пожеланиям каждого последующего Папы, который его заказывал. Его самые известные маньеристские работы - это фрески в Сикстинской капелле, такие как Страшный суд (1536-41).Другими известными художниками-маньеристами были Пармиджанино, Понтормо и Корреджо, который первым изобразил свет, исходящий от младенца Христа.

Скульпторы-маньеристы работали с драгоценными металлами гораздо чаще, чем их предшественники. Важной отличительной чертой является развитие стиля «Serpentinata». Формы и фигуры скульптур демонстрируют страсть, напряжение, физическую мощь и смысловое совершенство. Типичными скульптурами маньеристов были маленькие бронзовые мифологические фигуры с обнаженными телами.Среди известных скульпторов были Джамболонья, Бенвенуто Челлини и Алонсо Берругете.

Архитектура маньеризма характеризуется сознательной игрой с порядком, гармонией и симметрией, которые были отличительными чертами архитектуры высокого Возрождения. Микеланджело был пионером архитектуры.

You may also like

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *