Разное

Барочный стиль: БАРОЧНЫЙ — это… Что такое БАРОЧНЫЙ?

Барочный стиль: БАРОЧНЫЙ — это… Что такое БАРОЧНЫЙ?

Содержание

БАРОЧНЫЙ — это… Что такое БАРОЧНЫЙ?

  • БАРОЧНЫЙ — 1. БАРОЧНЫЙ [шн], барочная, барочное. прил. к барка. 2. БАРОЧНЫЙ [чн], барочная, барочное (иск.). прил. к барокко. Барочный стиль. Толковый словарь Ушакова. Д.Н. Ушаков. 1935 1940 …   Толковый словарь Ушакова

  • Барочный — I б арочный прил. 1. соотн. с сущ. барка, связанный с ним 2. Свойственный барке, характерный для неё. 3. Принадлежащий барке. II бар очный прил. 1. соотн. с сущ. барокко I, связанный с ним 2. Свойственный …   Современный толковый словарь русского языка Ефремовой

  • Барочный — I б арочный прил. 1. соотн. с сущ. барка, связанный с ним 2. Свойственный барке, характерный для неё. 3. Принадлежащий барке. II бар очный прил. 1. соотн. с сущ. барокко I, связанный с ним 2. Свойственный …   Современный толковый словарь русского языка Ефремовой

  • барочный — БАРКА, и, ж. Лёгкая деревянная баржа. Толковый словарь Ожегова.

    С.И. Ожегов, Н.Ю. Шведова. 1949 1992 …   Толковый словарь Ожегова

  • барочный — БАРОККО. Толковый словарь Ожегова. С.И. Ожегов, Н.Ю. Шведова. 1949 1992 …   Толковый словарь Ожегова

  • БАРОЧНЫЙ — принадлежащий барке или привозимый на барке. Самойлов К. И. Морской словарь. М. Л.: Государственное Военно морское Издательство НКВМФ Союза ССР, 1941 …   Морской словарь

  • барочный — I. БАРОЧНЫЙ I ая, ое. barque f. Отн. к барке, связанный с ней. БАС 2. И барочные наемные немцы по немецкому языку сказывали им: те де барки идут от города Болони. 1657. Итал. д. 998. // Сл. 17. Ход барочной. М. А. Муравьев Зап. // РОА 5 69.… …   Исторический словарь галлицизмов русского языка

  • барочный — 1) барочный ая, ое. прил. к барка. Барочный тес. 2) барочный ая, ое. прил. к барокко. Барочный стиль. Барочная живопись …   Малый академический словарь

  • барочный — I ба/рочный см. барка; ая, ое. Б ое днище. II баро/чный см. барокко; ая, ое. Барочный стиль. Б ая живопись. Б ые фонари …   Словарь многих выражений

  • барочный — 1. барочный (к барка) 2. барочный (к барокко) …   Русское словесное ударение

  • что это такое, стиль картин, эпоха раннего в живописи и искусстве, примеры скульптуры, элементы художников, хаус

    В переводе с итальянского языка, barocco – «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.

    История возникновения барокко – новая эпоха в Европе на смену Возрождению

    Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век).

    Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .

    Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.

    Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.

    Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко

    Черты и особенности стиля

    Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.

    Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.

    Кариатиды, атланты и маскароны

    Интерьер

    В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.

    Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера – многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.

    На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.

    Интерьер в стиле барокко

    Мебель

    Мебель в стиле барокко – уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.

    Мебель в стиле барокко

    Оформление стен

    В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.

    Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.

    Классическое представление барокко в современном интерьере

    Оформление полов

    Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.

    Живопись

    К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:

    • Броская цветовая палитра.
    • Динамичность композиции.
    • Пышность «плоских» форм.

    Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).

    “Страшный суд”, Рубенс

    Архитектура и ее представители

    Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.

    Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».

    Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.

    Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:

    • Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
    • Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана – архитекторы раннего периода барокко.
    • Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
    • Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.

    Архитектура барокко

    Скульптура

    Лоренцо Бернини

    Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:

    • Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
    • «Экстаз святой Терезы» – алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
    • Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.

    На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.

    Мода

    Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.

    Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.

    Модные веяния барокко

    Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе.

    Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.

    Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.

    Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.

    Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.

     

    Искусство: художественные картины в барочном стиле

    И.С. Бах

    В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.

    Известные музыканты и композиторы:

    • Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
    • И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.

    Человек

    Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.

    Олицетворением мужского идеала становится “джентельмен” – образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.

    Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.

    Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.

    В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием “Математические начала натуральной философии”, а также открывает “Закон всемирного тяготения”. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии “Система природы”. Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.

    Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.

    Иллюстрация “Путешествия Гулливера”

    Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.

    Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.

    Состав ламината: https://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya.html

    Краткий видео-обзор на стиль Барокко

    Выводы

    Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо – более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.

    Рекомендуем также прочитать что это неоклассика.

    Барочный танец – HiSoUR История культуры

    Барочный танец – это танец эпохи барокко (примерно 1600–1750), тесно связанный с музыкой, театром и оперой в стиле барокко. Танец барокко – это то, что сейчас принято называть придворным танцем, сначала французским, а затем и по всей Европе семнадцатого и восемнадцатого веков, чтобы быть в тесной связи с музыкой барокко. В то время он был известен как Belle Danse. Это включает в себя бальные бальные танцы, такие как куранте, менуэт, гавота, сарабанда, гига, форлана, лурэ, паспедпи или ригаудон. Это начало балета или классического танца.

    Он тесно связан с Королевской академией французского танца в Париже, основанной Людовиком XIV в 1661 году, для улучшения техники танцев дворян для танцев, которые он предлагал при дворе. Сам он с самого раннего возраста посвятил несколько часов в день танцам и получил имя «Король Солнца», выступая в Балет-де-ла-Нуит (1653) в возрасте пятнадцати лет. Философия школы танца соответствовала французской академии Ришелье в том смысле, что она хотела контролировать политическое знание посредством письма и контроля доступа к тому, что собрано в письменной форме. С другой стороны, благодаря танцу он придал двору классические ценности короля и периода: симметрия, порядок, баланс, ясность и гармония во всех элементах, также применяемых в архитектуре, например, как в замке. Версаль, где суд был установлен в 1682 году. Ученым (таким как Луи Пекур, Пьер Бошан, Рауль-Оже Фейе и Шарль Компан) было поручено написать хореографические и танцевальные сборники.

    Танец барокко возродился, с музыкой в ​​стиле барокко или современной, в шоу с инновационными постановками, начиная с 70-х годов двадцатого века, особенно из исследований танцовщицы и хореографа Реджине Астер в США и Франсин Ланселот в Европе (Франция), а затем также в других странах на всех континентах. Среди нынешних хореографов в стиле барокко – Анна Романи.

    Предшественник классического танца
    С 1669 года Жан-Батист Люлли, танцор и композитор, создал трагедию-балет, театральный жанр, в котором поется величие короля, и комедию-балет, своего рода театр танца, сочиненный с драматургом Мольером для развлечения король и двор. В балетных комедиях танцевальные представления, танцы и пение сменяются и исполняются одними и теми же людьми. В таких пьесах, как Мольер, есть танцевальные интерлюдии, которые соответствуют моментам особой кульминации, таким как сны. Около 1680 года придворные балеты исчезают, и король перестает танцевать. С тех пор эти неестественные и театральные танцы стали танцевать исключительно танцорами, которые постепенно стали более профессиональными и в итоге гастролировали по всей Европе. С другой стороны, с 1682 года дворяне, прибывшие во дворец Версаля, организовывают большие социальные танцы, элитные танцы, чтобы оправдать свое присутствие в среде, которая вращается вокруг короля и только его.

    С 1725 года, уже во времена Людовика XV, придворные танцы стали игривыми и более простыми. Напротив, в это время на сцене появляются балетные оперы, такие как «Indes galantes», великолепные шоу, которые очень утонченные, великолепные в постановке и в которых танцоры играют ведущую роль. Мало-помалу танец становится независимым, появляясь в балетной пантомиме, к которой больше не существует песни, и о которой Жан-Жорж Новер говорит в 1760 году в Леттре-сюр-ла-Дансе. С популярной революцией 1789 года менталитет и ценности изменились придворная жизнь и общественность заменяет монархию; Этот новый способ понимания мира и тела приводит к эволюции моды и движений сценического танца, когда ступени становятся больше, а прыжки выше. Belle Dance в суде как таковой исчезает, и то, что остается от него в театрах, в конечном итоге растворяется в том, что постепенно превращается в классический танец.

    Belle Danse полностью исчезла, но книги остались. В шестидесятых годах двадцатого века некоторые танцоры-исследователи древних и ренессансных танцев начали изучать их, чтобы восстановить и развить то, что они назвали танцем барокко.

    особенности
    Танец в стиле барокко вовсе не натуралистичен и, более того, сегодня вне контекста и других костюмов становится более абстрактным, чем в XVII и XVIII веках, когда он имел сильный социальный и политический компонент. В «Belle Dance» Людовика XIV дворянам приходилось танцевать симметрично, расположенные всегда вокруг центральной точки, где стоял король. Теперь это часто не соблюдается. Это также подчеркивает, что это сделано для того, чтобы танцевать в больших пространствах и сильное кодирование в абсолютной зависимости от времени музыки.

    Тела танцоров ничем не отличались от актеров, и фактически они использовали один и тот же словарь для жеста. Язык очень искусственный, но он одинаков для всех исполнителей исполнительского искусства (танцоров, актеров, музыкантов, певцов), что делает его танцевальной и не танцевальной гармоникой естественным образом. То же самое касается разговорного чтения и пения, хотя они будут постепенно отделяться, пока они не будут очень далеко.

    Он основан на риторических жестах, чтобы особенно эмоционально поддержать слова текста. Руки двигаются очень декоративно. Движения тела обычно имеют небольшую амплитуду, так как они предназначены для выполнения с большими предметами одежды, которые увеличивают их. Средняя точка ступней, в отличие от классического танца, является низкой, и «открытое» положение ступней и ног составляет 90 ° вместо идеальных 180 ° по отношению к классическим. Поездки всегда впереди или сзади, а не вбок.

    Музыка и танцы
    Барочная музыка и танцы использовались для обозначения стиля музыки, сочетающегося с периодом искусства барокко. Первым использованием термина «барокко» для музыки была критика. В анонимном сатирическом обзоре премьеры «Ипполита и Ариси» Рамо в октябре 1733 года, напечатанном в «Меркурий де Франс» в мае 1734 года, критик подразумевал, что новшество в этой опере было «дю барокко», жалуясь на то, что в музыке не хватает связной мелодии. Он был полон нескончаемых диссонансов, постоянно менял ключ и метр и быстро пробежал через все композиционные устройства. Жан-Жак Руссо, музыкант и известный композитор, а также философ, сделал очень похожее наблюдение в 1768 году в знаменитой энциклопедии Дени Дидро: «Барочная музыка – это та, в которой гармония перепутана и наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, движение ограничено. Похоже, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками ».

    Обычное употребление этого термина в музыке того периода началось только в 1919 году Куртом Саксом, и только в 1940 году его впервые использовали на английском языке в статье, опубликованной Манфредом Букофзером.

    Барокко было периодом музыкальных экспериментов и инноваций. Были изобретены новые формы, в том числе концерт и симфония. Опера родилась в Италии в конце 16-го века (с утраченным Дафном Якопо Пери, произведенным во Флоренции в 1598 году) и вскоре распространилась по всей Европе: Людовик XIV создал первую Королевскую академию музыки. В 1669 году поэт Пьер Перрен открыл оперную академию в Париже, первый оперный театр во Франции, открытый для публики, и представил премьеру «Помоне», первой великой оперы на французском языке, с музыкой Роберта Камбера, пятью актами, сложной сценической техникой и балетом. Генрих Шютц в Германии, Жан-Батист Люлли во Франции и Генри Перселл в Англии – все они помогли установить свои национальные традиции в 17 веке.

    Классический балет также возник в эпоху барокко. Стиль придворного танца был привезен во Францию ​​Марией Медичи, и вначале сами члены суда были танцовщицами. Сам Людовик XIV выступал публично в нескольких балетах. В марте 1662 года король основал Академию королевских искусств. Это была первая профессиональная танцевальная школа и труппа, которая установила стандарты и словарный запас для балета по всей Европе.

    Несколько новых инструментов, в том числе фортепиано, были введены в этот период. Изобретение пианино приписывают Бартоломео Кристофори (1655–1731) из Падуи, Италия, который был нанят Фердинандо де Медичи, великим принцем Тосканы, Хранителем Инструментов. Кристофоры назвал инструмент un cimbalo di cipresso di piano e forte («клавиатура кипариса с мягким и громким звуком»), сокращённое со временем как фортепиано, фортепьяно, а позже, просто, фортепиано.

    классификация

    Английский кантри-танец
    Большинство сохранившихся хореографий того периода – это танцы английских кантри, такие как во многих изданиях Playford’s The Dancing Master. Плейфорд только дает образцы пола танцев, без указания шагов. Однако другие источники того периода, такие как труды французских мастеров танца Фейе и Лорин, указывают на то, что по крайней мере в некоторых случаях использовались ступени, более сложные, чем простая ходьба.

    Английский кантри-танец сохранился далеко за пределы эпохи барокко и в конечном итоге распространился в различных формах по всей Европе и ее колониям, а также на все уровни общества.

    Французский Благородный стиль
    Великие нововведения в танце в 17 веке возникли при французском дворе при Людовике XIV, и именно здесь мы видим первого явного стилистического предка классического балета. Эта же базовая методика использовалась как на общественных мероприятиях, так и в качестве театрального танца в придворных балетах и ​​в общественных театрах. Стиль танца обычно известен современным ученым как французский благородный стиль или belle danse (французский, буквально «красивый танец»), однако его часто называют барочным танцем, несмотря на существование других театральных и социальных танцевальных стилей в эпоху барокко.

    Первоисточники включают в себя более трехсот хореографий в нотах Бошана-Фейе, а также руководства Рауля Оже Фейе и Пьера Рамо во Франции, Келлом Томлинсона и Джона Уивера в Англии и Готфрида Таубера в Германии (т. Е. Лейпциг, Саксония). Это богатство доказательств позволило современным ученым и танцорам воссоздать стиль, хотя области противоречия все еще существуют. Стандартное современное введение – Hilton.

    Англичане, работающие во французском стиле, добавили в этот список свою собственную рупорную трубу.

    Многие из этих типов танцев знакомы по барочной музыке, возможно, наиболее эффектно в стилизованных сюитах Дж. С. Баха. Отметим, однако, что аллеманды, встречающиеся в этих люксах, не соответствуют французскому танцу того же периода.

    Театральный танец
    Французский благородный стиль танцевался как на общественных мероприятиях, так и профессиональными танцорами в театральных постановках, таких как оперные балеты и придворные развлечения. Однако в театральном танце 18-го века было как минимум два других стиля: комический или гротескный и полусерьезный.

    Другие социальные стили танца
    Другие танцевальные стили, такие как итальянские и испанские танцы того периода, гораздо менее изучены, чем английский кантри или французский стиль. Общая картина, по-видимому, такова, что в течение большей части 17-го века стиль позднего ренессансного танца был широко распространен, но с течением времени французские бальные танцы, такие как менуэт, получили широкое распространение на модных кортах. Помимо этого, эволюция и взаимообогащение танцевальных стилей является областью постоянных исследований.

    Современные реконструкции
    Возрождение музыки барокко в 1960-х и 70-х годах вызвало новый интерес к танцевальным стилям 17 и 18 веков. В то время как приблизительно 300 из этих танцев были сохранены в примечании Beauchamp-Feuillet, только в середине 20-ого столетия, что серьезная ученость начала в расшифровке примечания и реконструкции танцев.

    Возможно, самым известным среди этих пионеров был британский Мелузин Вуд, который опубликовал несколько книг по историческим танцам в 1950-х годах. Вуд передала свои исследования своей ученице Белинде Кирей, а также балерине из Павловской компании и хореографу Мэри Скипинг (1902–1984). Последняя стала известной благодаря ее реконструкции балетов в стиле барокко для лондонской компании «Балет для всех» в 1960-х годах.

    Ведущими фигурами второго поколения исторических танцевальных исследований являются Ширли Уинн и ее ансамбль танца в стиле барокко, основанный в Университете штата Огайо в начале 1970-х годов, и Венди Хилтон (1931–2002), студентка Белинды Кирей, которая дополнила работу Мелузин Вуд со своими исследованиями первоисточников. Уроженка Великобритании, Хилтон приехала в США в 1969 году, присоединившись к факультету Джульярдской школы в 1972 году и основав в 1974 году в Стэнфордском университете собственную мастерскую по танцам в стиле барокко, которая длилась более 25 лет.

    Кэтрин Туроши (около 1950 г.р.) начала учиться танцу в стиле барокко в 1971 году, когда училась у историка танца Ширли Уинн. Она основала The New York Baro Dance Company в 1976 году с Энн Джейкоби, и с тех пор она гастролировала по всему миру. В 1982/83 году в рамках французского национального празднования 300-летия Жана Филиппа Рамо, Turocy поставил первый спектакль «Les Boréades» Жана-Филиппа Рамо – он никогда не был исполнен при жизни композитора. Этот француз поддержал производство с Джоном Элиотом Гардинером, дирижером, и его оркестр был направлен Жаном Луи Мартиноти. Turocy был отмечен как Chevalier в Ордене Искусств и Летров французским правительством.

    В 1973 году французский историк танца Франсин Ланселот (1929–2003) начала свои формальные исследования в области этномузыкологии, которые впоследствии привели ее к исследованию французских традиционных форм танца и в конечном итоге танцев эпохи Возрождения и барокко. В 1980 году по приглашению министра культуры Франции она основала танцевальную компанию в стиле барокко “Ris et Danceries”. Ее работа по постановке вехой в 1986 году знаменитого романа Люси «Трагедия 1676 года» была частью национального празднования 300-й годовщины смерти Люлли. Это производство продвинуло карьеру Уильяма Кристи и его ансамбля Les Arts Florissants. С тех пор, как компания Ris et Danseries была распущена примерно в 1993 году, хореографы этой компании продолжили свою работу. Беатрис Массин с ее «Compagnie Fetes Galantes», вместе с Мари Женевьев Масс и ее компанией «L’Eventail» являются одними из самых выдающихся. В 1995 году был опубликован каталог французских танцовщиц под названием La Belle Dance.

    Поделиться ссылкой:

    • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
    • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

    Барочная архитектура – HiSoUR История культуры

    Архитектура в стиле барокко – это стиль здания эпохи барокко, начатый в Италии конца 16-го века, который взял римский словарь архитектуры эпохи Возрождения и использовал его в новой риторической и театральной моде, часто для того, чтобы выразить триумф католической церкви. Он характеризовался новыми исследованиями формы, света и тени и драматической интенсивностью. Общие черты барочной архитектуры включали в себя гигантизм пропорций; большое открытое центральное пространство, где каждый мог увидеть алтарь; скручивающие колонны, театральные эффекты, в том числе свет, исходящий из купола сверху; драматические эффекты интерьера, созданные бронзой и позолотой; скопления скульптурных ангелов и других фигур высоко над головой; и широкое использование trompe-l’oeil, также называемое «квадратура», с нарисованными архитектурными деталями и рисунками на стенах и потолке, чтобы увеличить драматический и театральный эффект.

    В то время как эпоха Возрождения основывалась на богатстве и силе итальянских судов и представляла собой смесь светских и религиозных сил, барокко, по крайней мере, первоначально было связано с контрреформацией, движение внутри католической церкви, чтобы реформировать себя в ответ к протестантской реформации. Барочная архитектура и ее украшения были, с одной стороны, более доступными для эмоций, а с другой стороны, явным заявлением о богатстве и могуществе Католической Церкви. Новый стиль проявлялся, в частности, в контексте новых религиозных орденов, таких как театины и иезуиты, которые стремились улучшить народное благочестие.

    Архитектуру Высокого римского барокко можно отнести к папским царствам Урбана VIII, Иннокентия X и Александра VII, простирающихся с 1623 по 1667 год. Три главных архитектора этого периода были скульптор Джанлоренцо Бернини, Франческо Борромини и художник Пьетро да Кортона, и каждый из них разработал свое собственное индивидуальное архитектурное выражение.

    Распространение архитектуры барокко к югу от Италии привело к региональным вариациям, таким как архитектура сицилийского барокко или неаполь и Лечче. На севере, архитектор Театине Камилло-Гуарино Гуарини, Бернардо Виттоне и сицилийский родился Филиппо Джуварра, внося барочные здания в город Турин и Пьемонт.

    Синтез архитектуры Бернини, Борромини и Кортона можно увидеть в архитектуре позднего барокко Северной Европы, которая проложила путь к более декоративному стилю рококо.

    К середине XVII века стиль барокко нашел свое светское выражение в виде великих дворцов, сначала во Франции – с Шато-де-Мэзон (1642 г.) под Парижем Франсуа Мансарта, а затем по всей Европе.

    В XVII веке архитектура барокко распространилась по Европе и Латинской Америке, где особенно поощрялись иезуиты.

    Прекурсоры и особенности архитектуры барокко
    Позже римские здания Микеланджело, особенно базилика Святого Петра, можно считать прекурсорами архитектуры барокко. Его ученик Джакомо делла Порта продолжил эту работу в Риме, особенно на фасаде иезуитской церкви Il Gesù, которая ведет непосредственно к самому важному фасад церкви раннего барокко Санта-Сусанны (1603 г.) Карло Мадерно.

    Отличительные особенности архитектуры барокко могут включать:

    в церквях, более широких нефах, а иногда и овальных формах
    фрагментарные или преднамеренно неполные архитектурные элементы
    драматическое использование света; либо сильные контрасты света и тени (эффекты светотени), как в церкви аббатства Вельтенбург, или равномерное освещение с помощью нескольких окон (например, церковь аббатства Вайнгартен)
    (путти или фигуры из дерева (часто позолоченные), штукатурка или штукатурка, мраморная или искусственная отделка)
    широкоформатные потолочные фрески
    внешний фасад, часто характеризующийся драматической центральной проекцией
    интерьер – это раковина для живописи, скульптуры и штукатурки (особенно в позднем барокко)
    иллюзорные эффекты, такие как trompe l’oeil (техника искусства, включающая чрезвычайно реалистичные образы, чтобы создать оптическую иллюзию того, что изображаемые объекты появляются в трех измерениях) и смешение живописи и архитектуры
    грушевидные купола в баварском, чешском, польском и украинском барокко
    Колонны Мариан и Святой Троицы, воздвигнутые в католических странах, часто в благодарении за прекращение чумы
    Барокко и колониализм

    Хотя тенденция заключалась в том, чтобы увидеть архитектуру барокко как европейское явление, она совпала с интеграцией европейского колониализма и была полностью интегрирована в нее. Колониализм требовал развития централизованных и могущественных правительств с Испанией и Францией, первым движется в этом направлении. Колониализм принес огромные богатства не только из серебра, добытого на шахтах в Боливии, Мексике и в других местах, но и в результате торговли товарами, такими как сахар и табак. Необходимость контролировать торговые пути, монополии и рабство, которые прежде всего находились в руках французов в 17 веке, создала почти бесконечный цикл войн между колониальными державами: французскими религиозными войнами, тридцатилетней войной (1618 г.) и 1648), Франко-испанская война (1653), Франко-голландская война (1672-1678) и т. д. Первоначальное бесхозяйство колониального богатства испанцами обанкротило их в XVI веке (1557 и 1560 гг.), Выздоравливая лишь медленно в следующем столетии. Это объясняет, почему стиль барокко, хотя и с энтузиазмом развивался во всей Испанской империи, был в значительной степени, в Испании, архитектурой поверхностей и фасадов, в отличие от Франции и Австрии, где мы видим строительство многочисленных огромных дворцов и монастырей. В отличие от Испании французы под руководством Жан-Батиста Кольбера (1619-1683), министра финансов, начали индустриализировать свою экономику и, таким образом, смогли стать, по крайней мере, по крайней мере, благодетелями потока богатства , В то время как это было хорошо для строительных отраслей и искусств, новое богатство создавало инфляцию, подобные которой никогда не испытывали раньше. Рим был известен так же, как и для его новых роскошных церквей, как для его бродяг.

    Италия
    Ряд церковных зданий эпохи барокко в Риме имели планы, основанные на итальянской парадигме базилики со скрещенным куполом и нефом, но обработка архитектуры сильно отличалась от того, что было сделано ранее. Одной из первых римских структур, разрушающих маньеристские условности, приведенные в Gesù, была церковь Санта-Сусанны, спроектированная Карло Мадерно. Динамический ритм колонн и пилястр, центральное массирование, выступы и конденсированное центральное украшение усложняют структуру. Существует зарождающаяся игра с правилами классического дизайна, но она по-прежнему сохраняет строгость.

    То же самое касается пластичности, массирования, драматических эффектов и тени и света, видно в архитектурной работе Пьетро да Кортона, иллюстрированной его дизайном Санти Лука и Мартина (строительство началось в 1635 году) с тем, что было, вероятно, первым изогнутым фасадом в стиле барокко в Риме. Эти проблемы еще более очевидны в его переделке Санта Мария делла Пейс (1656-68). Фасад с полуокупоренными портиками и вогнутыми боковыми крыльями, очень напоминает театральную сцену и фасадные проекты в церкви, так что она по существу заполняет крошечную трапециевидную площадь. Другие римские ансамбли эпохи барокко и позднего барокко также наполнены театральностью и, как городские театры, обеспечивают точки сосредоточения в своей местности в окружающем городском пейзаже.

    Вероятно, самым известным примером такого подхода является площадь Святого Петра, которую похвалили как мастер-класс театра в стиле барокко. Пьяцца, спроектированная Джианом Лоренцо Бернини, образована главным образом двумя колоннадами свободных колонн, сосредоточенных на египетском обелиске. Собственный любимый дизайн Бернини был его овальной церковью Сант’Андреа аль-Квиринале, украшенной мрамором из полихома и богато украшенным золотым куполом. Его светская архитектура включала Палаццо Барберини, основанную на планах Мадерно и Палаццо Чиги-Одескальчи (1664), как в Риме.

    Конкуренты Бернини, архитектор Франческо Борромини, разработали конструкции, которые резко отклонились от обычных композиций древнего мира и эпохи Возрождения. Его планы строительства были основаны на сложных геометрических фигурах, его архитектурные формы были необычными и изобретательными, и он использовал многослойную символику в своих архитектурных проектах. Архитектурные пространства Borromini, кажется, расширяются и сжимаются, когда это необходимо, демонстрируя некоторую близость к позднему стилю Микеланджело. Его культовый шедевр – это уменьшительная церковь Сан-Карло-аль-Кватро Фонтане, отличающаяся сложной планировкой, которая частично овальная и частично крестная, и поэтому имеет сложные выпуклые вогнутые ритмы стены. Более поздняя работа, церковь Сант’Иво алла Сапиенца, демонстрирует ту же игривую изобретательность и антипатию к плоской поверхности, которую олицетворяет необычный фонарь «штопора» над куполом.

    После смерти Бернини в 1680 году Карло Фонтана стал самым влиятельным архитектором, работающим в Риме. Его ранний стиль иллюстрируется слегка вогнутым фасадом Сан-Марчелло-аль-Корсо. Академический подход Фонтана, хотя и не обладал ослепительной изобретательностью его римских предшественников, оказал существенное влияние на архитектуру барокко как благодаря его плодовитым писаниям, так и через нескольких архитекторов, которые он обучил, которые будут распространять барочные идиомы на протяжении всей Европы 18-го века.

    В XVIII веке столица европейского архитектурного мира перешла из Рима в Париж. Итальянский рококо, который процветал в Риме с 1720-х годов, был глубоко под влиянием идей Борромини. Самые талантливые архитекторы, действующие в Риме-Франческо де Санктис (Испанская лестница, 1723) и Филиппо Рагудзини (Пьяцца Сант’Игнацио, 1727), мало влияли за пределами своей родной страны, как и многочисленные практикующие сицилийского барокко, в том числе Джованни Баттиста Вакарини , Андреа Пальма и Джузеппе Венанцио Марвулья.

    Последним этапом архитектуры барокко в Италии является дворец Казерты Луиджи Ванвители, по общему мнению, крупнейшее здание, построенное в Европе в 18 веке. Задолженность перед современными французскими и испанскими моделями, дворец умело связан с ландшафтом. В Неаполе и Казерте Ванвители практиковал трезвый и классицистический академический стиль, с равным вниманием к эстетике и технике, стиль, который бы облегчил переход к неоклассицизму.

    Северная Италия
    На севере Италии монархи из Дома Савой были особенно восприимчивы к новому стилю. Они использовали блестящую триаду архитекторов – Гуарино Гуарини, Филиппо Джуварру и Бернардо Виттоне – для иллюстрации грандиозных политических амбиций и вновь обретенного королевского статуса их династии.

    Гуарини был монахом-перипетиком, который объединил множество традиций (в том числе и готической архитектуры), чтобы создать нерегулярные структуры, отличающиеся своими овальными колоннами и нетрадиционными фасадами. Основываясь на выводах современной геометрии и стереометрии, Гуарини разработал концепцию архитектурной дисциплины, которая аппроксимировала стиль Борромини как в теоретической, так и в структурной смелости. Palazzo Carignano (1679) Guarini, возможно, был самым ярким применением стиля барокко к дизайну частного дома в 17 веке.

    Жидкие формы, невесомые детали и воздушные перспективы архитектуры Юварры предвосхитили искусство рококо. Хотя его практика варьировалась далеко за пределами Турина, самые захватывающие проекты Юварры были созданы для Сардинии Виктора Амадеуса II. Визуальное воздействие его Базилики ди Superga (1717) происходит от его стремительной линии крыши и мастерски расположенного на холме над Турином. Деревенская атмосфера поощряла более свободную артикуляцию архитектурной формы в королевском охотничьем домике Палаццины ди Ступиниги (1729). Juvarra закончил свою короткую, но насыщенную событиями карьеру в Мадриде, где он работал над королевскими дворцами в Ла Гранхе и Аранхуэсе.

    Среди тех, кто был глубоко под влиянием блеска и разнообразия Юварры и Гуарини, никто не был более важен, чем Бернардо Виттоне. Этот Пьемонтский архитектор запомнился обнажением ярких церквей рококо, quatrefoil в плане и тонкой детализацией. Его изощренные конструкции часто показывают несколько сводов, структуры внутри структур и куполов внутри куполов.

    Мальта
    Стиль барокко был представлен на Мальте в начале 17 века, возможно, болонским архитектором и инженером Бонтадино де Бонтадини, который отвечал за строительство Акведука Вигнакура между 1612 и 1615 годами. Самые ранние барочные сооружения на Мальте были декоративными элементами внутри акведук, такой как арка Вигнакурта и несколько фонтанов.

    Архитектура барокко стала популярной после того, как Франческо Бунамики создал церковь иезуитов в Валлетте в 1635 году. В последующие десятилетия в этом стиле были построены или перестроены многие церкви, общественные здания, городские ворота, дворцы и другие сооружения. Новые церкви были построены в стиле барокко, а более старые были перестроены или отремонтированы. Примеры включают интерьер собора Собора Святого Иоанна, который был полностью переделан Маттией Прети в 1660-х годах и церковь Девы Марии Победы, у которой был отреставрирован ее фасад в 1752 году.

    Архитектор Лоренцо Гафа проектировал множество барочных церквей между 1660-ми и 17-ми годами, в том числе церковь Св. Лаврентия в Биргу (1681-97), Собор Святого Павла в Мдине (1696-1705) и Успенский собор в Виктории, Гозо (1697-1711).

    Самое монументальное здание в стиле барокко на Мальте – это Auberge de Castille, которое было перестроено в 1741-45 годах Андреа Белли. Другие примеры светской архитектуры барокко на Мальте включают в себя хостел де Верделин (около 1650-х годов), части Форт-Маноэль (1723-33), ворота Мдина (1724 г.) и Кастельяния (1757-60).

    Стиль барокко оставался популярным на Мальте до конца 18-го и начала 19-го века, когда был введен неоклассический стиль. Однако традиционная мальтийская архитектура продолжала оказывать значительное влияние барокко.

    Испания
    По мере того, как влияние итальянского барокко проникало через Пиренеи, они постепенно вытесняли популярность сдержанным классицистическим подходом Хуана де Эрреры, который был в моде с конца 16 века. Еще в 1667 году фасад собора Гранады (Алонсо Кано) и собор Хаэн (Эуфрасио Лопес де Рохас) свидетельствуют о том, что художники не понимают, как интерпретировать традиционные мотивы архитектуры испанского собора в эстетическом идиоте барокко.

    В отличие от искусства Северной Европы, испанское искусство того периода обращалось к эмоциям, а не к удовлетворению интеллекта. Семья Churriguera, которая специализировалась на проектировании алтарей и произведений, восстала против трезвости классического геррреска и способствовала запутанному, преувеличенному, почти капризному стилю украшения поверхности, известному как Churrigueresque. В течение полувека они превратили Саламанку в образцовый город Churrigueresque. Среди основных моментов стиля интерьеры Гранады Гранады предлагают одни из самых впечатляющих сочетаний пространства и света в Европе 18-го века. Интеграция скульптуры и архитектуры еще более радикально, Нарцисо Томе добился поразительных эффектов светотени в своем «Прозрачном» для Толедского собора.

    Развитие стиля прошло через три этапа. Между 1680 и 1720 годами Churriguera популяризировал смесь Гуарини из колоний Соломонов и композитный порядок, известный как «высший порядок». В период с 1720 по 1760 год в качестве центрального элемента декоративной отделки была установлена ​​колонна Churrigueresque или эстипит в форме перевернутого конуса или обелиска. В период с 1760 по 1780 годы наблюдался постепенный сдвиг интереса от скрученного движения и чрезмерного орнамента в сторону неоклассического баланса и трезвости.

    Два из самых привлекательных произведений испанского барокко – энергичные фасады Университета Вальядолида (Диего Томе, 1716-1718) и Большого де Сан Фернандо в Мадриде (Педро де Рибера, 1722), чья криволинейная экстравагантность, похоже, гласит Антонио Гауди и модерн. В этом случае, как и во многих других, дизайн включает в себя игру тектонических и декоративных элементов, мало относящихся к структуре и функции. Фокус флористического орнамента – это тщательно скульптурное окружение к главному проходу. Если мы удалим сложный лабиринт сломанных фронтонов, волнообразных карнизов, штукатурных снарядов, перевернутых конусов и гирлянды с довольно простой стены, они будут противопоставлены, форма здания не будет затронута ни малейшей.

    Испанская Америка и территории
    Сочетание декоративных влияний коренных американцев и мавританцев с чрезвычайно выразительной интерпретацией чургригерской идиомы может объяснять насыщенный и разнообразный характер барокко в американских колониях Испании. Даже больше, чем его испанский коллега, американское барокко развивалось как стиль декоративной штукатурки. Двухэтажные фасады многих американских соборов XVII века имели средневековые корни, а полноценный барокко не появлялся до 1664 года, когда была построена иезуитская святыня на площади Пласа-де-Армас в Куско. Даже тогда новый стиль едва ли повлиял на структуру церквей.

    На севере, самой богатой провинцией Новой Испании-Мексики 18-го века, появилась фантастически экстравагантная и визуально безумная архитектура, известная как мексиканская Churrigueresque. Этот ультра-барочный подход завершается в работах Лоренцо Родригеса, шедевром которого является Саграрио Метрополитано в Мехико. Другие прекрасные примеры стиля можно найти в отдаленных городах серебродобычи. Например, Святилище в Окотлане (начатое в 1745 году) – это первоклассный собор в стиле барокко, выложенный в ярко-красных плитках, которые восхитительно контрастируют с множеством сжатого орнамента, щедро наложенного на главный вход и тонкие фланговые башни.

    Настоящей столицей мексиканского барокко является Пуэбла, где готовые поставки керамики ручной работы (талавера) и народного серого камня привели к ее дальнейшему развитию в персонализированной и сильно локализованной форме искусства с ярко выраженным индийским вкусом. Есть около шестидесяти церквей, фасад и купола которых представляют собой глазурованные плитки многих цветов, часто оформленные по арабским образцам. Интерьеры густо насыщены изысканным орнаментом из золотых листьев. В 18-ом столетии местные ремесленники разработали отличительную марку белого лепного украшения под названием «alfenique» после конфеты Pueblan из яичных белков и сахара.

    Перуанское барокко было особенно щедрым, о чем свидетельствует монастырь Сан-Франциско в Лиме (1673 г.). В то время как сельское барокко блока иезуитов и Эстансия Кордовы в Кордове, Аргентина, последовали примеру Ил Гезу, провинциальные «метисы» (скрещенные) стили появились в Арекипе, Потоси и Ла-Пасе. В 18 веке архитекторы региона стали вдохновлять искусство средневековой Испании Мудехар. Перуанский фасад позднего барокко сначала появляется в церкви Богоматери Ла-Мерсед в Лиме. Аналогичным образом, церковь Ла-Компании в Кито предлагает резной алтарь с его богато скульптурным фасадом и пестрой спиралью salomónica.

    Барочное землетрясение – это стиль барочной архитектуры, найденный на Филиппинах, где в XVII и XVIII веках произошли разрушительные землетрясения, где в стиле барокко были перестроены крупные общественные здания, такие как церкви. Подобные события привели к архитектуре Pombaline в Лиссабоне после 1755 года Лиссабонского землетрясения и сицилийского барокко на Сицилии после землетрясения 1693 года.

    Португалия и португальская империя
    Дворец Брейхойра, яркий пример архитектуры северного португальского барокко

    Национальный дворец Мафра, жемчужина португальской барочной архитектуры

    Интерьер церкви Сан-Роке в Лиссабоне, Португалия, иллюстрирует богатую архитектуру в стиле барокко в часовенках, в том числе часовню Святого Иоанна Крестителя, украшенную золотом, самым дорогим в мире.

    Несмотря на расточительность чувственно богатого декоративного оформления, связанного с архитектурой барокко на Пиренейском полуострове, королевские дворы Мадрида и Лиссабона в целом предпочитали более трезвый архитектурный словарь, отобранный в Италии 17-го века. Королевские дворцы Мадрида, Ла Гранха, Аранхуэс и Мафра были спроектированы архитекторами под сильным влиянием Бернини и Джуварры. В царстве церковной архитектуры дизайн Гуарини для Санта-Мария-делла-Дивина-Провиденца в Лиссабоне был темпом для структурной смелости в регионе (хотя он никогда не строился).

    В Португалии первой полностью барочной церковью была церковь Санта-Англия, в Лиссабоне, спроектированная королевским архитектором Жоау Антунесом, который имеет греческий крестовый план и изогнутые фасады. Antunes также проектировал церкви, в которых внутреннее пространство прямоугольное, но с изогнутыми углами (например, Церковь Менино де Деус в Лиссабоне), схема, которая находится в нескольких церквях 18-го века в Португалии и Бразилии. С другой стороны, суд Иоанна V благоприятствовал моделям римского барокко, о чем свидетельствует работа королевского архитектора Людовича, немца, который спроектировал Королевский дворец Мафра, построенный после 1715 года.

    К середине 18-го века северные португальские архитекторы поглотили концепции итальянского барокко, чтобы насладиться пластичностью местного гранита в таких проектах, как растущий 75-метровый Torre dos Clérigos в Порту. Первым центром национальной традиции барокко был Брага, здания которого охватывают практически все важные особенности португальской архитектуры и дизайна. Барочные храмы и дворцы Браги отмечены полихромными орнаментами, волнообразными линиями крыши и окнами в форме неправильной формы.

    Бразильские архитекторы также исследовали пластичность в форме и украшении, хотя они редко превзошли своих континентальных сверстников в демонстрации. Церкви Марианы и Росарио в Ouro Preto основаны на видении Борромини взаимоблокирующих эллиптических пространств. В Сан-Педро-дос-Клеригосе, Ресифи), традиционный лепной-каменный фасад оживляется «с высокой прокруткой фронтона, плотно сжатого между башнями».

    Даже после того, как барочная конвенция вышла из моды в Европе, этот стиль был давно практикуется в Бразилии Алеядиньо, блестящим и плодовитым архитектором, в чьем дизайне можно было разглядеть намеки на рококо. Его церковь Bom Jesus de Matozinhos в Конгоньясе отличается живописным силуэтом и темными декоративными деталями на светлом лепнино-фасадном фасаде. Хотя Алехадиньо изначально было поручено спроектировать Сан-Франциско-де-Ассис в Сан-Жуан-дель-Рей, его проекты были отклонены и вместо этого были перемещены в церковь Сан-Франциско в Оуро-Прето.

    Королевство Венгрия
    В Королевстве Венгрии первым великим зданием в стиле барокко была иезуитская церковь Трнавы (сегодня в Словакии), построенная Пьетро Споццо в 1629-37 годах, моделирующая церковь Гесу в Риме. Иезуиты были главными пропагандистами нового стиля со своими церквями в Дьере (1634-1641), Кошице (1671-1684), Эгере (1731-1733) и Секешфехерваре (1745-1751). Реконструкция территорий, опустошенных Османской империей, была выполнена в стиле барокко в 18 веке. Непостоянные барочные городские пейзажи можно найти в Дьёр, Секешфехервар, Эгер, Веспрем, Эстергом и Замковый округ Буды. Важнейшими дворцами в стиле барокко в Венгрии были Королевский дворец в Буде, Дворец Грассальковича в Гёдолле и дворец Эстерхази в Фертёде. Меньшие барочные здания венгерской аристократии разбросаны по всей стране. Венгерское барокко показывает двойное влияние австрийских и итальянских художественных тенденций, так как в стране работали многие немецкие и итальянские архитекторы. Основными характеристиками местной версии стиля были скромность, отсутствие чрезмерного украшения и некоторый «сельский» вкус, особенно в работах местных мастеров. Важными архитекторами венгерского барокко были Андреас Майерхоффер, Игнац Орашек и Мартон Виттвер. Франц Антон Пилграм также работал в Королевстве Венгрии, например, в великом премонстратеньском монастыре в Ясове (сегодня в Словакии). В последние десятилетия XVIII века доминировали неоклассические тенденции. Два самых важных архитектора того периода были Мельхиор Хефеле и Якаб Феллнер.

    К тому времени венгерские разновидности барочной архитектуры появились с несколькими типами форм, форм и украшений. Те, кто стал знаменитым и красивым, были скопированы. Вот почему венгерские барочные здания создают группы, основанные на сходстве. Основными видами зданий являются: тип Eszterháza, тип Széchenyi, тип Gödöll type, религиозные (церковные) барокко, дома и другие (замки, крестьянские дома).

    Некоторые представительные барочные структуры в Румынии – это дворец Банфи в Клуже, дворец Брукенталь в Сибиу и епископский дворец в Орадее. Кроме того, почти в каждом трансильванском городе есть, по крайней мере, церковь в стиле барокко, большинство из которых – Георгиевский собор Тимишоары, церковь Св. Иоанна Крестителя Тыргу ​​Муреш, Свято-Троицкий собор Бладжа и Пиарская церковь в Клуже.

    Франция
    Центром светской архитектуры в стиле барокко была Франция, где открытое трехглавое расположение дворца было установлено как каноническое решение еще в XVI веке. Но именно Люксембургский дворец Саломон де Броссе определил трезвое и классифицирующее направление, которое займет французская архитектура барокко. Впервые корпус корпуса был выделен в качестве основной части здания, а боковые крылья считались иерархически низкими и соответственно уменьшались. Средневековая башня была полностью заменена центральной проекцией в виде монументального трехэтажного шлюза.

    Для того, чтобы охарактеризовать стиль Людовика XIII, сочетание Де Бросса традиционных французских элементов (например, высокие мансардные крыши и сложная линия крыши) с обширными цитатами из Италии (например, повсеместная рустикация, полученная из Palazzo Pitti во Флоренции). Вероятно, самым совершенным создателем новой манеры был Франсуа Мансар, неутомимый перфекционист, которому приписывали представление о полном барокко во Францию. В своем дизайне для Château de Maisons (1642) Мансар удалось сблизить академические и барочные подходы, продемонстрировав уважение к унаследованным готикой особенностям французской традиции.

    Château of Maisons демонстрирует продолжающийся переход от средневековых замков XVI века к виллам, подобным загородным домам 18-го. Структура строго симметричная, с порядком, применяемым к каждому этажу, в основном в форме пилястра. Передняя грань, увенчанная отдельной вздутой крышей, наполнена замечательной пластичностью, и ансамбль читается как трехмерное целое. Структуры Мансарта лишены раздутых декоративных эффектов, типичных для современного Рима. Итальянское влияние барокко приглушено и отнесено к области декоративного орнамента.

    Следующим шагом в развитии европейской жилой архитектуры было включение садов в состав дворца, примером которого является Vaux-le-Vicomte), где архитектор Луи Ле Вау, дизайнер Чарльз Ле Брун и садовник Андре Le Nôtre дополняли друг друга. Из главного карниза в низкий плинтус миниатюрный дворец одет в так называемый «колоссальный порядок», что делает структуру более впечатляющей. Творческое сотрудничество Le Vau и Le Nôtre ознаменовало появление «Великолепного манера», которое позволило расширить архитектуру барокко за стенами дворца и трансформировать окружающий ландшафт в безукоризненную мозаику экспансивных перспектив.

    Те же три художника изменили эту концепцию до монументальных пропорций в королевском охотничьем домике, а затем в главной резиденции в Версале. В гораздо более масштабном масштабе дворец представляет собой преувеличенную и несколько повторяющуюся версию Vaux-le-Vicomte. Это было как самое грандиозное, так и наиболее имитированное жилое здание 17 века. Мангейм, Нордкирхен и Дроттнингхольм были среди многих иностранных резиденций, для которых Версаль предоставил модель.

    Окончательное расширение Версаля возглавлял Жюль Хардуин-Мансарт, чей главный проект – «Дом инвалидов», который обычно считается самой важной французской церковью века. Хардуин-Мансарт получил прибыль от обучения своего дяди и планирует привить здание императорскому великолепию, беспрецедентному в странах к северу от Италии. Величественный полусферический купол уравновешивает энергичную вертикальную направленность орденов, которые не точно передают структуру интерьера. Младший архитектор не только оживил гармонию и равновесие, связанные с работой старшего Мансарта, но и задал тон французской архитектуре позднего барокко с ее большой тяжести и растущими уступками академизму.

    В царствование Людовика XV была реакция против официального стиля Людовика XIV в форме более тонкой и интимной манеры, известной как рококо. Стиль был впервые предложен Николя Пино, который сотрудничал с Хардуином-Мансартом в интерьерах королевского Шато-де-Марли. В дальнейшем, разработанном Пьером Ле Пауре и Юсте-Аурелом Мейссонье, «жанровая питторезка» завершилась в интерьерах Пети-Шато в Шантильи (1722 г.) и в отеле «Soubise» в Париже (1732 г.), где модный акцент на криволинейные вышли за все разумные меры, в то время как скульптура, картины, мебель и фарфор имели тенденцию заслонять архитектурные отделы интерьера.

    Поделиться ссылкой:

    • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
    • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
    • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

    Стиль барокко в современном интерьере

    Барокко – стилистическое направление, которое нельзя спутать ни с одним интерьерным жанром. Стиль барокко в интерьере – пышный, помпезный, вычурный, что полностью соответствует его называнию: barocco – «вычурный», «склонный к излишествам».

    В отличие от классицизма, барочный интерьер выставляет богатство напоказ, демонстрирует неумеренную роскошь, что прослеживается буквально в каждом элементе.

    Стиль барокко в современном интерьере: особенности и характерные черты


    В современной интерпретации барокко остается все таким же преувеличенным, эксцентричным. В нем все – «чересчур», но при этом непредсказуемый, экстравагантный стиль в целом вызывает положительное отношение.

    Визитка барочных пространств – золотистая лепнина на всех поверхностях. Дверные проемы, изголовья кроватей, рамы зеркал, корпуса мебели, колонны, портики, ниши, розетки на потолке – любая плоскость будет покрыта лепниной и сиять. При этом лепнина нередко контрастная, золоченая на белом, зеленом, бордовом фоне или белая – на красной, синей, золотой поверхности.

    Современный барочный интерьер тоже любит лепнину, но применяет ее дозированно, аккуратно.

    Отделка


    Великолепный барокко в чистом виде сейчас не используется, но сохранил основные черты. В первую очередь, это касается выбора отделочных материалов.

    Стены


    Венецианская штукатурка, живопись, деревянные панели – лишь часть материалов для оформления стен. Чудесно смотрятся стены, украшенные черно-белыми гравюрами, пейзажами, панорамами, стилизованными фресками.

    Обои в интерьере в стиле барокко также уместны, но только самые лучшие, текстильные или дорогие флоковые, с плотной основой и характерным бархатным узором.

    Потолок


    Потолок, продолжая помпезность стен, также может декорироваться яркими фресками, позолоченной лепниной, украшенными росписью сводами. В современном помещении допустимо и сдержанное однотонное окрашивание, и установка натяжных потолков с имитацией фрески.

    Пол


    Как и классицизм, барокко любит натуральные напольные материалы – мраморную плитку, керамическую плитку, натуральный наборный паркет. Допускается укладка ковров и ковровых покрытий с соответствующим узором, но они не должны закрывать всю площадь пола.

    Элементы стиля барокко в интерьере


    Мебель


    Типичная барочная мебель – лакированная, с бархатной обивкой, резьбой, позолотой, бахромой. Ножки и спинки мебели изогнуты. Столешницы инкрустируют вставками из натурального камня или перламутра, дополняют мозаикой. В спальне – массивная кровать с балдахином, в гостиной – золоченый шкаф с резьбой, в будуаре – изящный столик с прихотливым силуэтом. И непременно – большие зеркала в позолоченной раме.

    Текстиль


    Для обтяжки мягкой мебели используют самые дорогие материалы – жаккард, шелк, бархат.

    Шторы – гармонирующие с мебельной обивкой и обязательно длинные, струящиеся, с глубокими складками, стекающими на пол.

    Декор


    Чтобы расставить стилистические акценты, можно использовать безграничное количество декоративных элементов, безделушек, аксессуаров: фарфоровой и серебряной посуды, вазочек, статуэток, бюстов, шкатулок, канделябров.

    Палитра


    Цветовая гамма в барокко – громкая, интенсивная, с выразительными переходами светлых и темных красок (малиновой, бордовой, шоколадной, синей). Контраст – главная черта в палитре этого стиля, но фаворитом остаются все оттенки золотого.

    Разумеется, воплотить барокко невероятно сложно. Если не продумать композицию, комната превратится в филиал музея или склад исторической мебели. Дизайнеры ОРТГРАФ предложат неординарную концепцию барочного интерьера в современном звучании.

    Стиль барокко в интерьере: фото, идеи, решения


    в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе

    В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века.

    Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.

    Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал: чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.

    Значение термина

    Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.

    В списке представлены примеры толкований термина:

    • Название относится к фигуральному искусству
    • Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
    • Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
    • Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
    • Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
    • Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
    • Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
    • Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
    • Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)

    Рим – родина барокко

    Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.

    В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.

    Роль церкви. Контрреформация

    Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.

    Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.

    Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).

    История развития стиля

    Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:

    1. Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
    2. Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.

    Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.

    Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).

    Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).

    Особенности стиля

    Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.
    Характерные черты стиля в архитектуре:

    • монументальность;
    • пространственный размах;
    • сложный криволинейный план;
    • использование светотени, колоннад, куполов;
    • массивные парадные лестницы;
    • подчёркнутое величие церкви;
    • великолепие.

    Итальянская барочная скульптура

    Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
    Характерные черты стиля:

    • театральность;
    • изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
    • использование белого мрамора;
    • возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
    • слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
    • изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.

    Живопись

    Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
    Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
    Особенности барочной живописи:

    • динамизм композиций;
    • незаурядность сюжетов;
    • драматический конфликт;
    • использование аллегории;
    • контраст цвета, тени, масштабов;
    • парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
    • пышность форм.

    Человек эпохи

    Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.

    Барокко в искусстве

    Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.

    Архитектура

    Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.

    Франческо Борромини (1599 − 1667)

    Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

    В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.

    Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).

    За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.

    Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).

    Филиппо Юварра (1678 − 1736).

    Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).

    Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).

    Собор Суперга

    Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.

    Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).

    Палаццо Бираго ди Боргаро

    В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.

    Пирро Лигорио

    Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).

    В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».

    Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).

    Скульптура

    В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».

    Джованни Лоренцо Бернини

    Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.

    Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.

    В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.

    Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).

    Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».

    Давид

    Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).

    Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.

    Римские фонтаны

    Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.

    Фонтан Тритона

    Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.

    Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.

    Фонтан пчёл

    В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.

    По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.

    Фонтан четырёх рек

    Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.

    Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.

    Барокко в живописи

    В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:

    1. «Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
    2. Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.

    Микеланджело Меризи да Караваджо

    Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.

    Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).

    Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.

    Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.

    Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).

    Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.

    Советую почитать:

    Фрески семьи Карраччи

    Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).

    Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.

    Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).

    Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.

    Литература

    Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
    • Аристократическое, элитарное барокко.
    • «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.

    Джамбаттиста Марино

    Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).

    Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.

    Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.

    Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.

    Эмануэле Тезауро

    Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.

    Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.

    Музыка

    Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.

    Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.

    Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
    Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.

    Грегорио Аллегри

    Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.

    В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео

    Сальватор Роза

    Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».

    Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.

    Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).

    Мода

    В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.

    Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.

    Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.

    Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.

    Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.

    Заключение

    Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.

    Культура эпохи барокко: барочный менталитет и барочное мышление

    Барокко не только архитектурный стиль, даже не только новый принцип в искусстве.  Это целая эпоха в истории нравов, понятий и отношений, феномен не только эстетический, но и психологический. У барокко были не только свои церкви и дворцы, у него были свои люди, своя жизнь. (П.П.Муратов)

    Жизнь в эпоху барокко

    Да, жизнь в эпоху Барокко действительно протекала иначе, чем сейчас. Вряд ли сегодня можно встретить дам, гуляющих в длинных платьях с огромным количеством нижних юбок, держащихся на каркасе из китового уса, утянутых корсетами и с мертвенно бледной кожей или джентльменов с вычурными напудренными париками, сражающихся на шпагах. Однако черты смутного, сумасбродного, нестабильного, гипердинамичного века необычайно близки по духу нашему времени.

    Что такое Барокко? Основные черты

    Термин «Барокко» образован от итальянского «barocco», что в переводе на русский означает «порочный» и «склонный к излишествам». Также существует иное значение — «жемчужина неправильной формы». И действительно все эти черты можно найти в барочной эстетике. Например, храм, оформленный в этом стиле, можно узнать за версту: он буквально лоснится лепниной и всяческими золотыми орнаментами, хитросплетениями статуй и символов, цветов и животных. В таком здании всегда есть что-то от напыщенного, важного, но очень красивого свадебного торта. Стремление к шику не отнять у Барокко, ведь за счет него люди хотели отрешиться от реальности, забыть об убогости окружающего мира и прильнуть к божественно идеальной красоте.

    Барокко получило свое распространение в XVII веке, когда Европа разрывалась от противостояния феодализма и капитализма. Противоборство религиозной и светской властей тоже добавляли масла в огонь, причем, огонь инквизиции. Именно поэтому мрачные образы мученичества, религиозного экстаза, тления и смерти стали так популярны в народе. Отражение этих настроений можно заметить в моде: женщины предпочитали придавать лицу могильную бледность, а губам — цвет запекшейся крови. В их гардеробе преобладали темные цвета и неправдоподобно узкие корсажи, которые создавали эффект  призрачности и нереальности всего облика. С демоническим внешним видом соседствовало стремление приблизиться к духовной экзальтации праведника, то есть полностью абстрагироваться от бренного бытия и мыслью возвыситься над суетой сует. Возможно, именно потому и пришла мода на противоестественную худобу: дворяне хотели выглядеть как Святой Антоний в костюме графа Дракулы.

    Религиозная экзальтация людей эпохи барокко носила и чисто утилитарный характер: многие полагали, что разгул чумы предвещает Второе пришествие или что-то вроде кары, насланной на головы, так и не посыпанные пеплом. Поэтому Барокко больше проявило себя именно в религиозном искусстве, например, барочную архитектуру можно найти и в России, причем в большом объеме.

    Что такое Барочное мышление?

    Барокко продолжало традиции Ренессанса, хотя и отрицало связь с ним по многим параметрам. В отличие от жизнеутверждающего и антропоцентричного Возрождения, новое направление обозначило сущностные противоречия между человеком и природой, человеком и обществом, наконец, человеком и законами мироздания. Таким образом, у общества того времени зародилось иное «Барочное мышление», отмеченное напряженным драматизмом. Доселе целостная личность была расколота, теперь она осознавала, что находится между бытием и небытием, в полной неопределенности относительно своего места в мире. Если человек ренессансного типа мышления верил в богоподобие индивида, то пришедший ему на смену сомневался, ничтожен или же велик он на самом деле? Противоречивый характер нового типа мысли, возможно, и есть объяснение сложности его декоративных элементов.

    Другим следствием противоречивости является повышенная эмоциональность мироощущения нового человека с барочным типом мышления. На первый план в искусстве познания выходит интуиция, а вовсе не рационализм. Личность постигает мир на уровне чувства, а не разума. Люди барочного типа, в частности, полагали, что нельзя ограничить фантазию художника рамками и принципами, он должен творить свободно. На отрицании этой концепции построится противоположный барокко классицизм.

    Стиль Барокко в скульптуре

    Скульптура — род искусства, который пропитался Барокко особенно сильно. Например, итальянец Лоренцо Бернини творил именно в этом стиле, и многие его работы расскажут о барочном мышлении больше теоретиков. Весьма показательны и многогранны мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном, а также алтарная группа «Экстаз святой Терезы», расположенная и сохранившаяся во всем своем праздничном великолепии в одной из римских церквей. Последняя из них создает ощущение, будто камень стал облаком, — настолько четко передана воздушность неба. Одеяние персонажей тоже наполнено каменным воздухом истинного гения. Театрально выпяченные чувства, подобно возвышенному стилю этого текста, акцентируют внимание на том иррациональном понимании действительности, которое отличало художников той эпохи.

    Стиль Барокко в живописи

    Стиль барокко, воплощенный в полотнах, отличается динамизмом и напряженностью композиций, а также незаурядностью и сложностью сюжетов. Черты нарисованного Барокко — это яркая цветовая палитра и напряженный драматизм задумки. Яркими примерами является творчество Рубенса и Караваджо. Их картины наделены потрясающим пропорциональным чувством, каждый силуэт обретает объемность и композиционную завершенность.

    Что такое Барочный менталитет?

    Барочный менталитет – это особое мироощущение, которое можно лаконично описать фразой «пир во время чумы». Люди подобного склада мысли культивировали сладкие муки во имя видимости. Например, отчаянные модницы сковывали свои талии так, что потом не могли родить детей или же рожали мертвых младенцев. Прически эпохи Барокко тоже лишь рассыпали пыль в глаза, были преувеличенно и неправдоподобно красивыми, однако за кулисами этой яркой сцены модницы не мыли свои волосы месяцами, а то и годами. В целом, такая Прекрасная дама жила ради того, чтобы показать себя, устроить пиршество глазам во время чумы всего остального. Человек с барочным менталитетом жил одним днем: тратил целые состояния на роскошные одежды и помпезные приемы, а сам экономил на еде. Кроме того, на лице было принято изображать какую-то инфернальную мрачность (напудренные лица, красные помады, темно подведенные глаза), что вкупе с одеждой такого же вида рождало мистический, оторванный от реальности образ, больше напоминающий демона. Возможно, такое неестественное желание оторваться от земли было продиктовано не метафорической, а вполне реальной чумой, которая царствовала в те времена в Европе.

    Авторы: Елизавета Афиногенова и Марк Аврелий

    Интересно? Сохрани у себя на стенке!

    Искусство и архитектура барокко Обзор движения

    Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

    Художник: Питер Пауль Рубенс

    На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканской и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет. Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее.Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии в брак с королем Генрихом IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра. Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею.Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

    Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати. Беззастенчивая чувственность его полноразмерных обнаженных женщин также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками».«Как писал искусствовед Марк Хадсон:« Он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и твердый реализм Караваджо, соединив их в физически гигантском, чувственно перегруженном, торжествующем католическом искусстве ».

    Это было одно. из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году после убийства ее мужа Генриха IV, чтобы создать цикл, увековечивающий ее жизнь. Она также могла быть мотивирована изображать свое законное положение как напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранная» королева привела к изгнанию из двора в 1617 году.Рубенса, самого известного художника Северной Европы, привлекли к участию в комиссии, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, который он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план. Рассмотрим, например, , Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями.«

    Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес, и проинформировали последующих художников рококо, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на Дж. М. У. Тернера, Джона. Констебль и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, чувственность Рубенеска прочно и глубоко пронизывает западное искусство».

    Изучение богато украшенного искусства и архитектуры барокко

    ссылки.Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

    На протяжении 17-18 веков европейские художники и архитекторы перенимали все более сложный стиль. Этот подход, известный как Baroque , отличается изысканной, неповторимой эстетикой, которая пробуждает воздушность и направлена ​​на то, чтобы внушить благоговение.

    Сегодня период барокко остается одним из самых знаменитых культурных движений в истории западного искусства.Здесь мы рассмотрим этот яркий стиль, исследуя историю и эволюцию его яркого искусства и архитектуры.

    Каким был период барокко?

    Названный в честь barroco — португальский термин для обозначения жемчужины неправильной формы — период барокко определяется величием и богатством его искусства и архитектуры. Укоренившись в Риме, движение распространилось по Италии и другим европейским странам между 1600 и 1750 годами, став особенно популярным во Франции, Испании и Австрии.

    Николя Пуссен, «Вакханский пир перед статуей Пана» (ок. 1632–1633) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Каковы основные характеристики искусства барокко?

    Искусство и архитектура барокко, как правило, невероятно экстравагантны и демонстрируют движение , напряжение , эмоции и драматическое использование света и тени .

    Поскольку период барокко совпал с периодом итальянского Возрождения , неудивительно, что эти два механизма имели некоторое стилистическое сходство.Художники как барокко, так и эпохи Возрождения использовали реализм, богатый цвет и религиозные или мифологические сюжеты, в то время как архитекторы, работающие в обоих стилях, предпочитали баланс и симметрию. Однако то, что отличает стиль барокко от его аналога эпохи Возрождения, — это его щедрость — характерная черта, очевидная как в его искусстве, так и в архитектуре.

    Искусство барокко

    Живопись

    Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма .

    В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт , интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

    Караваджо, «Призвание святого Матфея» (ок. 1599 или 1600) (Фото: Ибиблио через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Рембрандт, «Ночной дозор» (1642 г.) (Фото: Государственный музей через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    художников барокко, таких как Джентилески , Пуссен и Рубенс , достигли обостренного чувства драмы через движение.Часто эта динамичная иконография была вдохновлена ​​сказками из Библии и историями из древней мифологии.

    Джентилески, «Давид и Голиаф» (ок. 1605–1607) (Фото: через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Помимо энергичных композиций, Рубенс запечатлел драматизм в своей богатой и сияющей цветовой палитре. «Рубенс избегал живописи так, что цвет впитывался. Светящаяся ясность его работ была доказательством превосходства его техники», — объясняет художник Макс Дорнер в книге «Материалы художника и их использование в живописи ».«В его цветах было столько яркости и связующей среды, что, как и в картинах Ван Эйка, они имели блеск, и их не нужно было покрывать лаком».

    Питер Пауль Рубенс, Самсон и Далила (ок. 1609–1610) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Скульптура

    Фигурные скульптуры из бронзы и мрамора, созданные в этот период, демонстрируют интерес к динамизму . Скульпторы, такие как Bernini , могли пробуждать движение за счет завихрения силуэтов, скрученных контуров и плавной драпировки.Добавленные элементы, такие как водные арматуры, часто усиливали этот театральный подход.

    Бернини, «Аполлон и Дафна» (1622–1625)

    Как статуи эпохи Возрождения, в том числе легендарный Давид Микеланджело Скульптуры в стиле барокко часто предназначались для украшения величественных зданий. Они также были заказаны для других грандиозных декораций, таких как позолоченные церковные интерьеры и королевские сады.

    Бернини, «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652)

    Шарль Лебрен, Фонтан Аполлона в садах Версаля (1668–1671)

    Архитектура барокко и дизайн интерьеров

    Интерьер

    Подобно искусству той эпохи, интерьеры в стиле барокко проявляли интерес к непомерному величию.Мебель и другие предметы декоративного искусства часто изображали , прокручивающуюся — узорчатый дизайн, напоминающий спиральную листву, — и другие элементы, вдохновленные миром природы. Точно так же путти — фигуры, похожие на купидона, — часто украшали гобелены и потолочные росписи.

    Интерьер церкви аббатства Херцогенбург, Нижняя Австрия (Фото: Uoaei1 через Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0 AT)

    Интерьер Schaezlerpalais, Аугсбург, Германия (Фото: Adam63 через Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

    Как и ожидалось, материалы, использованные для создания этих интерьеров, источали роскошь, о чем свидетельствует «богатая бархатная и дамасская мебель, а также мебель из позолоченного дерева и маркетри» (Музей Виктории и Альберта), которую часто можно найти внутри дворцов.

    Спальня дофина в Версальском дворце

    Экстерьер

    Архитектура барокко также отличается орнаментом. Часто фасады зданий в стиле барокко украшены сложной рельефной резьбой, позолоченными вставками и колоннами, а именно Соломоновы колонны , эстетика штопора которых была одобрена архитекторами от Испании до Австрии.

    Церковь Св. Карла, Вена (1737)

    Архитекторы по всей Европе также возглавили множество базилик, церквей и других зданий в стиле барокко с куполами . Помимо овальных куполов, которые возводились по всему континенту, предпочтительный стиль куполов обычно варьировался в зависимости от региона: луковичные купола преобладали в Центральной Европе, а луковичные купола оказались популярными в Германии.

    Прежде всего, архитектура барокко отдавала предпочтение балансу balance .

    Купол церкви Сантиссимо Ном ди Мария аль Форо Траяно, Рим (1736-1751)

    Наследие

    Хотя стиль барокко возник много веков назад, он остается одним из самых любимых направлений в истории искусства.Независимо от того, смотрите ли вы на бесценную коллекцию картин в Лувре или бросаете монету в популярный римский фонтан Треви , непреходящее наследие искусства и архитектуры барокко так же очевидно, как и его богатство.

    Никола Сальви, Фонтан Треви ‘(1732-1762) (Фото: Рой Фоккер через Wikimedia Commons, общественное достояние)

    Эта статья отредактирована и обновлена.

    Статьи по теме:

    Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

    Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры

    Великолепная архитектура Великого Антонио Гауди в стиле модерн

    15 самых известных скульптур, которые вам нужно знать

    Виктория и Альберта · Стиль барокко

    Барокко — это очень богато украшенный и продуманный стиль архитектуры, искусства и дизайна, который процветал в Европе в 17-м и первой половине 18-го века.Возникнув в Италии, его влияние быстро распространилось по Европе, и он стал первым визуальным стилем, оказавшим значительное влияние на весь мир.

    Определяющей характеристикой стиля барокко был способ, которым изобразительное искусство живописи, скульптуры и архитектуры были объединены в единое целое, чтобы передать единое сообщение или смысл.

    Искусство и дизайн в стиле барокко обращались непосредственно к чувствам зрителя, обращаясь к эмоциям, а также к интеллекту.Он отражал иерархическое и патриархальное общество того времени, развивался и использовался власть имущими — церковью, абсолютными правителями и аристократией — как убеждать, так и производить впечатление, быть одновременно богатым и значимым. По сравнению с контролируемыми и тщательно сбалансированными пропорциями, связанными с эпохой Возрождения, барокко известно своим движением и драматизмом.

    Влияние барокко распространилось из Италии и Франции на остальную Европу, а затем через европейские колониальные инициативы, торговлю и миссионерскую деятельность распространилось в Африку, Азию, Южную и Центральную Америку.Его глобальное распространение привело к тому, что китайские резчики работали в Индонезии, французские мастера-серебряники в Швеции и итальянские специалисты по твердому камню во Франции. Скульптура была отправлена ​​с Филиппин в Мексику и Испанию, в то время как стулья лондонского производства разошлись по всей Европе и через Атлантику, а французские королевские мастерские производили предметы роскоши, которые были желанными и имитируемыми модным обществом по всей Европе. Тем не менее, как стиль, барокко также изменилось по мере того, как оно пересекло мир, адаптируясь к новым потребностям и местным вкусам, материалам и условиям.

    Гравюра по И Ланьтай, 1781 — 86 гг., Китай. Музей № 29452: 9. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    В Китае европейские павильоны были величайшим проявлением интереса правителей Цин к искусству Европы. Эти дворцы в европейском стиле были частью Юаньминь Юань или Старого летнего дворца в Пекине, летней резиденции императора Цяньлуна. Спроектированные священниками-иезуитами, павильоны, большинство из которых были построены между 1756 и 1766 годами, были основаны на моделях в стиле барокко и включали грандиозные фонтаны и статуи.В 1780-е гг. Был заказан комплект гравюр на меди, изображающих европейские павильоны. Этот альбом, копия которого находится в нашей коллекции, представляет собой важную визуальную запись павильонов, разрушенных английскими и французскими войсками в 1860 году.

    Важной особенностью искусства и дизайна барокко является использование человеческих фигур. Представленные как аллегорические, священные или мифологические, эти фигуры помогли превратить произведение в драму, чтобы передать определенные сообщения и вызвать эмоции зрителя.У них есть чувство реалистичной непосредственности, как если бы они были остановлены на полпути. Выражение лица, поза, жест и драпировка использовались для добавления драматических деталей.

    Бюст английского короля Карла II из нашей коллекции идеально передает драматизм портретной живописи в стиле барокко. Изображенный в оживленной манере, его голова повернута набок, а над кружевным галстуком и вздымающейся драпировкой ниспадает сложный парик. Такие величественные барочные изображения монархов и могущественных аристократов были более распространены во Франции 17-го века, чем в Англии, но Чарльз провел большую часть своей юности в континентальной Европе и отдавал предпочтение европейским художникам.Бюст выполнен в традициях ярких и внушительных портретов монархов и недвусмысленно подтверждает статус короля.

    Портретный бюст Карла II, Оноре Пелле, 1684, Италия. Музей № 239-1881. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    Производительность архитектуры

    Здания в стиле барокко также были динамичными и драматичными, как с использованием, так и с нарушением правил классической архитектуры. Внутри архитектура перекликалась с театральными приемами: расписные потолки заставляли комнаты казаться открытыми небу, а скрытые окна использовались для освещения куполов и алтарей.

    Опять же, дизайн использовался для передачи определенных значений и эмоций. Папский Рим стал ключевым местом религиозной архитектуры в стиле барокко. Пример театральности барокко можно найти в дизайне площади Святого Петра Джанлоренцо Бернини (1598–1680). Его величественные, внушительные изогнутые колоннады, в центре которых находится обелиск, используются как для того, чтобы ошеломить посетителя, так и для того, чтобы привлечь его в объятия церкви.

    Архитектура барокко также повлияла на формирование общественных пространств города.Публичные торжества играли важную роль в политической жизни нации. Обычно такие мероприятия проходили на открытом воздухе и представляли собой тщательно продуманные зрелища. Городские площади, такие как Пьяцца Навона в Риме и площадь Луи-ле-Гран (ныне Вандомская площадь) в Париже, были фоном для фейерверков, щедрых театральных представлений и шествий в сложных и дорогих костюмах.

    Впечатляющая архитектура также использовалась для усиления власти абсолютных правителей, например, Версальский дворец во Франции — наиболее имитируемое здание 17 века.В 1717 году шведский архитектор Никодемус Тессин Младший составил «трактат об убранстве интерьеров для всех видов королевских резиденций и других памятных мест как в городе, так и в деревне», основываясь на своих путевых заметках. Одним из самых дорогих и недавних нововведений, которые он зафиксировал, было наличие зеркал настолько больших, что они покрывали целые стены. Он также отметил использование стекла над камином в Королевской палате в Версале.

    Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710-20, Англия.Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    Увлечение физическими материалами было центральным в стиле барокко. Виртуозные предметы искусства из редких и драгоценных материалов издавна ценились и хранились в специальных комнатах или шкафах вместе с образцами естествознания, научными инструментами, книгами, документами и произведениями искусства. Однако в период барокко рождение современной науки и открытие мира за пределами Европы вызвали все более серьезный интерес к природе и значению этих экзотических материалов.Такие раритеты, как фарфор и лак из Восточной Азии, вошли в моду, и им подражали в Европе. Также были разработаны новые методы, такие как маркетри (укладка шпона из древесины разного цвета на поверхность мебели), разработанные французскими и голландскими краснодеревщиками и заимствованные у них в других странах.

    Ценность таких материалов можно увидеть в фарфоровой чашке из нашей коллекции. Изготовленный между 1630 и 1650 годами в Китае первоначально как сосуд для кистей для письма, позже в Лондоне были добавлены экстравагантные позолоченные серебряные оправы, которые превратили сосуд для кистей в роскошную декоративную чашку с двумя ручками и крышку.

    Фарфоровая чашка, вероятно, Вольфганг Хаузер, 1660-70, Англия. Музей № M.308-1962. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    Изображения природного мира, а также мотивы, заимствованные из человеческих и животных форм, были популярными элементами декора. Самым распространенным видом цветочного декора в стиле барокко был бегущий свиток, часто сочетающийся с акантом — стилизованным вариантом настоящего одноименного растения. Кружка конца XVII века в нашей коллекции отличается пышным цветочным декором.Листья цветов превратились в извивающуюся листву, а сами цветы имеют полосатые лепестки, которые, вероятно, представляют собой тюльпан, еще один ключевой мотив искусства барокко.

    Кружка Peg, производитель неизвестен, около 1690 г., вероятно, Дания. Музей № КРЕДИТ: GILBERT.603-2008. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    Аурикулярный стиль с мягкими, мясистыми абстрактными формами также возник в начале 17 века, создавая эффект неоднозначный, наводящий на размышления и причудливый.Фактически, термин «барокко» появился позже — «причудливый» был одним из слов, используемых в то время для обозначения стиля, который мы ассоциируем с сегодняшним барокко.

    Театр был площадкой для великолепных постановок драмы, балета и оперы — нового вида искусства в то время. Эти представления с их богато украшенными костюмами, сложными декорациями и оригинальным оборудованием вызывали изумление и трепет. Театр пользовался успехом как у публики, так и при дворе. Написанная Жан-Батистом Люлли для французского двора Людовика XIV (годы правления 1643–1715), опера Атис была настолько любима королем, что стала известна как «Королевская опера».В нашей коллекции есть перо и чернила для костюма персонажа Геркулеса в Atys . Он изображен в балетной позе, одет в костюм в римском стиле и идентифицирован по дубинке и львиной шкуре.

    Эскиз костюма, Жан Берен Старший, 1676, Франция. Музей № С.1108-1982. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    Театр также сыграл свою роль в борьбе за власть между европейскими дворами. Правители соперничали друг с другом в великолепии своих постановок.Во Франции театр и опера также стали ключевым элементом культурной политики Людовика XIV, которая использовалась для управления дворянством и выражения его силы и великолепия. В начале 18 века само здание театра приобрело новое значение как доказательство придворной, гражданской или технологической мощи. Возникшие в результате новые здания по всей Европе создали театр в том виде, который мы знаем сегодня.

    Однако к середине 18 века стиль барокко, казалось, все больше не соответствовал настроениям времени, в котором все большее внимание уделялось разуму и научным изысканиям.Барокко критиковали как «аморальный» стиль, а искусство и дизайн отказались от использования эмоций, драмы и иллюзий, вернувшись к более простому стилю, вдохновленному классической древностью. Лишь в конце 19 века стиль снова стал подвергаться критической переоценке.

    Фоновое изображение: Расписное зеркало, вероятно, Антуан Моннуайе, 1710–2020 годы, Англия. Музей № W.36: 1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

    Архитектура барокко: стиль, характеристики и особенности — Видео и стенограмма урока

    Архитектура барокко в итальянских церквях

    Начнем, как и стиль барокко, с Италии.Здесь мы видим наиболее очевидное архитектурное новшество в стиле барокко: использование изгибов. В церкви Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане мы видим, как прямые линии сменились изящными изгибами, что придает зданию характерный вид в стиле барокко. От округлых окон до изящной волнистости всего фасада, эта церковь радует глаз. В Венеции, в церкви Санта-Мария-делла-Салюте, мы видим еще один ключевой аспект искусства барокко — симметричную неровность.

    Каждая сторона этой восьмисторонней структуры предлагает зрителю новую перспективу, отличную от предыдущей, но симметричную по своему собственному праву.На каждом шагу открываются новые виды и разнообразное убранство: от стандартных статуй в нишах до новых завитков камня, поддерживающих высокий купол.

    Переосмысление Ватикана

    И все же, возможно, лучший образец архитектуры барокко в Италии находится в самом Риме. В центре Ватикана находится базилика Святого Петра. Это впечатляющее сооружение достигло своего нынешнего состояния благодаря архитекторам в стиле барокко.

    Слева и справа массивная колоннада, спроектированная Бернини, создает панорамный эффект, привлекая взгляд к базилике в ее центре.Вдоль вершины этой колоннады ряд статуй разбивают силуэт, обеспечивая разнообразие, даже несмотря на то, что он обрамляет базилику с симметричными крыльями.

    Фасад базилики, спроектированный Мадерной, — это маленькое чудо. Здесь мы можем увидеть разнообразие архитектуры барокко в самом разгаре. Как и колоннада, линия горизонта фасада Мадерны периодически прерывается статуями и другими украшениями.

    И все же Мадерна идет дальше, смешивая стили, чередуя квадратные столбцы с круглыми.Точно так же фронтоны над окнами и дверями также чередуются между округлыми и треугольными формами. Действительно, типов дверей и окон почти столько же, сколько дверей и окон.

    Тем не менее, все это обильное разнообразие регулируется и контролируется для создания симметрии, поскольку каждый новый дизайн справа перекликается с аналогичным дизайном слева. Общий эффект такой же грандиозный и упорядоченный, как и живописный и визуально завораживающий.

    Но барокко не ограничивается только внешним видом.Базилика Святого Петра соединяется с Апостольским дворцом по впечатляющей лестнице, спроектированной Бернини, которая называется Scala Regia или «Лестница королевы». Лестница Бернини сжимается до точки схода, из-за чего она кажется длиннее и выше, чем она есть на самом деле.

    В этом отношении, по крайней мере, Бернини пытался сделать то, чего не пробовали с классических времен: вплетать оптическую иллюзию в архитектурный дизайн, чтобы обмануть глаз и увидеть что-то еще более грандиозным и большим, чем оно есть на самом деле.

    Таким образом, в Италии мы увидели основу тем, которые будут повторяться снова и снова в архитектуре барокко: использование кривых, введение нерегулярного декора и дизайна, подчинение неравномерности симметрии и включение оптических элементов. иллюзия в архитектурный дизайн.

    Прекрасный Лувр

    Пока Папа поддерживал искусство в Италии, на другой стороне Альп появлялся новый покровитель искусств. Людовик XIV, Король-Солнце, абсолютный монарх Франции, решил повысить свой статус с помощью масштабной кампании в области искусства.Миссия Луи была одновременно пропагандистской и практической. Что касается пропаганды, Луи хотел окружить свой город и двор лучшими произведениями искусства в мире. С практической точки зрения Луи знал, что с относительно дешевыми материалами (камень, холст, бронза и краска) опытный художник может создавать бесценные произведения искусства. Хотя алхимикам не удалось превратить свинец в золото, Луи знал, что может превратить камень в сокровище. Итак, Луи приступил к созданию сокровищницы искусства. В основе этого проекта лежал Лувр, где Луи размещал художников, которых он привез со всей Европы, а также величайшие художественные сокровища Франции, в том числе Мону Лизу Да Винчи.Чтобы сделать Лувр достойным воплощенного в нем художественного таланта, Луи заказал полную реконструкцию Лувра, превратив частную резиденцию в провозглашение статуса Франции столицей искусства.

    На восточном фасаде Лувра, спроектированном Перро, мы можем увидеть некоторые из тех же элементов барокко, которые мы видели в Италии, особенно неправильные проемы и акцент на симметрии. И все же этот дизайн кажется почти ручным по сравнению с шумным изобилием Ватикана. Мы должны зайти в Лувр, чтобы по-настоящему увидеть барокко в действии.В Лувре находится Галерея Аполлона, спроектированная Лебреном.

    Здесь мы начинаем понимать, что означает французское барокко. Нежные изгибы и завитки украшают каждую поверхность.

    Входы могут быть изогнутыми и треугольными. Даже паркетный пол демонстрирует головокружительное разнообразие дизайна. Низкая арка потолка разбита как картинами, так и скульптурами, из-за чего кажется, что потолок взлетает намного выше своей реальной высоты. Но если провести линию посередине галереи, все это головокружительное разнообразие упадет в упорядоченную симметрию, так как даже художественный хаос приведен в порядок.

    Версаль: воплощение архитектуры барокко

    И все же Лувр был недостаточно велик для амбиций Людовика. Зачем ему довольствоваться дворцом, если Папе принадлежит целый город? Людовик XIV считал, что у него должна быть резиденция не меньше, чем у Папы. С этой целью Людовик начал строительство самого амбициозного архитектурного проекта своего времени: Версальского дворца.

    Вот, наконец, достаточно большой холст для архитектурных амбиций Людовика.Людовик сделал свой дворец непревзойденным шедевром архитектуры барокко. Каждый дюйм покрыт декоративными статуями. Даже козырьки крыш украшены бронзовой филигранью. Из каждого окна открываются новые виды. Тем не менее, все эти особенности находятся в идеальной симметрии, но масштаб невообразимый.

    Даже сами территории были приведены в соответствие с планом Людовика в стиле барокко, с садами с замысловатым узором, в которых даже деревья были выровнены, обрезаны в геометрические формы и выложены с симметричным совершенством.Внутри Версаль еще более впечатляет, с множеством богато украшенных галерей. Самым впечатляющим из них является Зеркальный зал, спроектированный Лебреном.

    Здесь Ле Брен выводит те же приемы, которые он использовал в Галерее Аполлона в Лувре, на совершенно новый уровень. Каждый шаг изобилует великолепными деталями. С каждого взгляда открываются виды захватывающей дух красоты. Потолок украшен замысловатой скульптурой, а сам потолок окрашен, чтобы вызвать ощущение трехмерности, с картинами, установленными в расписных рамах, которые сами поддерживаются расписной архитектурой.И все же иллюзии идут еще дальше, поскольку с одной стороны зала окна, выходящие на улицу, заливают светом, а с другой стороны идентичная серия проемов застеклена зеркалами, создавая у смотрящего впечатление, что он идет по улице. коридор солнечного света и дальнейшее расширение пространства. И в истинной форме барокко все это обильное разнообразие, все эти роскошные украшения, все эти иллюзии и эффекты идеально сбалансированы в симметричное целое, от которого захватывает дух.По всем этим причинам Версаль многие считают воплощением архитектуры барокко.

    Резюме урока

    Для обзора:

    Архитектура барокко зародилась в Италии, где она приобрела свои основные характеристики: использование кривых, введение нерегулярного декора и дизайна, подчинение неравномерности симметрии и включение оптических элементов. иллюзия в архитектурный дизайн. Во Франции эти тенденции расцвели под покровительством Людовика XIV, чей дворец в Версале и по сей день остается лучшим образцом архитектуры барокко.

    Результаты обучения

    После просмотра этого видеоурока вы сможете:

    • Вспомнить, где зародилась архитектура барокко
    • Список основных тем архитектуры барокко
    • Назовите то, что считается лучшим образцом архитектуры барокко

    Основы искусства барокко | Искусство мужественности

    Это часть II из серии, разработанной для ознакомления читателей с простыми основами некоторых основных периодов западного искусства в надежде дать вам что-то сказать на вашем следующем свидании в музее и более глубокое понимание искусства в целом.Первая часть посвящена основам искусства эпохи Возрождения.

    Основы искусства барокко


    Период времени: 1600s-1700s

    Предыстория: Когда Мартин Лютер написал свои 95 тезисов в 1517 году, он запустил механизм, который навсегда изменил мир мир: протестантская Реформация. Его критика католической церкви и аргументы в пользу таких вещей, как верховный авторитет Священного Писания и оправдание только верой, распространились по всей Европе через печатный станок, сделав новообращенных и основав новые протестантские деноминации.

    В ответ католическая церковь начала собственное внутреннее реформирование, чтобы устранить коррупцию и четко определить свои доктрины и богословие. Эта контрреформация нашла свое самое важное выражение в Тридентском соборе, созванном папой Павлом III в 1545 году. Хотя Совет предпринял шаги по реформированию внутренних злоупотреблений, он не попытался пойти на компромисс с протестантами в вопросах доктрины; вместо этого Церковь решительно подтвердила истинность позиций, на которые напали протестанты.Это наполнило католическую веру новой энергией и уверенностью.

    Но менее известным следствием Трентского совета было его влияние на искусство.

    Частью реформы церкви было просвещение ее членов, помогая им больше узнать о своей вере. Это была непростая задача, поскольку большинство людей в то время были неграмотными. Совет Трент объявил, что искусство должно использоваться для объяснения глубоких догм веры всем, а не только образованным. Для этого религиозное искусство должно было быть прямым, эмоционально убедительным и мощным, предназначенным для зажигания духовного воображения и воодушевления зрителя на большее благочестие.

    Новые деноминации, такие как кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми, упрощенными делами. Но Совет утверждал, что Богу величия и силы следует поклоняться с помощью ритуалов, церемоний и церквей, соответствующих этим божественным качествам. Это утверждение красоты и грандиозности проявлений веры нашло свое отражение в искусстве барокко.

    На что обратить внимание в искусстве барокко:

    • Изображения прямые, очевидные и драматичные.
    • Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
    • Изображения кажутся физически и психологически реальными. Эмоционально напряженный.
    • Экстравагантные декорации и украшения.
    • Эффектное использование цвета.
    • Драматические контрасты между светом и тьмой, светом и тенью.
    • В отличие от искусства эпохи Возрождения с его четко очерченными плоскостями, где каждая фигура расположена изолированно друг от друга, в искусстве барокко есть непрерывное наложение фигур и элементов.
    • Общие темы: грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет, напряженные психологические моменты.

    Примеры:

    Экстаз Святой Терезы , Джованни Лоренцо Бернини, 1652. Общей темой художников барокко был чудесный момент, когда божественное встречается с земным, священное вторгается в мирское. Святая Тереза ​​была мистической монахиней, которая записала опыт, в котором ангел спустился и пронзил ее внутренности пылающей стрелой божественной любви.Боль была сильной, но сладкой и привела ее в экстаз перед Богом. Также демонстрируется использование света в стиле барокко; деревянные лучи эффектно спускаются вниз и освещаются окном с желтыми панелями над скульптурой.

    Преобразование на пути в Дамаск , Караваджо, 1601. Караваджо, пожалуй, мой любимый художник любого периода, и это моя любимая его картина. Изображен момент, когда Савл (который вскоре станет Павлом) переживает переживание обращения по дороге в Дамаск.Мы снова видим барочную тему божественного, внезапно вторгающегося в земную сферу. Караваджо был мастером использования тени и света, чтобы усилить драматизм и значение своих картин. Здесь Божий свет сбил Саула с его лошади, и его руки вытянулись в форме воронки, чтобы принять свет. Между тем человек и лошадь, которые символизируют обычный земной мир и не обладают полным опытом, находятся в тени.

    Распятие Святого Петра , Караваджо, 1601 .В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, любимых художниками эпохи Возрождения, Караваджо предпочитал рисовать сцены и людей такими, какими их мог бы видеть глаз, включая естественные недостатки. Он не чувствовал, что картина должна быть сентиментальной, чтобы быть сильной, вместо этого полагая, что внутренняя природа сцены, красноречие, запечатленное в реальных позах фигур, были эффективными с педагогической точки зрения. Его картины были настолько реалистичными, что посетители иногда отвергали их как слишком «вульгарные». На этой картине св.Распинают Петра. Он попросил повесить его на кресте вверх ногами, чтобы не подражать своему Господу. Божественный свет сияет на Петра, в то время как лица римлян скрыты тенями. Питер кажется намного тяжелее, чем можно было бы ожидать — трое мужчин изо всех сил пытаются поднять его, что символизирует тяжесть их преступления.

    Четыре континента , Питер Пауль Рубенс, 1615. Питер Пауль Рубенс был ведущим художником Контрреформации и привнес энергию, чувственность и драматизм искусства барокко не только в религиозные произведения, но и в исторические. и мифологические темы (а иногда и сочетание всех трех).На творчество фламандского художника повлияло как его образование в Антверпене, так и поездка в Рим, элементы, которые стали мастерским синтезом стилей Ренессанса и барокко. В Четыре континента вы можете увидеть черты барокко ярких цветов, телесности и перекрывающихся фигур. Символизируя распространение католической церкви по всему миру, изображение четырех континентов в виде женщин было общей темой в искусстве Контрреформации, особенно в церквях иезуитов. Склонность Рубена изображать женщин с мясом на костях привела к известному прилагательному «Rubenesque» для описания полных женщин.

    «Снятие с креста» , Рембрандт, 1634. Хотя Рембрандта, пожалуй, больше всего помнят за его портреты, он также был мастером пейзажа и религиозной тематики в стиле барокко. Во всех своих картинах и офортах он стремился к «величайшему и наиболее естественному движению». В его «Спуск с креста » мы снова видим барочную подпись эмоциональной сцены, усиленной драматическим использованием света и тени. Свет сияет на теле Христа, верных женщинах, которые стояли рядом с ним, и на саване, в котором он вернется к жизни.

    Мои любимые Рембрандты — это его серия «Философ», на которую мне, вероятно, не нужно указывать, блестяще использую тень и свет:

    Философ в медитации

    Философ с открытой книгой

    Философ Чтение

    Основы искусства Серия
    Эпоха Возрождения
    Период барокко
    Романтический период

    Детали Сделайте разницу в стиле барокко, мебель в стиле рококо

    Он золотой с декоративными украшениями, обитый красивым шелком. диван барокко.Или это диван в стиле рококо? Оба этих стиля мебели красивы и востребованы, но знаете ли вы разницу между барокко и рококо? При изучении этих стилей становится очевидным, что, хотя каждый из них имеет определяющие характеристики, есть веские причины, по которым иногда трудно отличить барокко от рококо.

    Определение барокко

    Барокко фактически относится к определенному периоду, охватывающему с 17 века до начала 18-го, -го, -го века.В это время стиль, зародившийся в Италии около 1600 года, стал популярным во всей Европе и за ее пределами.

    Позолоченное дерево с симметричными деталями указывает на эпоху барокко. Массивные деревянные ножки стола и большие резные подлокотники дивана играют в стиле барокко.

    Согласно Stip International — и словарю Вебстера — термин барокко, вероятно, происходит от португальского слова «барокко», что означает «неровный жемчуг». В этом стиле обычно используются классические порядки и орнаменты в свободной и скульптурной манере, вызывающей движение и имеющей драматический эффект.Стиль барокко пронизывал большую часть культуры, включая сады, архитектуру, музыку и искусство.

    Цветочные украшения распространены в обоих стилях, но рококо использует более светлые тона.

    Архитектура барокко подчеркнула смелую массу, колоннады, купола, светотеневые «живописные» цвета и смелую игру объема и пустоты. Это тоже эпоха, когда в моду вошли монументальные лестницы — Wikipedia .

    Инкрустация деревом, называемая маркетри, была отличительной чертой многих предметов мебели в стиле барокко.

    Мебель эпохи барокко можно отличить по очень изысканному и роскошному виду. Характерны замысловатые, замысловатые и преувеличенные украшения, которые чаще всего включают цветы, листья и херувимов. Мебель в стиле барокко была очень детализирована и чрезмерно украшена, создавая общий вид грандиозный и роскошный, но при этом симметричный и сбалансированный. Согласно лондонскому музею Виктории и Альберта , интерьеры эпохи барокко были роскошными: мебель была обита богатым бархатом и дамасской обивкой, обрамлена позолоченным деревом и маркетри.Стиль оставался модным примерно до 1725 года.

    Более светлые тона и тонкие элегантные ножки этих предметов отмечают их как рококо. Причудливое зеркало и консоль с мраморным верхом — типичный стиль барокко.

    5 Характеристики мебели в стиле барокко

    Музей объясняет, что мебель в стиле барокко имеет несколько определяющих характеристик:

    Лампы и аксессуары в стиле барокко украшены знаковыми листьями и завитками. Поднятый, позолоченный орнамент и округлая форма этого комода — это барокко.Обилие золота и более темных оттенков слоновой кости типично для стиля барокко.

    Мотивы листвы В орнаменте стиля барокко много растений, в том числе извивающейся листвы и цветочных гирлянд.

    Маркетри — Маркетри — это укладка шпона разного цвета на поверхность мебели. Мебельные мастера переняли эту технику у французских и голландских краснодеревщиков.

    Putti — это итальянское слово, которое означает «мальчики» и относится к пухлым младенцам, используемым в большей части декора в стиле барокко.

    Герб и инициалы — Монограммы, используемые в декоративных целях, были обычным явлением в мебели в стиле барокко, как и геральдические гербы.

    Мотив ламбрекена — Мы уже отмечали, что эпоха барокко была характерна для роскошных тканей, и особенности этих тканей использовались и в других медиа. Мотив ткани с кисточками, называемый ламбрекеном, является одним из наиболее часто встречающихся.

    Шелк использовался для обивки в более светлый период рококо.

    Французы были главными приверженцами стиля барокко.Правление Людовика XIV ознаменовало конец Возрождения и рост этого очень влиятельного стиля, который часто считается самым великолепным из стилей французского периода, пишет V&A. В эту эпоху процветали великие дизайнеры мебели и краснодеревщики. Андре Шарль Буль был краснодеревщиком при короле Людовике XIV и был одним из величайших мастеров инкрустации черного дерева панцирем черепахи, латуни и других металлов. Он создал великолепные произведения, которые, как мы знаем, относятся к эпохе барокко Людовика XIV.

    Позолоченные архитектурные детали были обычным явлением в обоих стилях дизайна. Декорированные стеновые панели были частью большинства интерьеров в стиле барокко.

    Первоначально мебель эпохи барокко имела поворотные ножки или пьедестал, а затем изогнутые ножки. По словам музея, именно в этот период стали обычным явлением маленькие круглые и продолговатые столы и консоли. Комоды и шкафы, многие из которых были украшены деревянными панелями, были в моде. Краснодеревщики использовали преимущественно дуб, орех, каштан, черное дерево. Большая часть украшений была сделана из розового дерева, сандала, тюльпана и других экзотических пород дерева.

    Основная форма мебели в стиле барокко также отличается: изогнутые ножки являются визитной карточкой того времени. Эти изделия ручной работы в подавляющем большинстве приехали из Италии и были изготовлены из лучших пород дерева. Мягкие предметы могли быть покрыты тканью или кожей, но дерево всегда было отличительной чертой каждого предмета мебели в стиле барокко.

    Первые предметы мебели в стиле барокко были покрыты прозрачным слоем лака, отмечает Stip. Со временем предпочтения изменились, и стали производиться разные виды мебели в стиле барокко.Среди состоятельных людей изделия из дерева, выкрашенного золотом, были очень популярны как символ статуса. Иногда эта краска — золотая или белая — имела потрескавшуюся поверхность.

    Сочетание элементов явно барочного стиля, таких как эта роскошная рама, с более современными элементами, хорошо работает в современных помещениях. Эта столовая является прекрасным примером того, насколько величественными и экстравагантными могут быть комнаты в стиле барокко.

    Разница между стилями барокко и рококо

    Рококо

    Более легкий и изящный стиль рококо зародился во Франции в конце периода барокко.Фактически, это обычно считается подмножеством эпохи барокко, отмечает SF Gate HomeGuides . На самом деле некоторые историки называют это поздним барокко. Рококо — это стиль, который использовался в дизайне интерьеров и искусстве художниками и дизайнерами, но не архитекторами. Тем не менее, это был более короткий стилистический период: эпоха барокко охватывала 17 века, однако эпоха рококо длилась с 1730-х до 1760-х годов, то есть во времена Людовика XV.

    Более светлые тона и штрихи шинуазри обычны в стиле рококо.В рококо по-прежнему широко используется золото, но в целом цвета более светлые и пастельные.

    Термин рококо происходит от французского слова rocaille, которое обозначает каменную кладку, покрытую ракушками, которая использовалась для украшения искусственных гротов, пишет Britannica . Рокайль также говорит о том, как французы любят оформлять каменные сады в форме ракушек.

    Шелковая обивка и более светлые оттенки слоновой кости — стиль рококо.

    В то время как барокко было пышным и тяжелым — более «серьезным», рококо считается более легкомысленным, легкомысленным, фантастическим и причудливым.Украшение обычно использовалось для создания ощущения потока, особенно с использованием абстрактных и асимметричных деталей. Часто он также включал азиатские мотивы, такие как шинуазри. Торговля с Дальним Востоком повлияла на декоративные мотивы, и эти узоры и лакировка становились все более модными.

    Приглушенные цвета, стиль люстры и позолоченные акценты этой более современной гостиной напоминают рококо.

    Стиль возник как «восстание против унылого и торжественного барочного замысла королевских дворов Франции в Версале».«Общее настроение эпохи рококо было сосредоточено на комфорте, тепле, уединении и непринужденности, в отличие от тяжелого стиля барокко, который также означал, что Бог и церковь были могущественными.

    Несмотря на то, что эти золотые детали в стиле рококо по-прежнему величественны, они светлее и ярче. Из-за более тонких ножек и приглушенной люстры предметы в этой комнате больше в стиле рококо, чем в стиле барокко.

    Согласно DenGarden , интерьер и его элементы ощущаются как единый организм, гармонизирующий и создающий единый эффект.Изготовленные на заказ изделия были частью усилий по созданию гармоничного внутреннего декора. Большое внимание уделялось расстановке мебели, форме деталей и декоративным особенностям элементов.

    Эта хорошо скоординированная спальня может выглядеть в стиле барокко, но шелковая обивка намекает на ее происхождение в стиле рококо.

    Стиль рококо также продвигал одноэтажный салон, чтобы продвигать интимность, и он не был столь целенаправленным, впечатляющим гостей, как эпоха барокко с его двухэтажными комнатами. В эту эпоху также наблюдается рост будуара, а также комнат, посвященных таким развлечениям, как игры, музыка и чтение.Шезлонг был разработан в эту эпоху.

    Элегантные изогнутые ножки стульев и консоли в стиле рококо.

    Вместо того, чтобы начинать заново, богатые владельцы поместья сохранили архитектуру своих домов в стиле барокко, но обновили интерьеры с помощью штукатурки, фресок, зеркал, мебели и фарфора в более легком и женственном стиле.

    Этот номер в стиле рококо отличается более причудливой люстрой, столом с маркетри и более легкой обивкой с азиатскими мотивами. Легкие узоры с изображением различных растений часто использовались для настенных бра, которые стали популярными в период рококо.

    Когда вы смотрите на мебель в стиле барокко и рококо, они кажутся очень похожими. Оба они сильно украшены, имеют округлые ноги — иногда ноги животных — и украшены замысловатыми украшениями в виде свитков, листьев и ракушек. Но если присмотреться, то различия начинают проявляться: мебель в стиле рококо более нежная и женственная, в ней используются более светлые оттенки слоновой кости, золота и пастельных тонов. У стульев более тонкие ножки, сиденья органической формы и более широкие подлокотники. Причем симметрия не критична. Обивка в стиле рококо похожа на обивку в стиле барокко, но включает в себя парчовую ткань и шелк с цветами или росписью.

    Это современный взгляд на стиль рококо с сиденьем органичной формы и анималистичными ножками. Все аксессуары в стиле рококо выполнены из типичной слоновой кости с акцентом на золото и цветы пастельных тонов. Пышный шелк, типичный для интерьеров в стиле рококо, сочетается с более современными предметами интерьера. Современный поворот эпохи. Современные комнаты в стиле рококо, скорее, украшены обоями, а не резными стеновыми панелями оригинальной эпохи.

    В интерьерах в стиле рококо часто используются большие канделябры, великолепные люстры и настенные бра, которые создают уютное пространство.Зеркала также заметно усиливают ощущение открытого пространства. Их роскошно позолоченные рамы часто вешали на стены с цветочной резьбой.

    Орнамент на зеркале и шкафчике можно идентифицировать как рококо из-за их ассиметрии. Отсутствие позолоты, а также шелковый абажур и обивка указывают на стиль рококо.

    В то время как в обоих стилях видное место занимает искусство, в искусстве рококо используются пастельные тона, змеевидные изгибы и более легкие темы, такие как романтическая любовь и портретная живопись.Искусство барокко более мрачное, драматичное и театральное.

    Популярность стиля рококо начала снижаться к 1750-м годам. Критики во Франции нападали на его тривиальность и чрезмерную орнаментацию, что привело к более строгому неоклассическому движению в 1760-х годах. В этой спальне в стиле рококо с шелковой обивкой использовались роскошные ткани, которые использовались как в эпоху барокко, так и в эпоху рококо, но в первую очередь — бархат и тяжелая парча. называется рококо из-за выбора более светлых тканей и красных оттенков, которые, вероятно, имеют азиатское влияние.Столовая в стиле рококо выглядела бы так, с более изящными, женственными линиями на стульях и меньшим количеством позолоченных предметов.

    Да, у каждого стиля есть свои особенности, но поскольку рококо выросло из эпохи барокко, у них довольно много общего. Эти общие черты позволяют легко смешивать и сочетать части. Те, кто любит витиеватую природу этих стилей, могут быть счастливы полностью погрузиться в барокко в помещении. Тем не менее, вполне приемлемо включить всего несколько предметов мебели в стиле барокко и рококо в современный интерьер, поэтому люди, которые обычно предпочитают более чистые линии, все же могут привнести в интерьер немного позолоченной прихоти.

    Стиль барокко | Ювелирные изделия в стиле барокко и серебро

    После пика Возрождения (который охватил период с 15 по начало 18 века) и предшествующего неоклассицизма (с 18 по начало 19 века) мы находим «барокко». Возникший в начале 1600-х годов в Риме, период барокко считается реакцией на своего жесткого предшественника эпохи Возрождения. Характерные черты барокко включают плавные линии, цветочные мотивы и одержимость симметрией.Он охватил все элементы культуры: архитектуру, моду, музыку, искусство и (конечно) дизайн ювелирных изделий и серебра.

    Этот стиль действительно впечатляет. Он не сдерживал ничего грандиозного и замысловатого, о чем свидетельствует его архитектурный стиль. Одним из экстравагантных примеров архитектуры барокко во всей красе является Версальский дворец недалеко от Парижа (на фото). Интерьеры церквей в стиле барокко также являются впечатляющими достопримечательностями; прокручивающийся орнамент заполняет стены и удивительным образом обрамляет впечатляющую фреску.


    Римско-католическая церковь была одной из первых опор стиля барокко. Излишне снисходительный стиль послужил отличным протестом против сдержанного протестантского стиля, который раньше был распространен по всей Европе. Существовали различные направления этого художественного периода, в том числе рококо, возникшее в 1740-х годах; Рококо было еще более экстравагантным ответом Центральной Европы на итальянское барокко.

    Стиль барокко господствовал в Европе примерно до 1750-х годов.Именно в этот момент искусство и культура пережили классический ренессанс: неоклассический стиль. Считается, что этот сдвиг был частично вызван группой французских художников, которых мадам де Помпадур (любовница Людовика XV) отправила путешествовать по Италии.


    Вечеринка вернулась с возрожденной страстью ко всему классическому, и, таким образом, стиль барокко оказался на грани упадка. Многие считали неоклассический стиль более достойным по сравнению с причудливым барокко, а некоторые зашли так далеко, что осудили и высмеяли стили барокко.Критик неоклассического искусства Франческо Милиция, например, писал:

    «Борроминини в архитектуре, Бернини в скульптуре, Пьер де Кортоне в живописи … — это чума для хорошего вкуса, заразившая множество художников».

    Его поддерживает утверждение викторианского критика Джона Раскина о том, что скульптура в стиле барокко не только плохая, но и морально испорченная.

    Стиль барокко подвергся упорной критике, но, конечно, какое художественное направление было встречено безоговорочно? Сегодня барокко вновь обрело авторитет и восхищается многими критиками и коллекционерами.Между двумя мировыми войнами он снова стал популярным и с тех пор неизменно ценится.


    Ювелирные изделия в стиле барокко

    Ювелирные изделия в стиле барокко, как и другие элементы периода барокко, отличаются своими ботаническими мотивами и яркой симметрией. Узор арабески часто использовался в ювелирном дизайне — он состоял из переплетенных плавных линий, часто включающих формы сердца. Мотивы арабески всегда идеально симметричны.Другой стиль дизайна, который занимал видное место в ювелирном дизайне того времени, был известен как «мавританский». Как и арабески, он состоял из замысловатых свитков. Он был вдохновлен северо-африканским и арабским мавританским декором.


    Среди других популярных тенденций в ювелирном деле в то время были выемчатая эмаль (исключительные примеры см. В работе Жана Тутина из Блуа), драгоценные камни в сочетании с желтым золотом и чрезмерное использование жемчуга. Жемчуг изготавливали в виде ниток, чтобы носить его в виде коротких ожерелий (дополняющих моду платьев с низкой линией шеи), застежек и в женских волосах.В то время жемчуг было относительно легко приобрести, и большая часть его поступала из Персидского залива. В то время также можно было создавать имитацию жемчуга, облицовывая стеклянные сферы смесью молотой рыбьей чешуи и лака, а затем заполняя сферу воском.

    Серьги-капли с жемчугом были особенно популярны в период раннего барка, и их обычно сочетали с оправой из желтого золота. В качестве классического примера см. Культовую работу Вермеера «Девушка с жемчужной сережкой» (на фото).Однако позже предпочтительный стиль серег стал более экстравагантным. Серьги Girandole обожали в более поздние годы барокко. Эти серьги характеризуются центральным элементом, окруженным свисающими орнаментами, создающими эстетику, напоминающую люстру.

    Бриллианты также были очень популярны в ювелирном дизайне в период барокко. Однако было бы кощунственно носить бриллианты в светлое время суток. Они предназначались исключительно для вечерних мероприятий и вечеринок при свечах — в контексте, в котором их великолепный блеск не пропадал даром.Они стали более доступными в результате расширения торговых соглашений с португальскими и индийскими компаниями. Это позволило английским и голландским торговцам получить доступ к алмазам из месторождения Голконда в Хайдарабаде в Индии.


    В эпоху барокко термин «бриллиант» впервые был использован для описания бриллиантов. Бриллианты в стиле барокко чаще всего имели мягкую или квадратную форму с отвесными павильонами и коронами. Затем эти бриллианты часто покрывали фольгой, чтобы действительно улучшить их сверкающие качества, и вставляли их в серебро.Одним из прискорбных последствий передовых технологий огранки, которые разрабатывались в то время, было то, что многие старые бриллианты должны были быть повторно огранены, чтобы не отставать от определенной моды. В то время это увеличивало их ценность. Однако было обидно, потому что часть вещества из оригинального алмаза будет потеряна.


    Помимо бриллиантов и жемчуга, к другим популярным драгоценным камням периода барокко относились рубин, топаз и изумруд; возможно, из-за их роскошно ярких цветов, которые дополняли бы экстравагантный стиль.Для менее обеспеченных людей теперь были доступны высококачественные бижутерия, которые производились в массовом порядке, в частности, украшения из вставок.

    Мода на ювелирные изделия мужчин в разных странах сильно различалась. Французские мужчины были известны тем, что выбирали самые экстравагантные украшения; Скорее всего, они следовали примеру Людовика XIV, у которого была впечатляющая коллекция украшений, в том числе знаменитых бриллиантов. В его коллекцию вошел «Бриллиант надежды» (на фото), цена которого впечатляющая — 45.52 карата, это один из самых известных и желанных бриллиантов в мире. Людовик XIV приобрел это впечатляющее произведение в 1668 году (столетие спустя, в 1791 году, оно было украдено, чтобы вновь появиться в 1839 году и принадлежало семье Хоуп, но это уже другая история…)

    На другом конце шкалы находятся испанцы. Им фактически было запрещено законом носить какие-либо украшения в течение этого периода. Ношение украшений также было очень сдержанным в Англии из-за пуританского правления. Те, кто полагается на Оливера Кромвеля, однако иногда надевали роялистские украшения с миниатюрными портретами казненного короля Карла I.


    Серебро в стиле барокко

    Как и следовало ожидать, серебро в стиле барокко имело схожие темы и мотивы — цветочные украшения и плавные узоры. Серебру барокко предшествовал ушной орнамент, который был очень популярен в Северной Европе. Аурикулярная (также известная как «лопастная») характеризовалась плавными абстрактными рельефными узорами. Основное стилистическое различие между ушной раковиной и барокко заключалось в том, что ушная раковина имела асимметричный дизайн; именно эта особенность и дала название движениям, так как их сравнивали с видом сбоку человеческого уха.


    С акцентом на технику изготовления серебряных изделий в стиле барокко, тиснение было излюбленным методом той эпохи. Это произошло потому, что это метод, с помощью которого легче реализовать сложные конструкции. На серебре барокко орнамент, как правило, использовался как украшение, а не как неотъемлемая часть самого изделия. Благодаря этому мастера-серебряники могли придерживаться довольно упрощенных форм, а затем сильно их украшать. Однако исключением из этой общей практики была чашка с тюльпанами, которая напоминает сильно украшенный кубок, выполненный в форме высокого тюльпана — многие из них были изготовлены семьей Феррн из Нюрнберга.

    С акцентом на технику изготовления серебряных изделий в стиле барокко, тиснение было излюбленным методом той эпохи. Это произошло потому, что это метод, с помощью которого легче реализовать сложные конструкции. На серебре барокко орнамент, как правило, использовался как украшение, а не как неотъемлемая часть самого изделия. Благодаря этому мастера-серебряники могли придерживаться довольно упрощенных форм, а затем сильно их украшать. Однако исключением из этой общей практики была чашка с тюльпанами, которая напоминает сильно украшенный кубок, выполненный в форме высокого тюльпана — многие из них были изготовлены семьей Феррн из Нюрнберга.

    Иногда мастера-серебряники решали объединить более одного стиля и техники в одном предмете. Ярким примером этого является блюдо Йоханнеса Лутмы; край блюда был украшен рельефными деревенскими сюжетами, изображающими времена года, а каждый картуш был окружен лопастным орнаментом. Еще одним известным серебряным делом, воплотившим в себе общие черты стиля барокко, был Клас Бэрдт из Босвальда. Бэрдт мастерски овладел темами декора в стиле барокко с использованием цветочных мотивов, таких как тюльпаны, которые покрывали всю поверхность столового серебра.


    Сегодня мы можем найти гораздо больше образцов серебра в стиле барокко, созданного после 1660 года, чем когда-либо прежде. Это связано с тем, что после реставрации Карла II (1660 г.) практика плавления серебра резко сократилась из-за наступления более мирной эпохи (лишний металл больше не был отчаянно нужен для использования в войне или внутренних раздорах). Однако после этого много серебра все еще было переработано, поэтому не все оно осталось.

    You may also like

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *